Puñaladas en 35 mm.

ABANDONADO

2006-11-16T03:53:00.000+01:00

Por si no os habíais dado cuenta...

...y hasta nuevo aviso. Dos años y pico no está nada mal.

EN OCASIONES LEO CUENTOS

2006-09-11T23:59:00.000+02:00

Atención: algún que otro spoiler gordo de Señales y El Bosque.

Por lo que a mí respecta, uno de los regresos cinematográficos más esperados de este año (junto con el de Almodóvar) era el de M. Night Shyamalan. Obviando sus dos primeras pelis, las que hizo antes de El Sexto Sentido -como hace todo el mundo-, este creador es capaz de parir películas mágicas, temática y estéticamente, y cada vez diferentes. Muy potentes, con mucho mensaje (a veces no muy constructivo), y visualmente deslumbrantes. Otra cosa es su capacidad de convicción, en ocasiones generalizadísima como con la del niño que veía muertos, otras veces minoritaria como con la de la ciega decimonónica y las capas amarillas. Pero amigos, a los que nos gustó El Bosque, nos gustó muchísimo, y esperábamos con ansia el resurgir del indoamericano, ya convertido en el maestro actual del cine fantástico. Y la cosa se ha quedado un poco en agua (mucha agua, eso sí) de borrajas.

La Joven del Agua es una película más que aceptable, pero tiene el problema de que viniendo de quien viene se esperaba algo mucho mejor de una premisa tan prometedora. Un vigilante de un bloque de apartamentos que encuentra una ninfa acuática en la piscina. Es genial, y muy en su línea de "lo cotidiano se choca con lo puramente fantasioso". El problema es que la historia está muy cogida por los pelos, y lo cotidiano brilla por su ausencia. La confrontación es inexistente, ya que desde el minuto uno esto es un cuento de viejas (chinas), y de esos ya nos sabemos muchos. Como se puede comprobar en lo peregrino del devenir de los acontecimientos, la historia se la inventó Shyamalan mientras se la contaba a sus hijas para que se fueran a la cama y, claro está, la exigencia de una niña de seis años soñolienta y un cine atestado de espectadores adultos no es la misma. "Y ahora sale un perro... y le muerde... y ella se va volando al cielo..."

En lo técnico y lo formal, la peli es de notable alto como todas las de este señor, pero eso ya lo dábamos por sentado antes de entrar a la sala. Imágenes potentes, música muy buena y que no se nota mucho, interpretaciones buenas como la de Paul Giamatti (y yo me pregunto: ¿porqué no hacen peluches de este hombre?). Lo mediocre de Shyamalan sigue estando por encima de la media de lo que se estrena normalmente, y más en los géneros que él toca, en los que más mierda se hace al año. Como un capítulo muy largo de Cuentos Asombrosos (serie que me fascinaba cuando infante), La Joven del Agua es disfrutable si uno no se la toma muy en serio. Y sobre todo, me gusta de esta película su análisis de la casualidad en el cine, o su parodia, no se sabe muy bien, y eso es lo bueno. Sobre todo en el cine de este autor. El dire se mira el ombligo, se ríe un poco de sí mismo y desmonta sus anteriores películas, ya que aquí los personajes saben que van a hacer cosas asombrosas aunque no tengan muy claro cómo ni quién va a hacer qué. La gente critica las coincidencias en este guión, pero, sinceramente, me parece que eso es delatar que no te habías percatado de todas las que hay en los anteriores. ¿Por qué la niña de Señales va dejando vasos de agua por toda la casa? Para poder matar con ella a los marcianos al final. ¿Porqué la prota de El Bosque es ciega? Para no poder ver todo el tinglado y mantener a salvo el secreto. En el otro lado de la balanza está el rollo político, que si era el espinazo de argumentos como los de El Protegido o El Bosque, aquí esta metido con calzador, con un personaje bastante hueco que interpreta el propio dire.

Podéis gustar o no de esta nueva película de Shyamalan, pero de momento no podéis negarme que este hombre ha nacido para hacer cine, y que le está dando vida al moribundo género de terror y fantasía en la actualidad. O a lo mejor ya se había muerto, y con todo y con eso M. Night consigue que lo veamos.

EL CINE CONTINÚA

2006-08-24T16:15:00.000+02:00

Esta peli llegó a mi vida de forma discreta, sin hacer mucho ruido y amablemente, como casi todas las cosas que llegan para quedarse. En la Seminci de hace ya casi dos años (cómo se escapa el tiempo) la estrenaron en "punto de encuentro", pero la dejé pasar y unos meses después los cines Verdi de Madrid me dieron mi segunda oportunidad. El título, el cartel y lo poco que las sinopsis decían de ella me llamaba la atención, y verla en versión original (con lo que me gusta el italiano) era un aliciente, así que por fin vi Dopo Mezzanotte, peli del debutante Davide Ferrario.
Es una historia de tres almas solitarias en Turín, una ciudad grande y fría pero con un corazón de terciopelo rojo, el Museo Nazionale del Cinema que se encuentra dentro del edificio más emblemático de la ciudad, la Mole Antonelliana. Precisamente, uno de los personajes es el tímido Martino, el vigilante nocturno del Museo, que una noche da cobijo en él a la fugitiva Amanda, a la que la policía busca por tomarse la justicia por su mano. Poco tardará Martino en enamorarse de ella, y un escenario como ese museo pone las cosas aún más fáciles a Cupido. La tercera pata de este banco es Angelo, un ladrón de coches de poca monta que ha de decidirse entre ser patrimonio de todas las mujeres de La Falchera, su barrio, o comprometerse con Amanda, con la que lleva unos meses saliendo y que últimamente no puede localizar... El cine y la vida, la realidad y la ficción se entrelazan en esta fábula no sobre el amor o los temas más típicos, sino sobre las historias en sí. El cuarto personaje (o el primero y más importante) es el narrador omnipresente que nos habla de las reglas de todo buen guión poniendo como ejemplo lo que acontece a los personajes, o hace disertaciones sobre la historia del cine aprovechando un evento de la peli como excusa.
Huelga decir que, cuando algunos meses despuésde verla, y ya bastante enamorado de esta peli, viajé a Turín, la visita tuvo un significado extra para mí (es un escenario perfecto para la peli y para el cine, en general), incluso una banda sonora. Ésto no lo digo figuradamente, porque en algunas partes de la ciudad y en el Museo del Cine en particular suena la música de Dopo Mezzanotte. Muy en el estilo del naciente "realismo mágico europeo" que encabezan Amélie y Good Bye Lenin!, la peli es (a parte de la aportación italiana al asunto) muy disfrutable, y más de una vez. Como apunte, me quedo con la frase que el padre de los hermanos Lumière pronuncia hace cien años cuando sus hijos le plantean comercializar su invento: "Para barracas de feria y poco más. El cine es un invento sin futuro." Qué clarividencia, madre.
Y con la que el narrador, cien años después, cierra la película: "Ahora dejamos a nuestros personajes desaparecer al final de ese camino, porque las películas pueden acabarse, pero el cine continúa."

CON VOSOTROS AL FIN DEL MUNDO

2006-08-14T22:47:00.000+02:00

Que una película bata récords de taquilla o distribuición no dice nada de su calidad. Que sea una segunda parte dice poco... y no muy bueno, por lo general. Y que sea la adaptación al cine de una atracción de Disneylandia es ciertamente desmoralizante. En esa situación se encontraba el estreno de esta semana en España y de este verano en el mundo, pero yo me moría de ganas de verla. Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto tiene un antecedente de lo más estimulante, que a su vez fue la peli del verano de 2003.

La Maldición de la Perla Negra nos sorprendió a todos por su estimulante frescura y nos dejó con la boca abierta ante la alta concentración de humor, acción, y buenos haceres técnicos. Y qué decir de las interpretaciones, destacando la revelación de la jovencísima Keira Knightley y, sobre todo, la genialidad de un Johnny Depp que sólo pudimos amar u odiar profundamente, o las dos cosas alternativamente, y que acabó nominado al Oscar. Antes de ésta, nadie confiaba en el género de corsarios, que a lo largo de los noventa se intentó resucitar con nulo éxito: recordemos el caso de La Isla de las Cabezas Cortadas, la segunda peli menos rentable de la historia. Y menos Disney, que no estaba para tirar el dinero con su imperio de animación tradicional desmoronándose, entre otras razones "gracias" a un bicharraco llamado Shrek. Ironías de la vida, Ted Elliott y Terry Rossio, los guionistas de Shrek, fueron los que escribieron un guión basado en el carrusel estrella de los parques Disney de América y Francia. Fue Jerry "me gustan las explosiones" Bruckheimer el que con su astucia vio todo el potencial del asunto y les encargó escribirlo, y con un manuscrito aceptable en la mano les ofreció un trato bastante jugoso a (quién si no) los estudios Disney...el resto, incluida la elección de uno de los directores de oficio más solventes de los últimos tiempos, es historia.

Con pocas modificaciones en las jefaturas de equipo, y cuando se vendió el último muñeco de Jack Sparrow, se decidió poner en marcha la secuela. Cuajó la idea de hacer dos películas (o una partida en dos) a la vez, con lo que se ahorran muchísimos gastos de producción y el peligro de ausencias importantes en la tercera parte. El Cofre del Hombre Muerto y En el Fin del Mundo se estrenarán con un año exacto de diferencia y, pese a que ambas tienen su estructura interna, la última se anuncia como más climática y apocalíptica, una batalla en los confines de la tierra (uséase, Asia, representada por el chino Chow Yun-Fat, el de Tigre y Dragón) por el control de los Siete Mares.

Pese a que El Cofre del Hombre Muerto es la primera mitad de esta historia, el nivel de la saga se mantiene. No es tan épica ni (endemismo de las secuelas) sorprendente como la anterior, pero en compensación es más cómica y Serie B. Lo de la historia es lo de menos, ya que como la primera parte es ésta una narración de viñetas. Estás demasiado ocupado en ver quién se lleva el siguiente mamporro como para darte cuenta, durante la proyección, de que estás en un viaje a ninguna parte. Tenemos ante nosotros una de esas segundas partes (mis favoritas) que se acuerdan mucho de la original, casi siempre para burlarse de ella, a lo Regreso al Futuro II o Gremlins 2. Del paralelismo (que se veía en la primera y se confirma en ésta) entre esta saga y la original de Star Wars no hablaré porque lo tenéis, exhaustivamente documentado, en la Cinemanía de este mes. Si en La Maldición... era el vértice superior de un triángulo protagónico, ahora Jack Sparrow asume el papel de estrella de la función que le hemos dado, entre otros, los fans. La primera secuencia no es más que un teaser de su persona, son todos los que ya conocemos hablando de él (o condenados a muerte por su culpa, como Elizabeth y Will) mientras nosotros nos morimos porque reaparezca en nuestras vidas tras tres años, y su presentación (cuervo muerto incluido) no puede ser mejor.

No os resumo la historia (escrita de nuevo por Elliott y Rossio) porque es complejísima en su vacuidad, pero tengo que mencionar al nuevo malo, esa mezcla de hombre con pulpo y centollo que (de momento) sustituye a Barbossa. Interpretado por el rockero ex-yonqui de Love Actually, Bill Nighy, Davy Jones es una criatura muy divertida y siniestra y que no me cansaba de mirar, y su ejército de gente pez no tiene desperdicio, gracias a los trucos de ILM (la empresa de efectos especiales de Luquitas). Gore Verbinski dirige con la eficiencia que le caracteriza tras tomarse un descanso haciendo la dramedia de "bajo" presupuesto El Hombre del Tiempo. Orlando Bloom sigue siendo un blandito que le gusta a muchas niñas, la Knightley gana protagonismo y Depp sigue estando genial, esperemos que la resolución del final de esta peli (al principio de la que viene, imagino) no traicione el espíritu de su personaje. Interminable galería de secundarios a la que se añade el sueco Stellan Skarsgard (Dogville), que no hace mucho. En lo que respecta a la música, se echa en falta oír más el tema principal de Hans Zimmer, que imagino se guardan para el colofón final.

No quiero acabar sin aclarar que cuando digo que esta peli es serie B sólo me refiero al espíritu (porque menudo presupuestazo), pero es campy hasta la extenuación, sobre todo en la parte de los caníbales (grandísima primera hora) y en la elección del monstruo que acecha toda la película y ataca al final. El Kraken no es un pulpo por casualidad, o eso quiero creer. En la peor película del peor director de todos los tiempos (La Novia del Monstruo, de Ed Wood, que es una puta obra maestra pese a lo que acabo de decir) un pulpo gigante acecha en un lago, y hay planos en ésta que tienen que ser un homenaje. Sólo con eso, y aunque la peli fuese mala (que para nada) me tendrían ganado... pero es que me lo pasé como un enano dos horas y media, y eso no pasa todos los días en una sala de cine. Sin que deje de pensar que las superproducciones (todas en general) deberían ser más cortitas, recomiendo encarecidamente a los indecisos El Cofre del Hombre Muerto, y su predecesora si aún no la habéis visto. Ahora, a esperar para coger las maletas y viajar al Fin del Mundo. No os olvidéis de la botella de ron.

...A VECES SON BUENAS

2006-08-04T16:49:00.000+02:00

¿Quién dijo que segundas partes nunca fueron buenas? En una serie de televisión que se precie, son imprescindibles, y a veces insuperables. Si hacemos un poco de memoria histórica (Friends, Sexo en Nueva York o Ally Mcbeal, por ejemplo) , recordaremos que en su segunda temporada las series se asientan, ganan bastantes medios -y calidad, por consiguiente-, y determinan si la serie vive o muere. Esto último lo hacen todas las temporadas, pero si una serie de una temporada es un fracaso, una de dos es algo incompleto. Tres es el número mínimo de temporadas de una serie de éxito, y su existencia depende de la segunda parte.

Saco todo esto a colación porque ya he visto completas las segundas temporadas de las series que fueron los bombazos-revelación de la temporada 2004-2005: Desperate Housewives y Lost (lo que viene a ser, Mujeres Desesperadas y Perdidos) y, con sus particularidades, siguen siendo dos de las mejores series de la parrilla y ambas se han ganado sus respectivas terceras temporadas, que comenzarán este otoño en ABC.

Comenzaré por Wisteria Lane, diciendo que el nivel de la serie ha bajado en la segunda temporada; ha perdido densidad, en momentos agudeza y esta segunda trama de misterio ni se puede comparar a la original. Pero si bien este misterio es un arco que engloba todas las demás subtramas, éstas no han perdido un ápice de su gracia, y algunos personajes que ya intuíamos geniales se han revelado minas de oro: el cetro de mando de la serie ha pasado de la insulsa-aunque-a-ratos-graciosa Susan (Teri Hatcher) a la gran Bree Van de Kamp (Marcia Cross). Aunque con todo lo que he dicho al comienzo, Desperate Housewives sigue siendo un prodigio de la pequeña pantalla y uno de los mejores títulos (nombres) de la historia del audiovisual. Con la historia de los Applewhite resuelta tras pasar varios capítulos abandonada y muchos giros inesperados en la season finale para traer misterios y personajes nuevos en la tercera temporada, esperamos que Wisteria Lane brille más en los impares que en los pares. La última incorporación (y el centro del misterio de la temporada que viene) es Kyle McLachlan, el actor fetiche de David Lynch, como Orson el dentista-con-¿amiga?-en-el-manicomio: esto no me sorprende mucho, ya que los sucesos de este barrio superan en ocasiones el surrealismo de Mulholland Drive.

La otra gran serie es Lost, y he de decir que en compensación, me ha gustado más la segunda que la primera temporada. Si el gran misterio de la primera era sólo un gran ¿qué?, ahora teníamos una escotilla recién abierta que conducía a dios sabía dónde. Te acabas acostumbrando, en una serie con tantísimos personajes (y subiendo) a que no se pudieran tocar todas las tramas en cada episodio. Creo que para eso me ayudó ver toda la temporada en sesiones maratonianas, en menos de una semana; es altamente adictiva. La escotilla nos ha quedado casi del todo claro qué es, pero muy en el estilo de J.J. Abrams la resolución de un enigma destapa diez nuevas preguntas. Es ésta una manera relativamente cómoda de escribir y alumbrar capítulos y más capítulos, pero Lost es una serie finita y en algún momento el sentido en que viaja la información tendrá que cambiar, y los guionistas las van a pasar putas para cerrar tantísimas historias como están abriendo. Alguien podrá decir que desde el principio el creador tenía pensado un final. Ya os digo yo que no, y que es un truco muy fácil colocar en las primeras temporadas cosas sin ningún sentido que se reciclan hacia el final en claves para resolver un misterio. Sea como sea, que lo resuelvan bien. En la tercera temporada "Los Otros" van a ser el misterio principal, y los flashbacks van a ser casi todos suyos. Nuestros queridos personajes, como comenta ya Damon Lindelof, van a alcanzar la barrera de días que se puede estar tranquilo sin follar.

Espero ambas tandas de capítulos como agua en mayo. ¿Legendadas em português? Pode ser.

24 (MESES)

2006-07-28T16:03:00.000+02:00

Dos añazos ya. Se dice pronto. Que conste que no me gusta escribir posts que no estén estrictamente relacionados con el mundo del audiovisual... pero de vez en cuando no está del todo mal darse un poco de autobombo, y qué mejor que cuando se cumplen años. A pocos días de mi aniversario de verdad, hoy hace un bienio (no quería acabar sin usar esa palabra, bienio, suena bien la jodía) que Puñaladas en 35 mm. comenzó a rodar. Y, sin ofreceros las cifras que os abrumarían, os diré que en este segundo año ha habido menos entradas registradas, pero más palabras. ¿Será que he madurado? ¿Será que prefiero habar más de una cosa y menos de muchas? ¿Será pereza para entrar y actualizar con regularidad? Una combinación de las dos últimas, seguramente.

Como estos posts son un rollo, tú y yo sabemos eso, voy a ir acabando no sin antes agradecer a todos los que se han pasado por aquí alguna vez: los que son fieles desde el principio (hay pocos pero se que hay), los que se han ido incorporando a lo largo de estos dos años (a punta de pistola por mi parte o más sutilmente), a los que llegaron por azares del google y decidieron quedarse y a los que no lo hicieron, pero encontraron esa información que buscaban o ese texto que plagiaron. Que también los hay. Hace ahora un año, cuando el contador registraba 28.000 visitas, se me jodió y no puse otro. Os daré el beneficio de la duda y me fiaré de que seguís entrando, pero no está de más si comentáis de vez en cuando, que se agradece. Muchísimas gracias a todos y permaneced en sintonía. Hay puÑaladas para rato, aunque el año que viene no tenga eñe en el ordenador.

Un presente para todos vosotros. Adivinad quiénes vuelven al cine, formato animación digital. Aquí.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XXIII)

2006-07-27T23:59:00.000+02:00

Barbossa: Por largo tiempo la sed me ha secado y he sido incapaz de saciarla. Largo tiempo he pasado hambre sin llegar a morir por ello. No siento nada. Ni el viento en mi cara, ni la brisa del mar. Ni el calor de la carne de una mujer.
(caminando llega a la zona iluminada por la luna, convirtiéndose en un esqueleto)
Debería empezar a creer en las historias de fantasmas, Señorita Turner. Está usted en una.

Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra (2003)

Escrita por Ted Elliott y Terry Rossio- Dirigida por Gore Verbinski

MÁS CINE AL FRESCO

2006-07-22T20:24:00.000+02:00

Mientras se acerca inexpugnable el segundo aniversario de este blog, me veo en situación de escribir la secuela (con un título tan cutre como el de algunas secuelas cinematográficas reales) de un post que escribí ahora hace un año. Y es que se que hay varios lectores/despistados de los que se dejan caer por aquí de vez en cuando que viven en Valladolid, y este año, por vigésimo quinta vez consecutiva, tenemos cine al aire libre en San Benito. En el patio de la hospedería, para ser más exactos, los jueves, viernes y sábados de agosto a las 22.30.
Son mil butacas (este año mejores que los anteriores, que lo se de buena tinta) pero en casi todas las proyecciones se llenan, por lo que se recomienda ir un poco antes. Las cosas gratis es lo que tienen. Este año, como en Pucela no meamos con la muerte de Colón, se ha decidido que el programa sólo incluya cine español e iberoamericano. Pero bueno, la selección parece cuidada e interesante, para poder ver cosas que en Valladolid han durado muy poco en cartel...o no se han estrenado, principal objetivo de estos ciclos. Inaugurará Almodóvar con "Volver" de lo que me enteré el otro día cuando ví una Pe gigante ondeando sobre la fachada del monasterio de San Benito.
Os dejo el programa copypasteado y el cartel:

Jueves, 3 de Agosto. 22:30. VOLVER. Pedro ALMODÓVAR. España, 2006. 110 min.

Viernes, 4 de Agosto. 22:30. ILUMINADOS POR EL FUEGO. Tristán BAUER. Argentina, 2005. 103 min.

Sábado, 5 de Agosto. 22:30. CIUDAD DE DIOS. Fernando MEIRELLES. Brasil, 2002. 135 min. VOSE.

Jueves, 10 de Agosto. 22:30. TRECE ENTRE MIL. Iñaki ARTETA. España, 2005. 90 min.

Sábado, 12 de Agosto. 22:30. CAMARÓN. Jaime CHÁVARRI. España, 2005. 105 min.

Jueves, 17 de Agosto. 22:30. LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS. Isabel COIXET. España, 2005. 122 min. VOSE.

Viernes, 18 de Agosto. 22:30. EL MÉTODO. Marcelo PIÑEYRO. España, Argentina e Italia, 2005. 120 min.

Sábado, 19 de Agosto. 22:30. SALVADOR ALLENDE. Patricio GUZMÁN. Chile, Francia, Bélgica, Alemania, España y México, 2004. 100 min.

Jueves, 24 de Agosto. 22:30. HABANA BLUES. Benito ZAMBRANO. España, Cuba y Francia, 2005. 115 min.

Viernes, 25 de Agosto. 22:30. ASALTAR LOS CIELOS. José L. LÓPEZ-LINARES y J. RIOYO. España, México, 1996. 89 min.

Sábado, 26 de Agosto. 22:30. TIEMPO DE VALIENTES. Damián Szifron. Argentina, 2005. 112 min.

ULTIMATE SUMMER PREVIEW (2/2)

2006-07-11T17:35:00.000+02:00

Otro que vuelve, en agosto, y de los que nunca sabes muy bien por dónde te va a salir es M. Night Shyamalan. El macabro indoamericano nos trae al fin una historia amable (eso parece, al menos) llamada Lady in the Water. Una de esas historias que se le cuentan a un niño cuando se va a dormir, reza la publicidad de la peli. Siendo este señor el creador de uno de los niños más malrrollistas del cine contemporáneo, tampoco me voy a fiar mucho de sus tácticas pedagógicas. Paul Giamatti interpreta a un empleado de mantenimiento de un bloque de apartamentos que descubre en la piscina una ninfa de cuento de hadas, interpretada por Bryce Dallas. Ya se sabe algo más del argumento, que no voy a destripar por una vez, pero ese planteamiento que hace chocar lo cotidiano con lo fantástico, en manos de este pedazo de cineasta, la verdad es que promete bastante.

En septiembre, conmemorando el quinto aniversario de los atentados en EEUU (qué pereza), llegará a nuestras pantallas United 93, el drama que Paul Greengrass ha situado en el interior del único avión secuestrado que no alcanzó el destino que los terroristas pretendían darle. El prestigioso guionista-director (Bloody Sunday) recupera el temática histórica tras su respiro con El Mito de Bourne y ya está cosechando gran éxito de crítica y público allende los mares. Tendremos también World Trade Center, de Oliver Stone, pero los tráilers, al contrario que los de la anterior, no dicen nada bueno de ella.

Mel Gibson sigue empeñado en ser genial e independiente -al tiempo que en hacer mucha pasta- y en agosto estrena en América su Apocalypto, el proyecto más misterioso de los últimos años: sólo se sabe que se desarrolla hace 600 años, no hay actores conocidos, y está íntegramente rodada en lengua maya (sic).
Casi paso de largo el hecho de que Pixar tiene una nueva película ya en cartel, y esto siempre es un acontecimiento. A la espera de verla y ofreceros una buena disección, se sabe que Cars es el retorno del todopoderoso John Lasseter a la dirección, una película larguísima (116 minutos son muuuchos planos animados) que nos cuenta la historia de un coche buscavidas (Rayo McQueen, y el apellido no es casual) que se encuentra consigo mismo cuando acaba en pueblo abandonado de la Ruta 66. La crítica dice de ella que es una de las más flojas de Pixar y que sobra un poco de moralina, pero que aun así está muy por encima de la media de la animación actual. Me lo creo, porque está muy baja esa media.

El cine español sabemos que se lo guarda todo para otoño, pero la freelance María Ripoll, a la que sigo desde Lluvia en los Zapatos pese a sus altibajos (sobre todo bajos), parece que nos puede devolver la fe en ella con Tu Vida en 65 Minutos, que se estrena este verano. Tres amigos, entre los que el más protagónico será Javier Pereira, leen en el periódico la esquela de un compañero de colegio al que perdieron la pista hace años. Como dice la realizadora, cualquier vida se puede resumir en 65 minutos: de dolor, de felicidad, de pasión. La película, sin embargo, dura 90.

Una de las comedias más esperadas del año (que no se muy bien cuándo va a llegar a España) es El Diablo se viste de Prada, en la que Meryl Streep interpreta a una de las más importantes editoras de Manhattan, el personaje al que se refiere el título, que contrata como asistente personal a la joven e inocente Anne Hathaway. Dicen por ahí que es una risa, y el cartel y el tráiler lo confirman.

Y para acabar, aunque no se si es el lugar más indicado para esta película, he dejado Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto. Una de las secuelas más esperadas de los últimos tiempos y que, a lo Regreso al Futuro o Matrix, se ha rodado conjuntamente con la tercera entrega, para ahorrar en producción. Se estrenó allí el viernes y ha sido la peli más taquillera de este finde en América, y la crítica no se ha hecho esperar. El público le da una nota alta en IMDb, pero los profesionales (no tenéis más que entrar en RottenTomatoes) la están masacrando. Lo cierto es que las promociones la vendían muy bien, enseñando una mezcla entre Monkey Island y un creature film cualquiera, con Bill Nighy convertido en una especie de hombre-calamar. Pero, como dejó claro la primera, tienes que tener un guión muy sólido detrás para aguantar 150 minutazos de pulpos gigantes, los morritos de Keira y Depp en un papel entre genial y cansino. Yo la voy a ir a ver, ya puede venir Mirito Torreiro a jurarme que es una pérdida de tiempo y dinero, y estaré aquí para contarlo.

Feliz verano.

BACK IN BLACK

2006-07-08T17:31:00.000+02:00

El Hombre Araña Tres. No necesita muchas más presentaciones. Se acerca el estreno de la tercera entrega de la saga comiquera de Sam Raimi, y aunque me disgustó bastante la segunda (demasiado humor que no venía a cuento, desparrame narrativo), se que Mr. Raimi sabe muy bien lo que se hace, y que es un geniecillo freak... en esta tercera parte que se aproxima puede recuperar el pulso y comedimiento espectacular de la primera o desbarrar aún más que en la segunda, pero yo le doy el beneficio de la duda. Adelantándose bastante al estreno mundial, el 4 de mayo del año que viene, han lanzado el primer teaser, y yo estoy bastante teased, la verdad.
Aunque del minuto y medio que dura el anuncio la mitad es una animación+letras de las que tanto se llevan en los grandes estudios ahora, el resto nos enseña bastantes cosas, con unos efectos que (si bien son provisionales) están a la altura de las anteriores, y con una música acojonante de Danny Elfman (como siempre). Lo más remarcable, las incorporaciones de Tomas Haden Church (Entrecopas) como Sandman, Bryce Dallas (Manderlay) como Gwen Stacy y Topher Grace (Aquellos Maravillosos 70) como Eddie Brock/Venom. Miedo. Porque al señorito Grace lo vemos en el tráiler, pero me da que a Venom, si es que no se lo guardan para la cuarta, no lo vamos a ver hasta poco antes del estreno de la peli... También vemos a Kirsten Dunst y James Franco un poquitín, éste se va a transformar en el segundo Duende Verde siguiendo los pasos de su difunto padre. Y sí, Spidey ahora va de negro.

El tráiler de marras, aquí.

ULTIMATE SUMMER PREVIEW (1/2)

2006-07-05T18:05:00.000+02:00

El título de la entrada suena un poco a flipada, y lo cierto es que lo es. Porque no soy Empire, Première, ni siquiera Fotogramas, y no me voy a dedicar a listar todas las películas que se esperan para este verano porque me eternizaría y, sobre todo, porque gran parte me importan un bledo. Simplemente repasaré algunos títulos que se estrenan de aquí a octubre y tengo muchas ganas de ver: sirva esto de paso como invitación para que os acerquéis a las salas como método para huir del calor, y como explicación-justificación de por qué este verano me parece que va a levantar el nivel de las producciones que los grandes estudios se suelen guardar para el estío.

Empezamos con Superman Returns, que se estrena en una semana en España, con uno de los carteles más feos que se recuerdan en películas de superhéroes. Con lo que molaba el americano... Spain is different. Nunca me ha atraído la figura de este superhéroe de colorines y que es el único que es super- de nacimiento: con lo divertidas que son las arañas radiactivas o los murciélagos traumatizantes... Pero el caso es que detrás de las cámaras está Bryan Singer, autor de dos de las mejores pelis de cómics que recuerdo, las primeras de X-Men. Dejó la saga mutante para realizar esta nueva entrega de las aventuras del de Kripton, porque al contrario de la resurrección de la saga Batman el año pasado, aquí no nos vuelven a contar todo desde el principio: la peli empieza cuando Superman vuelve a la tierra tras un largo retiro en su planeta natal y descubre, entre otras cosas, que Lois Lane se ha casado... De los superpoderes del actor protagonista, Brandon Routh, creo que ya no hace falta ni hablar.

Vuelve uno de mis directores de cabecera, y además por partida doble: el caso es que si en EEUU las dos películas a las que me voy a referir se acaban de estrenar, no se cuánto tendremos que esperar por estas tierras para verlas legalmente... Richard Linklater nos trae A Scanner Darkly, un experimento visual (que no lo es tanto porque ya lo usó en la ¿filosófica? Waking Life) en el que convierte actores reales en dibujos animados para contarnos la historia -original de Philip K. Dick- de unos policías y unos ladrones que, en un futuro no muy lejano, experimentan con drogas de ultimísimo diseño: Keanu Reeves, Winona Ryder, Robert Downey Jr. et al.

La otra sorpresa que se guarda Linklater, y con la que apareció en el pasado festival de Cannes, es una peli-denuncia sobre el tema que ya tratase Super Size Me, Fast Food Nation. Lo cierto es que esta adaptación de un bestseller es muy diferente de aquel documental amarillista, y que la comida basura es sólo una de las cosas que este señor critica de su país, abarcando temas como el tratamiento de la inmigración latina. Para ello, se rodea actores como Catalina Sandino Moreno (la revelación colombiana del año pasado), Patricia Arquette o su habitual Ethan Hawke.

Snakes on a Plane: ¿alguién necesita algo más que este título, pura poesía? Una peli confesa de serie B, cuyo argumento...en fin, un terrorista (o algo así) que suelta serpientes venenosas en un avión, tampoco hay que darle muchas vueltas: bueno, sí. El pasaje del avión lo forman un rapero, un chino practicante del kung-fu, una rubia tonta que interpreta Elsa Pataky... Protagoniza Samuel L. Jackson y un gran contingente de serpientes de goma. La productora quería cambiar el título a la peli, para hacerla más comercial, pero el director luchó por el original, que define las intenciones -y la posible calidad- de la peli muy bien. Dice el perpetrador, David R. Ellis: "Es terror en estado puro: combinamos los dos miedos más terribles de la gente: serpientes y aviones". Qué genial.

Como ya he desparramado hasta terrenos insalvables, acabaré esta primera entrega recomendando Nacho Libre, segunda peli del frikazo Jared Hess, que nos ofreciese hace unos años Napoleon Dinamyte. En este caso, Jack Black interpreta a un monje que empieza a practicar la lucha libre mexicana para poder ayudar a los niños de un orfanato y que, de paso, se ganará el amor de una monja. Niveles de surrealismo muy altos los que se esperan de esta comedia que está haciendo muy buena taquilla en EEUU, sobre todo para lo poco que ha costado.
En breve estoy de vuelta para acabar con carreras de coches, piratas, importantes firmas de moda y alguna que otra referencia al cine extraamericano, que ya me vale.

CARAMELO DURO (Y EN BARRA)

2006-06-15T12:30:00.000+02:00

Cuando llevas mes y medio sin publicar una crítica te das cuenta de que se te ha acumulado el trabajo; en mi caso, esa sensación se combina con otra de extraña seguridad sobre la película que quiero comentar. No se si será por reciente, por impactante, por polémica o, simplemente, por buena, pero el caso es que esto se inaugura con una crítica (espero que completamente libre de spoilers) de Hard Candy. Una conversación por chat: un adulto y una niña de 14 años, que parece que tiene más por su forma de hablar/actuar, que quedan en una cafetería. Un café más cargado de tensión sexual que toda la filmografía de Larry Clark. Y un viaje en coche hacia la casa de él. Hasta aquí puedo leer.
La historia del director ya la hemos visto más veces: David Slade era un triunfador en el mundo del videoclip pero el artistilla gafapastero que llevaba dentro le dijo que eso no era suficiente y se decidió a buscar financiación para su primer largometraje, que acabaría por ser esta joyita. Una analogía con Cómo Ser John Malkovich y Spike Jonze o Human Nature y Michael Gondry.
La historia le da una vuelta de tuerca al cuento de Caperucita Roja -esto no es que lo haya descubierto yo, no hay más que mirar el cartel- y a los quince minutos de película nos van a dejar de engañar para plantearnos las cosas tal como son: sin revelar nada del argumento, diré que los tres cuartos de hora finales (mucha película, casi toda) son de una violencia y una tensión extremas. Yo al menos, me revolví en el asiento, llegué a apartar la mirada y perdí unos tres kilos en sudores fríos. Y el mérito del guión (de Brian Nelson) y la dirección es que no se ve nada. No hay imágenes desagradables ni ultrasangrientas, sino que todo está en el ambiente, en la perturbada mente de los protagonistas y en la turbada mente del espectador. En vez de optar por el estilo de violencia Tarantino -que a los americanos ya ni fu ni fa-, el dire ha sido listo y ha optado por el europeo estilo Haneke. Lo cierto es que los tíos lo pasamos peor que ellas viendo esta peli: no sólo por aspectos fisiológicos, que también. He hablado de la película con muchos chicos y con alguna chica (con mi hermana por ejemplo, con quien la vi en cine) y hay una concepción moral muy distinta de lo que está pasando durante la película dependiendo en el bando en el que te sitúes. Y más de lo que pasa en última instancia.

Esto me lleva a la principal polémica que ha surgido con la película: se critica que haya una ideología ultraconservadora (fascista se han atrevido a decir algunos) detrás de esta historia. Quizá si se ve como una fábula moralizante -y la forma a veces puede llevar a ello- es cierto que el mensaje no sería muy constructivo, pero no es esta una peli para niños. Hay que mirar más allá, e intentar desenredar esta retorcida historia, para ver que no hay más "mensaje" (si hay alguno) que el de "mira con quién te juntas". Nos lo llevan diciendo nuestras madres toda la vida y nadie las acusa de nacionalsocialistas. Lo demás es entretenimiento masoquista puro y duro: efectismo del bueno por encima de todo. Todo aspecto visual de Hard Candy está diseñado para impresionar, desde el minimalismo inocente de los títulos de crédito, pasando por la foto hasta la dirección de arte, sobre todo en lo que se refiere a la casa y a las fotos de la discordia que cuelgan en las paredes.
Para terminar, el aspecto más manido en las críticas de esta peli, y con toda la razón del mundo. Last but not least llegamos a los actores, esos dos geniecillos que salen ahora de la lámpara. Patrick Wilson salió en muchas series (incluso en Angels in America) y protagonizó el infumable Fantasma de la Ópera de Joel Schumacher, pero es posible que para el año que viene lo veamos rondando algún Independent Spirit o un Globo gracias a esto. A la que tienen la obligación moral de galardonar es a Ellen Page, que hace de la peli la genialidad que es. A sus diecinueve primaveras se revela doblemente: como buena actriz en esta peli, y como actriz lista en la tercera de los X-Men, haciendo de esa niña que atraviesa paredes y es novia de Coloso. Larga vida a estos dos actores, larga filmografía a Mr. Slade y, sobre todo, que la espera a que esta peli salga en DVD sea lo más corta posible...

YA LLEGA...

2006-06-13T17:27:00.000+02:00

...YA ESTÁ AQUÍ.

Todo está preparado (incluso yo) para que esto empiece a funcionar de nuevo. Muchas pelis que comentar, muchos finales que destripar, muchos traumas que ocultar. Adelántandome un poco a la llegada del verano, comenzará la nueva -y ya tercera- temporada de este cajón de sastre en que se ha convertido éste (mi), vuestro blog de cine Puñaladas en 35 mm.

Jueves 15 de Junio.

LA DOBLE VIDA DE MARTA

2006-05-03T14:32:00.000+02:00

Hiladas o no, el caso es que iba a hablar aquí de dos películas españolas recientes que me han gustado bastante, cada cual a su manera. Al final decidí unirlas vía actriz: una de las pocas cosas que tienen en común AzulOscuroCasiNegro y Remake es que Marta Etura sale en las dos. No es que sea poco (esta chica ya es mi "jovenpromesadelcineespañol" favorita), pero son como el día y la noche. Pero bueno, me ahorro un post, y a vosotros también. Matemos dos pájaros de un tiro.
Otro punto en común es que las dos pelis son "óperas primas", o casi.

AzulOscuroCasiNegro es el primer largo de Daniel Sánchez Arévalo, que ya despuntaba desde hace unos años en el panorama español de jóvenes autores con cortometrajes como Profilaxis, La Culpa del Alpinista o Física II. Este último es el que da inicio a esta nueva película, ya que donde acababa aquel comienza ésta. Eso sí, enseguida tenemos una elipsis de 7 años y nos encontramos al protagonista muy lejos del instituto, trabajando como portero en el edificio donde lo hacía su padre, que ahora está inválido y del que cuida día y noche. Pero algunos atisbos de cambio en su vida van a iluminar una esperanza de que todo gire hacia otra dirección, ya sea a mejor o a peor. Entre un reparto amplio, bueno y encabezado por el ligeramente monolítico Quim Gutiérrez (haciendo el papel que en Física II era de Jorge Monje), destaco -que para eso la entrada va dedicada a ella- a Marta Etura, que interpreta a una presidiaria que quiere mejorar sus condiciones en la cárcel de manera poco ortodoxa, y sin saber que el amor puede interponerse en sus planes. Una mujer ruda pero cándida, que como el resto de los personajes de esta película triunfa al empatizar con el público. Es AzulOscuro... un guión sencillo, una narración clásica pero con un tono que es todo un acierto: ni la pesadez fantasiosa de Fernando León ni el ultrarrealismo social de Achero Mañas. El humor, el amor, el dramón y los pequeños dramas de cada uno conviven en una armonía que vaticina futuro a este chico en el cine español. Esperemos que no se emputezca mucho con encargos o contándonos la misma historia mil veces, cosa que por estos lares ya no me extrañaría nada.

Remake es una cosa bastante más experimental. No es que el tema o la narración sean novedosas (que a veces sí, o eso me pareció), pero es la primera película de alguien criado por la generación...de mis padres, digamos, que habla de ellos y de su relación con nosotros. O con el director, Roger Gual. O con los protas más jóvenes: Martita (la más out de la historia, como en AzulOscuro), Gustavo Salmerón, Juan Navarro y Alex Brendemühl. El joven realizador, que debuta en solitario tras dirigir con Julio Wallovits la aclamadísima Smoking Room, también se rodea de un buen puñado de actores maduros para dar vida a los padres: Juan Diego, Silvia Munt, Mercedes Morán, Eusebio Poncela y Mario Paolucci. Todos se deciden a pasar un fin de semana en la casa de campo donde vivieron unos años -cuando los jóvenes eran niños- en una suerte de comuna. Pero todos han cambiado mucho ahí fuera, lo que demuestra que esa conviencia al margen del mundo fue un fracaso...o no, porque repetirla durante unas horas se está convirtiendo en un exorcismo de sus fantasmas más profundos. Con unos diálogos como hacía tiempo que no oía en una peli española, Remake (que está mas cerca del ensayo que de la prosa) expone el sentir de una generación hacia la anterior con total claridad, e intenta que la otra tenga capacidad de réplica, pese a que él nos sitúe con los jóvenes desde el principio. A lo mejor fui yo el que se situó ahí, pero no sería muy extraño que esa sea la intención teniendo en cuenta la edad del responsable de la peli. Pero que no piensen los mayores de cuarenta que no hay para ellos aquí. Ya lo reza el lema de la peli: "La primera mitad de la vida nos la estropean los padres. La segunda, los hijos." Daos prisa si queréis verla, ya que aunque se estrenó hace diez días ya está en muy pocas salas, y es que Remake, en forma y fondo, estaba destinada a ser un fracaso. Yo os la recomiendo ávidamente, y digo (como pocas veces hago) que es ésta una peli de lo más "interesante".

ANARCHY IN THE UK

2006-04-22T20:12:00.000+02:00

Hay opiniones para todos los gustos sobre V de Vendetta, el último producto de los hermanos Wachowski, en esta ocasión no dirigido por ellos si no por el ayudante de dirección de su saga Matrix, James McTeigue. Pero, a fin de cuentas, lleva el sello Wachowski, ya que está escrita por ellos; y, como la citada saga, hace un totum revolutum de referentes culturales del ya difunto Siglo XX para hablarnos un poco de cómo podría ser el XXI, de aquí en unos años. El principal sustento es la novela gráfica que adapta, del aclamado Alan Moore (La Liga de los Hombres Extraordinarios, Desde el Infierno). Si habéis leído este cómic, por una cuestión estadística, casi seguro que la película no os gusta: eso como poco, quizá os entre una rabia terrible y ganas de asesinar a sus creadores. Yo fui a verla sin el prejuicio que supone conocer el material que se adapta (qué bien oriento mi incultura comiquera), y lo cierto es que la peli no me ha decepcionado nada. Me ha gustado mucho, y lamento que no esté siendo en España el éxito que en otros países, porque –si bien tiene algún defectillo en su hacer- es un soplo de aire fresco para todos, en forma y fondo.

Pero los referentes no se quedan en el trabajo de Moore y Lloyd (el dibujante del original), sino que en V de Vendetta hay cine, literatura y música que en mayor o menor medida podemos jugar a reconocer, y sobre todo, a descubrir qué nos quieren decir con ello: reciclaje cultural en estado puro. Y también, al más puro estilo Almodóvar, tenemos televisión creada para la película, que oscila pendularmente entre lo desternillante y lo terrorífico. La comparación con el manchego, aunque lo parezca, no es tan peregrina. Y dejando a un lado las maneras, tenemos la historia de Evey y V, una especie de Dama y Vagabundo, de Bonnie y Clyde, de Bella y Bestia...o de León (el profesional) y el papel de la propia Natalie Portman con once añitos. V es un revolucionario en el sentido antiguo (y bueno) de la palabra... un terrorista, sí. Un sabio loco que pretende llevar a cabo una venganza personal y una decapitación del poder a la vez. Lleva la máscara de Guy Fawkes (que intentó volar las Casas del Parlamento en 1605), tiene una voz misteriosa e hipnótica, y para presentarse sólo usa vocablos que lleven uve. Detrás de la máscara se encuentra Hugo Weaving (el agente Smith de Matrix, Elrond en ESDLA), por lo que recomiendo encarecidamente la versión original de la peli si queréis disfrutar de su interpretación. Evey es una joven a la que la lucha revolucionaria le quitó todo lo que tenía, y que ahora intenta vivir sin llamar la atención y cumpliendo hasta el toque de queda. Es Natalie Portman, nada más que decir sobre la intérprete. Hasta que V le enseña (con sus poco ortodoxos métodos) que no se puede vivir al margen de abusos de poder como los que se llevan a cabo en esta Inglaterra totalitaria, mayor potencia del mundo en el momento en que se desarrolla la acción.

Y pasando por las formas y el argumento, llegamos al tema, al quid de la película. ¿Es la violencia un método lícito para luchar contra el poder dictatorial? ¿De verdad es viable la ausencia de poder político en una sociedad? Si lo enuncio en forma de pregunta es para no contar mucho y dejar que la peli os hable por sí misma, porque las opiniones de los autores sobre estos y otros temas quedan bastante claras. Y es bueno, estemos o no de acuerdo con sus tesis, ver que un film mainstream no es híper-mojigato ni se atiene a los principios ideológicos generales reinantes en Hollywood. Aun así, el mercado es el mercado y el estreno original de la película (el 5 de noviembre, por una fecha muy especial de la historia) tuvo que ser pospuesto por el paralelismo con los atentados reales en el metro de Londres en verano. Con una estética a veces teatral, a veces punk, muy inglesa siempre, V de Vendetta no es una obra maestra, ni falta que le hace. Nos dice a la cara lo que nos quiere decir, nos regala un par de momentos de quedarse con la boca abierta y punto. Recordad, niños, que Inglaterra Prevalece.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XXII)

2006-04-12T14:04:00.000+02:00

Buscapé: Lo que debería haber sido una rápida revancha se convirtió en una guerra en toda regla. La Ciudad de Dios estaba dividida. No podías ir de un sector a otro, ni siquiera para visitar a un pariente. La policía consideraba a cualquier habitante de la favela un delincuente. La gente se acostumbró a vivir en Vietnam, y más y más voluntarios se ofrecieron a morir.

Ciudad de Dios (2002)
Escrita por Bráulio Mantovani - Dirigida por Fernando Meirelles

EL SHOW DE TRUMAN

2006-04-10T15:38:00.000+02:00

Es reconfortante, por una vez, ver una peli biográfica que no se dedica a cantar las bondades del personaje retratado. O por lo menos, no sólo. En Capote (me niego a añadirle el Truman que en la versión española el título ha recibido) el director debutante Bennett Miller lleva a la gran pantalla el guión del debutante Dan Futterman. Este guión a su vez adapta la primera novela de Gerald Clarke...demasiados inexpertos ¿verdad? Pues no lo parece. Es una película hecha con una profesionalidad pasmosa, y con una profundidad y una temática que denotan bastante madurez en los creadores. El único que no era nuevo en este sarao de cabezas pensantes, el actor protagonista Philip Seymour Hoffman, es a su vez el que -merecidamente- está probando las mieles del éxito con esta composición que hace del escritor. No se limita a mimetizarse (o disfrazarse, directamente, como hacen algunos intérpretes) si no que recrea al personaje con una cantidad de matices y una complejidad que hace que justo después de admirarle y querer leer todos sus libros el hombre te de bastante grima, y vuelta a empezar.

Capote narra el segmento de la vida del literato que circunda a la creación de la que hoy se considera su obra capital: A Sangre Fría. Empieza con los crímenes reales que fundamentan la narración, pero éstos no son tan importantes en la peli como pudiera parecer. Desde ese momento, seguimos a un autor (que al principio de la peli disfruta de un frívolo éxito llamado Desayuno en Tiffany's) que se interesa por el crimen, por sus perpetradores, por todas las circunstancias que lo rodeaban. Y vamos descubriendo a un ser humano, de un narcisismo sociópata, al que en realidad sólo le interesa él mismo, la grandiosidad a la que le conducirá su novela de no-ficción. Para ello desarrolla una amistad muy cercana con uno de los dos asesinos, Perry Smith, y aquí es donde está el quid de la cuestión ¿fueron amigos realmente Perry y Truman o Capote sólo le utilizó hasta que tuvo la información que necesitaba? Nada más ver la película, la respuesta parece evidente. Y es que se sale de el cine con rabia, asqueado por cómo una mente tan elevada puede ir de la mano de una personalidad tan mezquina. No podré olvidar lo que Truman le dice a su amiga Harper Lee por teléfono, comenzando a escribir su novela: "A veces pienso en lo bueno que va a ser mi libro y me falta el aire". Capote tiene un don para la comunicación, interpersonal y por medio de sus libros, pero en esta parte de su vida lo ha instrumentalizado tanto que consigues verlo más cruel que a los dos asesinos protagonistas de su novela.

Seymour Hoffman lleva el relato sobre sus hombros, pero hay una galería de secundarios que lo hacen más redondo aún, sobre todo Catherine Keener (la escritora-asistente personal Harper Lee), Chris Cooper (el jefe de policía Dewey) y Bruce Greenwood (el escritor y pareja sufrida de Capote Jack Dunphy, siempre a su sombra). Sin olvidar al mestizo Clifton Collins, que interpreta al asesino medio-indio Perry Smith. Es Capote para muchos una pequeña película, pero quizá sea esa su virtud: se centra en una narración muy concreta y unos personajes perfectamente definidos. Y gracias a eso, a la contra que la mayoría del cine independiente actual, no desparrama nada, lo que es de agradecer. Su discurso sobre la creación artística, y sobre todo, sobre la moralidad (o la falta de ella) queda archivado en mi bloc de "pelis con mensaje".

REGRESO A WISTERIA LANE

2006-03-26T11:55:00.000+02:00

Desde el jueves pasado se emite en la primera la segunda temporada de Mujeres Desesperadas. La cita es a las 22.00 (antes que la española Con dos Tacones, que a ver cuánto dura). Casi no me creo las condiciones privilegiadas con que han decidido programar la creación de Marc Cherry, visto como tratan a series americanas como Urgencias o A dos metros bajo tierra en televisión española, a las que si no mandan al renegror de las 3 de la madrugada queman en muy poco tiempo emitiendo burradas como de tres capítulos seguidos y cosas así.
El caso es que retomamos la historia en Next, capítulo que comenzaba esta segunda tanda donde la anterior lo dejaba: Bree lo preparaba todo para el funeral de Rex tras esperar a las 9 -en punto, es Bree- para comunicarles a sus amigas que ahora es una viuda, mientras su suegra se lo ponía difícil, dejando claro que los peores años del difunto fueron los de su matrimonio. Gabrielle no permite a John entrar en casa e intenta demostrar a Carlos que es el padre de su hijo, algo de lo que ni siquiera ella está segura. Lynette trata de ayudar a Tom con los hijos y encontrar un trabajo al mismo tiempo, y Susan, tras el incidente con Zach, descubre por fin (es cortita la pobre) quien es el padre de éste. Por lo demás todo sigue muy parecido en Wisteria Lane, con sus historias de trapos sucios y su microuniverso de secundarios, como la vieja alcohólica de este capítulo. Mary Alice sigue narrando la historia y viendo lo que pasa dentro de todas las casas, ya que aunque ahora no tiene mucho sentido pues poco a poco la trama de su suicidio (cuyo misterio ya está resuelto) irá desapareciendo del todo, su voz -Brenda Strong en la versión original- se ha convertido en seña de identidad de la serie.
Y tenemos la historia de los Applewhite, esos nuevos vecinos que esconden algo (alguien) en su sótano. Como trama de misterio que vertebrará la segunda temporada no podía estar metida más con calzador, pero aun así esperemos que se vaya desarrollando porque los guionistas de esta producción son lo bastante listos como para conseguir que en un par de partidas de cartas de las chicas nos vaya la vida en saber qué coño traman esta madre y su hijo -o lo que quiera que sean. Una serie de esas que da gusto ver (en este caso no es de la HBO, pero lo parece) ya no sólo porque esté escrita, realizada e interpretada (Marcia Cross es mi debilidad) entre notable y sobresaliente. También porque es un cruce de géneros entre la soap opera y la intriga, pasando por muchas estaciones, que convierte una hora a la semana en un rato en el que dejar nuestros ¿aburridos? barrios y darnos un garbeo por Wisteria Lane, donde todo el mundo esconde algo. Vale, como en la vida real, pero aquí sabemos qué esconde cada cual.

RAIMUNDA DE LA MANCHA

2006-03-18T13:55:00.000+01:00

Con la cantidad de cosas que estoy pasando por alto en el blog últimamente, no quería dejar escapar el acontecimiento del año en lo que a la cinematografía nacional se refiere. Y es que un estreno de Almodóvar, a día de hoy, es un fenómeno que muchos aprovechan para recordarnos la poca gracia que les hace el director, otros tantos para cantar por enésima vez sus bondades y la mayoría esperábamos para dejar que una vez más el "ingenioso hidalgo" de La Mancha nos volviera a sorprender. Porque puedes amar el cine de Pedro Almodóvar o detestarlo, o las dos cosas a la vez, pero por lo menos sabes que te va a sorprender, y que su nueva historia no se va a parecer a las anteriores, cosa que en el cine español cada vez se puede decir de menos autores.
Se había hablado mucho de Volver antes de su estreno, si bien esta vez sin polémicas. Porque el decimosexto largometraje de Almodóvar marcaba muchos hitos en su carrera, y como su título indicaba, muchas "vueltas": el reencuentro del director con Carmen Maura, posiblemente la mejor actriz con que haya trabajado nunca y sin la que no hubiese sacado adelante sus primeras películas y algunas de las mejores (mi favorita, de lejos, ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, y Mujeres al borde de un ataque de nervios). El reencuentro de Penélope Cruz con el cine español, tras cinco años fuera haciendo películas que habrán engrosado su cuenta corriente, pero de calidad discutible. Es Pe una chica lista y ha sabido reentrar por la puerta grande, demostrando que es una actriz como la copa de un pino y sobre todo que maneja perfectamente las riendas de su carrera. Y, cómo no, el comentadísimo retorno de Pedro a La Mancha que le vio nacer, y a las mujeres entre las que se crió. Dice él que es su película más personal, y me lo creo porque nunca había visto llorar a este cineasta hasta sus más recientes entrevistas, en las que enlazando Volver con su tierra, con su madre que él dice haber sentido cerca todo el rodaje y con sus primeros años de vida y todo lo que en él se imprimió de la cultura manchega, ha acabado al más puro estilo Magdalena.

Si La Mala Educación recordaba la infancia -entre otras cosas-, a los primeros años de vida en los que todo es un descubrimiento, Volver hace una gran elipsis para enfrentarnos (en el sentido más amable de la palabra, ponernos cara a cara) con el final. Con la muerte. Lo hace por medio de unos personajes que como siempre en él son lo mejor de la película y de la tradición de esa Castilla que no lo es del todo, que mira a la muerte como una compañera de viaje más, que la celebra y que no tiene miedo de convivir con los que ya se han ido. Y sobre todo que la desmitifica, ya que en Volver morirse no tiene porque ser un vuelo sobre el mar mientras suenan arias de Puccini, sino que puede ser cambiar de habitación dentro de la misma casa o sentarse junto al río donde te enamoraste por primera vez.

No es la película que más me ha gustado de Almodóvar, ya que el ritmo es muy irregular y la mezcla de géneros marca de la casa -lo que me conquistó de La Mala Educación- se me atragantaba a ratos, pero aún así disfruté mucho con Volver, y hay virtudes que no es que no se le puedan negar, es que requieren ser destacadas: es este un cineasta único en el mundo, aunque de esto sean más conscientes en el resto del mundo que aquí, y en unos años será de los pocos nombres (si no el único) de directores españoles actuales que se recuerde de forma universal. Sea esto injusto o no con otros currantes muy dignos, estoy casi convencido de que será así. Las actrices están en estado de gracia, creando unos personajes auténticamente de película, nada que ver con el "organicismo" interpretativo que tanto se ha llevado siempre en Europa y que tanto aburre casi siempre. Desde la simple presencia de la Maura bajando unas escaleras o debajo de una cama, a Pe (perfectamente acorazada con un buen culo y un buen par de tetas) tirando del carro de la compra por el barrio, se construyen al menos cinco personajes femeninos que van directos a los anales de a historia del cine español. La cómica ingenuidad de Lola Dueñas, la potentísima e infinita bondad de Blanca Portillo o los silencios de Yohana Cobo son el resto. Y qué decir del casi-cameo (aunque con importancia en toda la peli) de Chus Lampreave, que se despide de forma tan discreta como entró en el cine del manchego, pero que ha creado escuela.

Formalmente, la peli no aporta nada al cine del director salvo por las secuencias en los pueblos: si ya los visitó fugazmente en La flor de mi secreto, ahora homenajea a Almagro, Puertollano...y, aunque no salga, a Calzada de Calatrava, seguro. Me quedo con un plano casi cenital en que las viejas dan el pésame a Sole, de fondo muy divertido y, de forma, bellísimo. No podía faltar el playback y las implicadas en él lo hacen complementándose con total naturalidad, y como que no quiere la cosa, ésta se convierte en una de las escenas más hondas y emocionantes del film. El guión, a ratos previsible y a ratos un tanto aburrido para mi gusto, encuentra su mejor valor en los diálogos y los personajes, y en ese humor que a todos nos sale en los momentos más tristes o más trascendentales. Como leí ayer en El País, a Almodóvar le gusta situar sus pelis en el momento en que se hicieron, y en Volver esto se consigue con el programa de "telebasura" que es un personaje más, aunque no se vea hasta casi el final de la peli. A esto le añado yo que le encanta hacer tele y cine dentro de su cine; esta ocasión no iba a ser menos, y mete un poco de las dos.

Vuelve Almodóvar, a menos de dos semanas de que se inaugure una exposición retrospectiva sobre su vida y obra en París, con cine interesante como siempre y con un punto de inflexión en su carrera. Se para y mira atrás, a sus primeros años de vida y a su cultura materna y matriarcal. Y mira adelante, hacia el momento que algún día ha de llegar, cuando se reencuentre con Francisca en un lugar de La Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme...

PUES BUENO, PUES VALE

2006-03-08T23:36:00.000+01:00

No me apetece mucho escribir (como casi siempre, por otra parte), pero mis innumerables fans me piden una opinión de los Óscares de este año y además como no escriba pronto sobre el tema ya no le va a interesar ni a Rita. Mi pensamiento principal sobre la septuagésimo octava edición de los Academy Awards se resume en las cuatro palabras del título del post. Es que no se, todo se me salió de los esquemas desde el comienzo de la ceremonia, aunque no siempre para mal... pero cuando Jack Nicholson dio el de mejor película a Crash, que es la peli que (de lejos) menos me había gustado de las de este año, fue el broche de bronce a una noche que ni frío ni calor, ni pa' tí ni pa' mí. Este año los Oscar no me han disgustado tanto como -por ejemplo- cuando le dieron todo a El Retorno del Rey, pero me han dejado muy frío.

Para empezar, la gala no sufrió bajones ni tuvo partes horriblemente aburridas, pero tampoco fue el paradigma del glamour, la diversión y el festejo que se presupone a la gran noche de Hollywood. Tenía muy altas expectativas puestas en el maestro de ceremonias, el cómico Jon Stewart, ya que sigo su Daily Show (Global Edition) en Paramount Comedy y me parece de lo mejorcito en sátira política. Pero los guionistas de la gala no quisieron mojarse con nada y todo se quedó en un par de comentarios muy templados, de los que me quedo con el que referenciaba al disfraz de cisne que lució Björk (Gundesmontir) hace ya varios años. Propongo como presentadoras para el año que viene a Meryl Streep y Lily Tomlin, que hicieron una introducción divertidísima al premio honorífico para Robert Altman, hombre que me cae fatal y que combina peliculones como Vidas Cruzadas con cagarros como El Dr. T y las Mujeres. A Lauren Bacall se le piraba un poco presentando un homenaje al cine negro, pero es que tiene más años que el sol ya la buena mujer.

Los premios, desconcertantes y a veces decepcionantes. No voy a comentar la pedrea técnica porque me eternizo, sólo que King Kong (que amé) y Memorias de una Geisha (que me durmió) se merecían los suyos. La música fue al Gustavo Santaolalla de Brokeback Mountain y no lo veo mal del todo; si cuando vi la peli no me gustó demasiado luego no me podía sacar el The Wings de la cabeza, y me emocionó oírlo dentro del Kodak Theatre, más que al acaparador de John Williams o la música africana de Alberto Iglesias para El Jardinero Fiel (que fragmento más malo eligieron, madre mía).
De los tres que se llevó Crash sólo se merecía el de mejor montaje: guión original debería haber sido para Match Point (la gran olvidada de este año, o una de ellas) y película...al final diré algo. Brokeback Mountain se llevó el de guión adaptado: más arriesgado pero igual de acertado habría sido dárselo a Munich o Una Historia de Violencia, pero así quedó la cosa. Ang Lee por fin se llevó una estatuilla como mejor director, y eso que va de masterpiece en masterpiece. Uno de los que más me gustaron fue el de mejor actriz secundaria para Rachel Weisz, y es que desde La Momia tengo debilidad por esta chica. El de secundario para Clooney, ni idea porque no he visto (ni me llama nada ver) Syriana, pero creía que se iban a levantar Matt Dillon o Jake Gyllenhaal. Fue la primera sorpresa de la noche, este galardón presentado por una Nicole Kidman que cada vez hace más mierdas y se parece más a su mujer-robot de The Stepford Wives.

Me gusta mucho Reese Witherspoon como actriz (sí, sí) pero no se si en esa peli está tan bien como para darle el galardón a esta muchacha con tanta carrera por delante. Actor...Phillip Seymour Hoffman me parece un semidiós, aunque Ennis del Mar está tan tan brillantemente interpretado por Heath Ledger que ya se lo había dado a él mentalmente. Pero me alegro por el gordo pajillero de Happiness. Y con respecto a mejor película...Algunos dicen que no hay como tener amigos, otros que no se han atrevido a dárselo a BBM, y yo se que muchos ven Crash como una obra maestra de nuestros días. No lo se, solo puedo decir que estoy totalmente de acuerdo en lo que dijo Mr. Belvedere de que Crash "es una peli que propone soluciones fáciles a problemas difíciles" (entendido esto en el peor de los posibles sentidos). Pero como siempre, la gente (ya no digo las taquillas) camina paralela a los premios, y como fenómeno sociológico y cinematográfico Brokeback Mountain, mi favorita, ha tenido un peso infinitamente mayor que sus competidoras. No se si ha sido la peli del año, la década o esas burradas que dicen, pero dentro de un tiempo muchos recordarán/recordaremos el estreno de la peli de Ang Lee, y lo que quiera que sea que venga después. Crash, me da la impresión, tardará poco en encontrar su lugar natural (por sensibilidad, por moralina, por intérpretes), la tarde de los sábados y los domingos en cualquier cadena de televisión.

MISCELÁNEA PREVACACIONAL

2006-02-21T02:21:00.000+01:00

He tenido esto bastante abandonado el último mes (aunque hace poco anuncié que volvía a la actividad regular), pero ya me conocéis, supersosegado. Como mañana me voy de vacaciones a Italia -no me canso de escribir esto- y luego voy a andar unos días por Valladolid, el blog va a estar en el limbo hasta primeros de marzo, cuando ya haya que comentar los Oscar. He recuperado la sana tradición de frecuentar la videoteca de mi facultad, que si vivís en Madrid deberíais visitar porque esta muy muy bien, y he ido un par de veces (ya podían haber sido más) al cine porque estamos en plena temporada de premios y se estrenan como churros pelis de calidad aceptable, algunas incluso buenas, cosa que no se puede decir del verano, cuando tengo horas y horas libres para acudir a las salas. Por eso no me quería ir sin darle un rápido repaso a los productos audiovisuales que más me han llamado la atención últimamente. Me meto en harina porque veo que se me escapa el avión:

Wilbur se quiere suicidar es una película pequeñita, danesa pero rodada en Escocia y realizada por Lone Scherfig, directora que logró bastante reconocimiento con la dogma Italiano para principiantes. Mientras que aquella no me convenció demasiado, Wilbur me ha encantado por lo tradicional que es: un cuento muy sencillo de un joven cuyo intento de suicidio desencadenará cambios en las vidas de todo el que le rodea, y estos cambios a su vez le van a cambiar a él muy profundamente...yo no lo explico muy bien pero merece que le echéis un vistazo. Gran interpretación la de Jamie Sives, el prota, y de la omnipresente en el cine británico Shirley Henderson (que tras Bridget Jones o Harry Potter se luce un poco como actriz).
Crash me ha gustado lo justo. No es una película mala pero se habla de ella como la nueva Vidas cruzadas, la nueva Traffic y muchas cosas nuevas. Y es una especie de Amélie meets COPS que será nuevo, pero a ratos largos no funciona, por lo menos conmigo. Se que a muchos que me leáis os habrá gustado...pues poneos un blog o algo. Si en algo gana BBM a ésta (aunque no sean comparables compiten por muchos premios) es que Brokeback no pretende ser nada nuevo y así, sin intentarlo, nace como única en su especie.
Ahora, que ni se os ocurra ver el largometraje español Los Nombres de Alicia. Es que es mala hasta decir basta. Yo también soy un poco kamikaze, la vi porque tenía una nominación a los Goya, la de mejor sonido. Y sí, nada que objetar al sonido. Pero la historia, las interpretaciones, la dirección, los diálogos...vaya mierda. De esas películas que te pones a pensar si, durante el rodaje o la pospro, nadie reparó en la cagada en la que estaban gastando los millones (algunos de ellos del ICAA). Ni siquiera es mala de echarse unas risas, es un rollo macabeo que no hay quien lo aguante hasta el final. Bueno, yo. Se que no la ibáis a ver de ninguna de las maneras, pero más vale prevenir.
Jarhead es una película interesante. Es como un ensayo sobre las guerras recientes, y, más sutilmente, sobre las películas bélicas. A ratos aburre, pero nunca sabes si es que falta ritmo o te sientes identificado con los soldados de una guerra (la Primera del Golfo) que nunca llega a estallar en el desierto pero que no por ello deja de ser devastadora. A Sam Mendes se le puede pedir más, pero los intérpretes (Jake Gyllenhaal, Jamie Foxx y Peter Sarsgaard) lo hacen bastante bien.

No había hablado de ella pero aprovecho su reciente BAFTA a la mejor película inglesa para reivindicar Wallace & Gromit: La maldición de las verduras. Utiliza el stop-motion con menos trampas que La Novia Cadáver y al servicio de un mejor guión. Si ya conocéis, aunque nunca es tarde, a los personajes del perro y su dueño -de sus cortos-, seguro que no os pilla de nuevas el humor surrealista/inglés (términos que muy a menudo van de la mano) que manejan. Si no, esta puede ser la ocasión. Quizá el premio a mejor peli británica debería haber sido para la gran El Jardinero Fiel, de la que no hablo ahora porque le dedicaré post. Pero es que Wallace y Gromit son taaan ingleses, y ya sabemos lo que les gusta a los hijos de la Gran Bretaña besarse el culo cuando se llegan.
Para ir acabando (aunque se que me dejo mil cosas) ayer fui a ver Los tres entierros de Melquíades Estrada, sobre la que no tenía grandes esperanzas, y que me sorprendió muy gratamente. El género es el que se ve en las imágenes, una especie de road-movie fronteriza, pero no esperaba ese humor tan presente y esos personajes tan entrañables (casi) todos ellos. Parece que Clint Eastwood tiene sucesor en lo que se refiere a tipo duro de la interpretación metido a director de cine (bueno) en Tommy Lee Jones.
Ahora me faltan Buenas Noches y Buena Suerte, Capote, Transamérica...el 17 de marzo se estrena Volver, para la que cuento horas, minutos y segundos. Y una última reclama al cielo: ¿Cuándo coño pretenden los de Disney -que tienen los derechos- estrenar en españa la última peli de Hayao Miyazaki, El Castillo Móvil de Howl? Que es que la han visto ya hasta en el último cine de Qatar, y su anterior obra maestra, El Viaje de Chihiro, no fue mal del todo en la taquilla española. No se cuando la veremos, pero parece que el genio de la animación japonesa ha vuelto a sentar cátedra.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XXI)

2006-02-18T20:21:00.000+01:00

(últimas líneas)
Narrador: 28 de septiembre de 1997. Son exactamente las once de la mañana. En la feria, cerca del túnel del terror, la amasadora de caramelo está amasando. En ese momento, en un banco de la plaza de la Villette, Félix Lerbier aprende que hay más uniones en su cerebro que átomos en el universo. Mientras tanto, en el Sacré Coeur, las monjas practican su revés. La temperatura es de 24 grados centígrados, la humedad del 70% y la presión atmosférica de 990 milibares.

Amélie(2001)
Escrita y dirigida por Jean-Pierre Jeunet

SCHNECKENTRAUM

2006-02-09T23:59:00.000+01:00

Estoy vaguísimo y no me apetece naaada postear. Además ya he escrito suficientes folios en la facultad esta semana... y todavía me queda la siguiente. Por eso sólo quiero haceros una recomendación: si tenéis quince minutos de vuestra vida libres (se que algunos que os tomáis las carreras muy en serio, ni eso) ved el cortometraje El Sueño del Caracol.
El autor es Iván Sainz-Pardo, un vallisoletano que lleva linkeado aquí bastante tiempo, que estudió cine en Munich y al que no le fue nada mal. Este es uno de los cortos que hizo allí, en tierras germanas, del que no os voy a contar nada. Algunos ya lo habéis visto (hasta lo han incluido en uno de los dvd de la fnac), y coincidiréis conmigo en que después de verlo es mejor que no te cuenten nada. "¿Cómo hablar...?". Tranquilos que tiene subtítulos en castellano.
Lo podéis ver aquí.

GAFAPASTISMO GANA GOYAS

2006-02-02T18:33:00.000+01:00

Ay, la ceremonia de los Goya...llevo toda la vida viéndola, soy adepto a ella desde hace más tiempo que a los Oscar (entre otras cosas porque son codificados y a las mil), cumplo años con ella, veinte ahora... Y siempre ha sido una puta mierda. ¿Pero qué le pasa a la gente? Parece que este año toda la hispanidad se ha puesto de acuerdo para ver los Premios Anuales de la Academia -que así es como se llaman, en un derroche de originalidad- y criticarlos. Puede que Rosa María Sardá les diese una gracia semejante a los Billy Crystal o Whoopi Goldberg de los Oscar, pero la gala ha sido siempre una cutrez y lo será por bastante tiempo, de momento. ¿Alguien quiere una ceremonia a lo Dorothy Chandler Pavillion? Dadme diez mil millones de pesetas (estimación) y el año que viene la monto yo, que pongo hasta farlopa de regalo con el programa de mano. Y es que no es lo mismo que te vean una décima parte de la población mundial que un millón escaso de personas.

Conozco de sobra los argumentos de que una gala de postín aumentaría el interés por nuestro cine, produciría muchos beneficios para una tele que cada vez ayuda menos a la industria fílmica y todas esas cosas, pero tampoco es plan gastarse el presupuesto de todo un año de hacer películas en darles premios. El lunes en el telediario de la 3 escuché por enésima vez lo de "fue una gala fría e interminable" y por enésima vez estuve de acuerdo, pero lo cierto es que me gusta ver los Goya porque me gusta el cine español, o por lo menos no lo rechazo de entrada por ser español (prejuicio cinematográfico que tengo que reconocer que guardo hacia alguna nacionalidad). La ceremonia (por llamarla de alguna manera) fue larga, repetitiva -como toda entrega de galardones- y con poca gracia, y el motivo de que la presentase Resines -que como actor tiene alguna cosa buena, pero como showman cero patatero- descubrí el lunes en EPS que era "que siempre está disponible". Pero vamos, Antonio salvó su parte dignamente al lado de su compañera. Lo de Concha Velasco (me da un poco de vergüenza que esta tía sea pucelana) es que no tiene nombre. ¿Como permitió que su presentación inicial fuese ese clip salchichero en el que cantaba "comunicando" hace trescientos años?. Y el vestido de Escarlata O'Hara que se calzó para la segunda mitad ya fue antológico.
Los premios...hay que reconocer que el nivel medio de este año era bajo, pero por lo menos no había una Mar Adentro cuyo título se pronunciase cada cinco minutos con música de CasioTone de fondo, lo que le daba una mínima emoción al asunto. La mejor peli de la Coixet, esa entrañable gafapasta, para mí es Mi Vida sin Mí, pero está bien que se la reconozca por primera vez como una de las directoras "de primera división" de nuestro cine. Porque aunque haga las pelis fuera y en inglés, sus pelis son españolas, que parece que la gente no entiende esto. No es el caso de El Reino de los Cielos, que porque la empresa de catéring y dos caballos sean de huesca ya optaba a un Goya. Comentar que me jodió un poco que mis dos favoritas, Obaba y El Método sólo se llevasen un cabezón cada una, pero por lo menos no se las dieron a Princesas, un rollo trilladísimo y una peli normalita. Eso sí, el premio de interpretación a Candela Peña era necesario, era dárselo por esta peli o darle un honorífico, y la muchacha es muy joven para lo segundo. Tapas se llevó la dirección novel como todos esperábamos, y aunque no es la gran película de la que muchos hablan es una ópera prima muy decente. Esperamos que Corbacho y Cruz no se duerman en los laureles y ahora que son famosos hagan HomoZapping: la película o algo así. Decir, porque se que algún bloguero lo duda, que Match Point es una peli inglesa, y se llevó con méritos y limpiamente el premio a peli europea.
Pues eso, que acabó el camino de cabras hacia los Goya y comienza el Road to the Oscars. Y con Alberto Iglesias nominado, por fin. Que conste que lo vaticiné yo el miércoles pasado. Ya hablaremos de las nominaciones, pero Capote, Brokeback Mountain, Transamerica...este año no les ha tocado a los negros, ¿entendéis?

SI NO PUEDES CON ELLOS, CÓMPRALOS

2006-01-26T19:25:00.001+01:00

Hablaba el otro día con unos amigos de lo buenas que eran, en general, las pelis de animación de Pixar, en contraste con las cagadas que estrenaba Disney últimamente. Hace más de diez años los dos estudios firmaron un contrato de colaboración que comprometía a la compañía de animación digital a hacer siete largometrajes para Disney. Pues bien, la séptima de esas siete películas (Cars) está a punto de estrenarse, y era más que un rumor que los creadores de Los Increíbles o Buscando a Nemo no tenían en mente renovar, para llevarse una parte mucho más sustanciosa de los beneficios que diesen sus pelis realizadas a partir de este momento. Anteayer Disney dio el pelotazo y nos dejó a más de uno con la boca abierta con la noticia de que compraban la compañía Pixar por 7.400 millones de dólares. Así se acaba la duda de quién distribuiría ahora sus títulos en los cines, y Disney como productora tendrá algo decente que llevar a las pantallas.

Los estudios de animación de Disney, a la vez que la edad de oro de la animación generada por ordenador comenzaba con Toy Story en 1995, entraban en crisis creativa y por consiguiente económica. El renacimiento que la compañía experimentaba desde finales de los 80 gracias a títulos como La Sirenita, La Bella y La Bestia o Aladdín, acaba cuando el director por entonces de la compañía -y causante de este resurgimiento- Jeffrey Katzenberg la abandona para crear junto a Spielberg y Geffen la rentable Dreamworks. Tras el último buen título de animación tradicional de Disney (esto es, El Rey León) en 1994, sus estrenos se van convirtiendo uno tras otro en batacazos, o simplemente pasan desapercibidos. Al principio se intenta mantener la técnica comercial de un "gran estreno" cada navidad, pero largos como Hércules o Pocahontas no tienen tirón suficiente como para repetir el éxito de sus predecesores. Luego comienza la estrategia del "todo vale": estrenos directos a vídeo, cantidad de pelis sobre el mundo Pooh, segundas partes de sus grandes clásicos o aberraciones del tipo Atlantis.

Hasta intentaron crear en Disney su propio estudio de animación digital. Mejor que el tiempo nos haga olvidar, porque si empezaron su andanza con la medianamente comestible Dinosaurio, su último ¿bombazo? ha sido Chicken Little. Lo único que salvaría de esta última es que en la versión original el pollito tiene la voz de Zach Braff. Los estudios de dibujos clásicos echaron el cierre con Zafarrancho en el Rancho, aunque ahora amenazan con estrenar (en el cine, sí) la segunda parte de Bambi. Se la habrán hecho de encargo en Japón, me imagino.
Conclusión: las únicas pelis decentes que se podían ver estos años con el castillito de la Disney al principio eran las de Pixar. Ante la posibilidad de quedarse sin ellas, y sin la de millones que generan en todo el mundo, la corporación de Mickey compra los estudios situados en Emeryville, California. Y es que aunque sus dibujos den pena, Disney es una compañía con una facturación anual astronómica. Parques temáticos, editoriales, canales de cable, discográficas y otros estudios y distribuidoras de cine (Touchstone, Miramax, Buena Vista) forman parte de la diversificación empresarial del grupo. Y como el pez grande siempre se come al chico, Pixar y Disney serán uno hasta que la muerte los separe. Esperemos que no se contagie la creatividad en el mismo sentido en el que van los millones...

SIEMPRE NOS QUEDARÁ WYOMING

2006-01-19T18:47:00.001+01:00

Ayer se preestrenó en mi facultad -que no todo allí va a ser inmundicia- el nuevo film de Ang Lee Brokeback Mountain, subtitulado en nuestro país En Terreno Vedado. Lo único que la prensa da a conocer sobre esta peli cuando habla de ella (últimamente bastante, porque se estrena mañana y porque se ha llevado cuatro Globos de Oro) es que es la historia de dos vaqueros gays. Y, siendo aceptable, no me parece una descripción acertada de lo que el espectador va a ver. Quizá sea mejor para el que no ha visto la película que la que voy a hacer yo, pero una vez hecha la advertencia, diré que Brokeback Mountain es la historia de un hombre, Ennis del Mar (Heath Ledger, el descubrimiento interpretativo del año), a lo largo de veinte años de su vida. Cierto que también acompañamos en sus peripecias a Jack Twist (Jake Gyllenhaal), el amor de su vida, y a las esposas de ambos, interpretadas con solvencia por Michelle Williams y Anne Hathaway, pero el espinazo de esta narración, además de ser el primero en aparecer y el último en irse de cuadro, es el personaje de Ennis, y la fortísima pero sutil -que difícil es conseguir esto- evolución del mismo.

La narración comienza el año 1963, en lo más profundo de la América profunda. Dos jinetes comienzan a trabajar juntos cuidando ovejas durante un verano en el inhóspito/bellísimo paraje que da nombre a la peli. La indiferencia se convertirá en amistad, y la amistad en algo más. Pero tras el verano los personajes vuelven al mundo real, la magia se rompe y sus vidas comienzan a ir "por donde deberían". La dicotomía que se establece entre los dos no puede ser más clara. Jack es el más abierto, no tiene miedo de mostrar sus sentimientos (al otro, claro está), y está dispuesto a hacer lo posible por ser feliz. Ennis tiene un gran problema: la incomunicación. Es incapaz de sacar lo que tiene dentro. Que el gran amor de su vida sea un hombre no ayuda nada, y más cuando su personalidad está castrada desde que vio algo terrible siendo un niño.

Ang Lee ha demostrado que un director chino puede enfrentarse a la Inglaterra decimonónica, a los suburbios de Maine en los 70, o -ahora- al Wyoming rural y salir airoso. Mucho mejor de lo que bastantes compañeros anglosajones lo habrían hecho. Con la ayuda de la foto de Rodrigo Prieto (21 Gramos), de un guión concebido en estado de gracia y de los maravillosos paisajes canadienses donde se rodó, el autor de la infumable Hulk se redime y casi toca el cielo. El "casi" es porque los Oscar no han sido todavía. Es ésta una película potente, tristísima, que se va ganando al público por momentos hasta un clímax emocional de los que hace tiempo que no veíamos. La homosexualidad no es un tema como tal en la película, y si esto no queda claro ahora lo hará cuando la veáis. Puede que no le guste a todo el mundo, pero a muchos os va a maravillar. Despues de tanto bombo como se le había dado al film desde hace un tiempo, tenía en mente odiarlo y hacer una crítica mala para salirme de la generalidad. Pero me lo han puesto imposible. No hay innovación estética o temática en esta película, pero es que los clásicos no necesitan de eso. Si es cierto que otras me han gustado (divertido, sorprendido) más, ésta es la mejor lección de cine y vida que he recibido recientemente.

LA FUENTE

2006-01-13T00:45:00.000+01:00

Tras descubrir recientemente que hay unas cuantas fans de Requiem por un sueño entre los lectores de este (mi) vuestro humilde blog, ahí va una de esas reseñas sobre un próximo estreno en las que tan poco me prodigo. Resulta que en muy pocos meses -aunque no se sabe en cuantos exactamente- se estrena The Fountain, la tercera película de Darren Aronofsky, director de las geniales Requiem y Pi (fe en el caos).
Un grandísimo misterio envuelve a todo lo relacionado con esta película, y es que no debemos olvidar que la incertidumbre es una estrategia comercial difícil de manejar en estos días pero altamente efectiva. Sólo cuatro frames promocionales se han distribuido, y el único tráiler editado hasta el momento crea más dudas de las que resuelve. Por deducción diré que se trata de tres historias paralelas que suceden, respectivamente, en los años 1500, 2000 y 2500 de nuestra era, todas ellas relacionadas con la búsqueda de una mujer por parte de un hombre. Los protagonistas son Hugh Jackman (aka Lobezno) y Rachel Weisz (cada vez más de moda), y entre los secundarios destaca Ellen Burstyn, la veterana actriz que interpretaba el inefable personaje de Sara en Requiem.
Por su director y por las pocas imágenes que he cazado tengo unas ganas de verla tremendísimas, como imaginaréis, que intento contagiaros con el post. Dice Aronofsky (que abandonó un proyecto de precuela de Batman alternativo a Batman Begins) que es ésta "una película de ciencia ficción metafísica post-Matrix, diferente a cualquier cosa que hayas visto. La llamo así porque Matrix reinventó la ciencia ficción, de la misma manera que en su momento lo hicieran 2001 o Star Wars. Me he movido en un nuevo terreno, intentando averiguar lo que funciona con una audiencia de hoy en día, y creo que ha quedado algo bastante guay" (¿?). Esperemos que sea tan guay como tus anteriores pelis por lo menos, Darren, que después de casos como los de Cristopher Nolan o Kevin Smith ya no me sorprendería que otra promesa de gran director se echara a perder.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XX)

2006-01-08T18:53:00.000+01:00

Renton (off) : Elige la vida, elige un empleo, elige una carrera, elige una familia, elige un televisor grande que te cagas, elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige la salud, colesterol bajo y seguros dentales, elige pagar hipotecas a interés fijo, elige una primera casa, elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego, elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige el bricolaje y pregúntate quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver tele-concursos que embotan la mente y aplastan el espíritu, mientras llenas tu boca de puta comida basura. Elige pudrirte de viejo, cagándote y meándote encima, en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida.
Pero ¿porqué querría yo hacer algo así?
Elijo no elegir la vida. Elijo otra cosa. ¿Las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?

Trainspotting (1996)
Escrita por John Hodge - Dirigida por Danny Boyle

ANDE O NO ANDE...

2006-01-02T16:59:00.000+01:00

...Gorila grande. Si ya se podía afirmar con su trilogía de El Señor de los Anillos, ahora no queda duda de que Peter Jackson es el director megalómano por antonomasia, al menos en el panorama actual. King Kong -película y personaje- no son grandes, son inmensos. Tamaño, metraje, presupuesto, aspiraciones...no hay lugar para la humildad en este festival de la hipertrofia del que artísticamente el neozelandés ha salido bastante airoso; en lo económico, esto ya es más discutible, porque de momento su película ha empezado por debajo de lo que lo hicieron títulos más baratos como Las Crónicas de Narnia o Harry Potter, sin ser sus resultados para nada malos.

No voy a repasar la historia del personaje de King Kong porque estoy harto de leerla en números recientes de revistas de cine y verla en documentalillos, y así nos podemos centrar en esta película: sólo decir que si el original duraba 100 minutos y el infeliz remake del 76 duraba 134, la peli de Jackson se va a los 187. Tres horas largas (que no largas horas) de puro entretenimiento de serie B rodado con dinero de serie A+, con intermedio y todo, transportando las salas y sus ocupantes a otros tiempos de mayor esplendor cinematográfico.
Si la peli es tan tan larga es porque algo nuevo se han tenido que inventar los guionistas (entre ellos la mujer del director, Frances Walsh), y la primera escena ya dice mucho de lo que va a ser uno de los temas principales de la película: el mal momento por el que pasaban los Estados Unidos a principios de los años 30, concretamente en 1933, año elegido para situar la acción por ser el que vio nacer al simio Kong, para la película de M. C. Cooper y E.B. Schoedsack. Si estáis despiertos, pillaréis un homenaje a la primera versión de la película en forma de comentario del personaje del director de cine, Jack Black. Otro guiño iba a ser la aparición de la protagonista original, Fay Wray, pero su muerte en el verano de 2004 -a los 96 años- lo impidió. No obstante, antes de su fallecimiento Jackson se entrevistó en numerosas ocasiones con ella, lo que le sirivió para hacerse una idea de cómo fue el ambiente de rodaje y las aspiraciones del King Kong original, película idolatrada por el neozelandés desde su infancia. Con esta revisión del mito le ha querido hacer un homenaje a la manera en que se lo hizo a uno de los libros favoritos de su adolescencia, la trilogía de los anillos de Tolkien, hace unos años.

El comienzo de la película nos introduce en el ambiente del Nueva York del 33, y nos presenta con detalles un escenario que no volveremos a ver en la película hasta dos horas después, cuando llegue el enésimo -y último- clímax en forma de mono desatado por la Gran Manzana. Conocemos por encima a los personajes, que se nos van a presentar mucho mejor en el largo episodio del barco, sobre todo al trío protagonista: La actriz Ann Darrow, que atraviesa un momento tan malo que acaba embarcándose en un rodaje suicida con el director Carl Denham, una mezcla de directores osados (que no por ello de buen hacer) de la historia y del propio Jackson. Éste hará todo por terminar su película, hasta "secuestrar" al guionista Jack Driscoll (Adrien Brody), que siente que se vende por escribir un film de las características del de Denham. Como en el original, cine dentro del cine, pero esta vez en más de un sentido: esta película bebe de muchísimas fuentes aparte del film de hace 70 años, siendo Jackson como sabemos un cineasta altamente referencial. También literarias, pues el personaje de Jimmy (interpretado por un Jamie Bell muy lejos ya de Billy Elliot en muchos sentidos) establece un paralelismo entre esta historia y El Corazón de las Tinieblas, de Conrad, con reflexión sobre las narraciones de aventuras incluida.

Después tendremos la interminable parte de Skull Island que, tengo que confesarlo, me encanta. ¿A quién puede no gustarle una pelea de lucha libre entre King Kong y dos tiranosaurios con Naomi Watts -una heroína nada al uso- dando alaridos y alguna patada alrededor? Los fotogramas gritan "serie B". Es esta parte un macro- Parque Jurásico del que personas como Cooper, Ray Harryhausen o Steven Spielberg pueden sentirse orgullosos porque sin sus aportaciones al cine no hubiera sido posible, pero lleva más allá cualquier precedente: la parte de las lianas es genial. Finalmente, siguiendo esta estructura episódica -creo que no revelo nada a nadie- y haciendo un círculo (como en ESDLA) volvemos a Nueva York donde la belleza de las imágenes y su simbiosis casi perfecta con el contenido deslumbran cuando más, si es que no has ido a la sesión nocturna y te estás durmiendo, que todo puede pasar.
La empresa Weta va poniendo las últimas piedras en su consagración como la nueva reina de los efectos especiales (con permiso de ILM) con este título, aunque todavía haya cosas que mejorar. Lo que no se es si conviene que todo sea tan real que al final se pierda la sensación fantástica que recorre ésta y muchas otras pelis recientes. El tiempo lo dirá. La música la firma mi favorito, James Newton Howard, pero lleva más el sello de las pelis de Jackson que de las partituras de aquel. El compositor se la tuvo que currar en tres meses, tras el despido en septiembre de 2005 de Howard Shore (ESDLA), que hizo algo que parece que no le gustó mucho al jefe. Diría que nunca podríamos oír esa otra música y dar nuestra opinión, pero de una película de la que ya puedes comprar el making of en la fnac por 20 euros (40 para coleccionistas) me lo espero todo, incluso la edición de la banda sonora alternativa para ponerla en el tocadiscos mientras ves el DVD. Hay que ver cómo amortizamos todas las marquesinas de autobús que hemos llenado de imágenes del gorila.

A VERY FROSTY CHRISTMAS

2005-12-26T00:22:00.000+01:00

Feliz Navidad, y esas cosas. Breve post para comentaros que, tras semanas de poco posteo debido a cosillas de clase y a mi dejadez intrínseca, vuelvo a la acción con temas muy variopintos. De aquí en dos semanas -lo que tengo de vacaciones, no me quejo- intentaré comentar las pelis navideñas que más van a sonar y algunas que estoy volviendo a revisitar cada vez más a menudo, clásicos de los de toda la vida. Intentaré recrear mis viajes por lugares tan exóticos como Narnia o la Isla de la Calavera y el paseo tan divertido por Madrid que supuso Los 2 Lados de la Cama... divertido y sorprendente, porque desde aquí pronostico (como ya hicieran conmigo) que nadie se imagina por donde van los tiros argumentales de la comedia de Martínez Lázaro.
Ya que en el aniversario del blog la gente está de veraneo y despendole por ahí aprovecho para felicitaros a todos el año y agradeceros que os dejéis caer alguna vez (algunos bastantes) por aquí, e incluso comentar. Fuera las calles de Pucela están a menos cinco grados y llenas de escarcha, pero desde aquí dentro vuelvo a calentar motores para que esto se parezca un poco al prolífico-pero-muy-humilde blog de crítica amateur que empezó siendo. Sed buenos e id mucho al cine.
Ah, y a quien corresponde, gracias por los regalos de anoche, me hicieron mucha ilusión, sobre todo uno:

¿FALLIDA O UN FIASCO?

2005-12-21T13:03:00.000+01:00

La última película de Cameron Crowe, Elizabethtown, es un tostón. Tampoco es que esto no se pudiera prever (ya que su mente pergeñó Jerry Maguire o Vanilla Sky, aunque para esta última no tuvo que pensar mucho), pero tengo que decir que es el director de una de mis pelis recientes de cabecera, Casi Famosos. En aquella revisitaba su adolescencia y la revestía de grandes dosis de imaginación -aunque puede que sea de esos que se creen sus propias mentiras- para contarnos la historia de un joven de los 70 que ama el rock, y por arte de birlibirloque acaba acompañando en gira, como periodista para Rolling Stone, a uno de sus grupos favoritos, en el abismo de la fama más cabrona.

En esta ocasión vuelve a inspirarse en su propia vida, unos años más tarde (los veintitantos-treinta) para contarnos la historia de un joven que está a punto de alcanzar la cima en su carrera empresarial -diseñando zapatillas de deporte- y lo pierde todo debido a un gran error en forma de calzado supermoderno. También hace perderlo casi todo a su empresa, y la semana que hay de lapso entre su despido y la publicación en prensa de su gran cagada (su final más absoluto), en la que pretende suicidarse, va a ser el centro de la narración y un importante punto de inflexión en su vida. Sí, típica-tópica peli de encontrarse a uno mismo; en ocasiones sigue dando grandes resultados como la gran Algo en Común, pero no es el caso.
Lo cierto es que la peli es flojilla y aburrida a ratos, pero no es infumable del todo. Para empezar, es de las pocas pelis mediocres de las que me ha apetecido hablar aquí. Como en la película, en la que se reflexiona sobre la diferencia entre algo fallido y un verdadero fiasco (discusión que no voy a empezar ahora) yo salí de la película reflexionando algo así. Y la peli un fiasco, una puta mierda, una gañanada absoluta, no es. Este efecto es claramente inintencionado, pero ahí está. El film es un quiero y no puedo, o un pudo ser y no fue. Pero hay varias cosas de las que estarían en la versión-obra-maestra de la historia.

Justo cuando el prota está intentando suicidarse al comenzar la peli conoce la muerte de su padre, lo que retrasa sus planes porque tiene que ir al pueblo natal de éste a recoger el cadáver, ya que su madre no se habla con la familia paterna. Entre tanto topicazo del Medio Oeste aparece el más grande, cuando conoce a una chica rarita que puede cambiarle la vida con su optimismo. Una de mis actrices jóvenes favoritas (Kirsten Dunst) y uno de mis actores jóvenes "menos favoritos" (Orlando Bloom) encabezan el reparto que incluye a Susan Sarandon y Alec Baldwin. El discurso se pierde entre interminables canciones (que en vez de acompañar las imágenes es al revés) muy buenas pero que no tienen el protagonismo que tenían en Casi Famosos, lo que las hace molestas a ratos, y sobre todo entre larguísimas y absurdas llamadas de teléfono mal aprovechadas, en guión y en rodaje.
Pero entre las cosillas que me gustaron y que vuelven frecuentemente a mi mente después de enviar a la papelera de reciclaje el resto de la película, está la teoría sobre cómo te mira alguien cuando es la última vez en su vida que te ve. Qué identificado me sentí. Y, aunque no es mérito del equipo, la escena en la que los protagonistas ven juntos el amanecer junto al valle es de esas que se quedan grabadas... Qué romántico (versión tonta) me pongo a veces, de verdad.

PÁPA, HE VISTO UN OVNIR

2005-12-10T18:03:00.000+01:00

El humor castellano más bizarro y freak se manifiesta en todo su esplendor en el programa de Paramount Comedy La Hora Chanante. Ya lo dice una advertencia (inspirada en South Park), antes del comienzo de cada episodio: "El programa que van a ver a continuación es la mayor freakada (se pronuncia como se lee) que ha parido madre". Lo de "castellano" es literal, ya que el germen de ese programa está en plena Castilla-La Mancha. Su creador, director, protagonista y cabeza pensante es Joaquín Reyes, un albaceteño que se desplazó hasta Cuenca en su juventud para estudiar bellas artes. Allí hizo amistad con otros dos paisanos suyos, Raúl Cimas (quizá lo recuerden de Buenafuente) y Ernesto Sevilla (que ahora presenta su propio programa en la Paramount, un concurso sobre cultura basura llamado Smonka!). Este "trío de albacete", unos años después, en Madrid y junto con otros cuantos jóvenes profesionales del humor, sobre todo del monólogo, pusieron en pie -corría el año 2002- uno de los programas más absurdodelirantes de los que hoy pueblan la parrilla española. Y mira que hay competencia.

En este espacio cabe todo, siempre que tenga un nivel aceptable de surrealismo y provoque al menos un par de carcajadas por minuto: un superhéroe que sueña con phosquitos bailarines, Tim Burton hablando del parecido de su novia con un mono tití, unos vaqueros que atraviesan el Oeste para llegar al festival de Benicàssim... son sólo ejemplos de las perlas con que, en forma de sketches (algunos eventuales, otros series fijas) nos deleita La Hora Chanante una vez cada treinta días. Si los podéis ver en la tele, se estrena capítulo el primer domingo de cada mes a las 23.30. Para todos los demás, el e-mule, donde cuelgan los capítulos los propios creadores.
Algunos de los sketches con los que podéis toparos todas las semanas:

Testimonios: Son la sección estrella. Cada capítulo empieza con un testimonio. En él, un famoso (que presentará el siguiente programa) nos habla, siempre con acento manchego profundo, de su vida y milagros. Las caracterizaciones son de traca, pero lo mejor son las chuminadas en estado puro que salen de su boquita. Por esta sección han pasado Michael Jackson, Margaret Thatcher, Bill Cosby, Björk, Coppola, Sara Montiel, Stephen King, Mr. T... algunas de las joyas de la corona en lo que a declaraciones se refiere:

Margaret Thatcher
"Sé lo que estáis pensando: La Dama de Hierro. ¿qué creéis, que no lo sabía? Si a mí me gustaba porque siempre he sido una mujer con mucho carácter, con mucho genio; yo me plantaba en Westminster con mi bolso y se a-co-jo-na-ban, los míos y los otros, se ponían a sudar. Yo es que soy así, de las que se quitan las bragas a pedos".
Montserrat Caballé
"Soy acojonante, soy pelotuda, soy pistonuda, hay que verme cantar, que a mí me han ovacionado 25 minutazos. 25 minutazos con la gente ahí dando palmas, que yo veía alguno y pensaba: a éste le cabe una sandía por el culo de lo que lo está gozando de verme".
Anatoli Karpov
"¿Sabéis por qué no tengo el título de campeón? Por los zanguangos de la federación y por el cabrón de Kasparov, que me tiene pelusa. ¿A vosotros cómo os caía Kasparov? Os caía bien porque con vosotros era de otra forma, pero conmigo era un hijo de puta, que en las partidas me daba patadas por debajo de la mesa y si le venía un eructo me lo proyectaba en la cara".
Mister T
"Una cosa quiero decir a los fans de La Hora Chanante. Me he enterado que os gusta el programa y soléis decir: "cómo me gusta La Hora Chanante, me junto con mis amigos y me fumo unos porros y nos partimos el ojete". ¡Mal! Verlo sin fumar canutos, alejaos de las drogas, que son asuntos sucios".
Björk
"Soy una persona muy especial; medio lapona, vamos, medio esquimal, medio... medio mongola. Mis padres eran un poco jipilondios y me dieron una educación que eso no era educación ni era nada porque era ir todo el día en culos, así con mucha relajación de costumbres. Yo me compuse una personalidad distinta, me se va la cabeza y hago las cosas así como me vienen".

Retrospecter: Un fragmento de una película antigua, y desconocida casi siempre, que los "chanantes" doblan con total libertad para componer situaciones radicalmente distintas a las que narraba la peli en su origen. Un ejemplo: unas niñas de esas que venden galletas en las pelis americanas que, por obra y gracia del programa, se convierten en las camellas más quinquis de todo Chicago. Como habréis comprobado en los testimonios anteriores, La Hora Chanante tiene una serie de expresiones y palabras propias, que son usadas por sus personajes el mayor número de veces posible: tunante, regomello, pesambre, renegror, caldofrán, asobinarse (y derivados), enratonao... Los fanes nos las aprendemos como si fueran nuestras oraciones y las repetimos a todas horas, creando situaciones cuando menos extrañas, como cuando nadie de tus acompañantes ha oído hablar nunca del programa.

Series de animación: pues es que el Reyes, aparte de ser un cachondo mental, dibuja de forma bastante aceptable, y aparte de la cabecera del programa realiza cortos de dibujos que forman pequeñas series con personajes memorables como Superñoño (el superhéroe más blando que la mierda de pavo) Bizcoché y Ojos de Huever o Doctor Alce.

Cuéntaselo a Asun: Un talk show rollo patricesco, pero sin reencuentros entre familias sudamericanas. Uno de los casos que más célebre se hizo fue el de una mujer que recriminaba a su marido que acabase siempre las frases en fade-out. "¿No puedes acabar de hablar por corte, como el resto de la gente?"

Y hasta aquí la freakada del día. Si conseguís descender al estado mental que requiere un visionado de este programa, os recomiendo que lo hagáis. El efecto, en mi persona, suele ser acabar con dolor abdominal de la risa. Además, para todos los que tengáis entre veinte y treinta años el programa os va a parecer un filón de referencias -que siempre despiertan un poquito la nostalgia- hacia la música, la tele y el cine de los ochenta: cosas que, en nuestro país, se popularizaron unos diez años más tarde, porque yo me acuerdo de casi todas. Hacía tanto tiempo que nada conseguía hacerme reír así, que desde que me hice fan del programa hace escasos seis meses (pero gracias a las descargas estoy recuperando los años perdidos), supe que tenía que dedicarle un post de agradecimiento a La Hora Chanante.

HOGWARTS: HECHIZOS Y HORMONAS (2/2)

2005-12-06T17:56:00.000+01:00

Retomando el tema de El Cáliz de Fuego, creo que como en todas las pelis de Potter es inevitable hacer mención al equipo artístico: un grupo cada vez más grande de actores ingleses que cumplen la máxima británica de dar siempre un poco más de lustre –si se puede- a lo suyo. Aunque estas películas sean de hecho americanas, exportan hasta el último rincón del mundo parte de la cultura inglesa, en este caso la más reciente. Los divismos brillan por su ausencia, ya que, por la entrada sucesiva de nuevos personajes, los secundarios cada vez lo son más y tienen menos minutos en pantalla. Pero siguen siendo fabulosas las entradas de Maggie Smith, Michael Gambon (aunque no puedo no echar de menos al gran Richard Harris), Robbie Coltrane, Alan Rickman… pena que en esta entrega la aparición de Gary Oldman sepa tan a poco, a nada en la versión doblada de la película, no diré más para los que no la habéis visto; eso sí, todo a mayor gloria de los efectos especiales. Como ya sabréis la incorporación estrella en El Cáliz es la de Ralph Fiennes, que asume a mitad de la saga uno de los papeles más importantes en lo que resta: la segunda encarnación de Lord Voldemort. Ninguna imagen de su caracterización ha sido distribuida para que la sorpresa sea mayor, sea esto para bien o para mal, recordándonos los tiempos en los que tan bien ocultaron esa cutrez de Godzilla. También es nueva por estos territorios Miranda Richardson (casualidades de la vida: hace nada hizo con Ralph Fiennes la extrañísima Spider de David Cronenberg), en el papel de la periodista Rita Skeeter, uno de los peor adaptados del papel al celuloide. Sale mucho, no hace nada importante, y al final su historia queda totalmente en suspenso. Para lectores y novatos queda como una molestia en la narración y una personalidad totalmente sobrante, amén de desagradable. A Brendan Gleeson ni se le ve con tanto maquillaje, pero su personaje de “Ojo Loco” Moody es capital en esta parte de la historia. Para acabar con los intérpretes, los chiquillos van depurando sus dotes interpretativas (en algunos casos, una necesidad imperiosa) y se van poniendo buenorros en la mayoría de los casos, como el de Hermione con su megavestido de noche o Harry y su escena de desnudo con fantasma incluido.

Llegamos (para ir finiquitando esto) al apartado técnico, para el que tengo aplausos y abucheos, empezando por lo malo la planificación (los planos, vamos) de algunas escenas, como la del discurso de Dumbledore. El personaje que en las otras entregas parece etéreo, a veces espectral, pierde mucho por la mala colocación de las cámaras, y, en general, porque le hacen correr y levantar las manos tantas veces en la película que uno no sabe si está haciendo aerobic, o, peor, si es más maloso que Voldemort por esos gritos que pega y ese ceño fruncido constantemente. Si se dispone de un espacio (sea natural o, como en la mayoría de los casos, recreado) tan inmensamente grande como el comedor de Hogwarts, las secuencias que allí suceden no se pueden diseñar como si fuera una charla de amigos en una sala de 10 metros cuadrados. Vamos, poderse se puede, pero el efecto que se consigue es el contrario al que una película “épica” como esta necesita. Por contraposición, destacan las escenas de acción –rodadas, seguramente, por una segunda unidad con más experiencia en el tema que Newell-, que dejan con la boca abierta y que tienen unos efectos especiales de quitarse el sombrero. Nada que ver con el rollo Toy Story de la primera. Desde la primera con el dragón y las torres del castillo (im-prezionante), uno ya sabe que la chicha de esta película está en las pruebas del campeonato. Del guión ya aprecié que, en general, es una película muy entretenida y que provoca un punto de inflexión en la saga, pero algunas cosillas han dañado un poco el espíritu de la saga. Ha hecho bien Steve Kloves en, después de escribir las cuatro primeras, descansar una película de Harry Potter. El que se ha marchado con la música a otra parte, no se sabe si para siempre, es John Williams, del que ya sólo queda el tema principal de la banda sonora. El resto del score lo firma Patrick Doyle, entre otras cosas porque seguro que es mucho más barato que Williams y no está tan solicitado. A ver que tal adapta Michael Goldenberg La Ordel del Fénix, que comienza a rodarse en primavera. Hasta 2007, año de su estreno, prometo no tocar más el tema niños-mago…¡Lo prometo!

HOGWARTS: HECHIZOS Y HORMONAS (1/2)

2005-11-30T01:40:00.000+01:00

La infancia ha terminado oficialmente para Harry Potter en su más reciente aventura cinematográfica, El Cáliz de Fuego. Menudo revuelo se montó en Estados Unidos e Inglaterra (países progenitores de la saga) cuando se difundió la noticia de que el filme había recibido la calificación de PG-13: ningún menor de esa edad podría ir a ver la película sin que un adulto entrase en la sala como acompañante. ¿Cómo podían hacer eso a la cuarta entrega de una serie que, según la creencia –cada vez menos popular- es “para niños”?. Vamos a ver, que esto lo pienso muchas veces y lo digo muy pocas: que una película (o una historia, en términos generales) se desarrolle en un colegio y sus protagonistas sean los alumnos, no significa que ésta esté destinada al consumo único de los infantes. Parece una perogrullada, pero mucha gente lo cree así. Esta película, y es que yo al veces estoy de acuerdo con las recomendaciones, la puede ver cualquiera que nadie va a quedar traumatizado; pero los menores de diez años no se van a enterar de una mierda (que el argumento en ocasiones parece ideado por Lynch y Aronofsky a pachas), y es posible que un par de escenas les acojonen bastante, aunque de momento nada como los dementores de la tercera parte, qué geniales eran.

Hay un fantástico prólogo en la peli que no reventaré aquí, pero que es tal cual me lo imaginaba como lector, e introduce La Mansión Riddle (la casa de familiar de Voldemort cuando era Tom Riddle) como nuevo escenario. Pronto viajamos a La Madriguera, la casa de la familia de Ron (los Dursleys han tenido que ser eliminados de la historia por cuestiones de tiempo, como otros tantos pasajes del libro, que con 752 páginas es el segundo más largo de la serie a falta de la aparición del último. Aún así los 157 minutazos de película no os los quita nadie). Todo está preparado para ir de excursión a los mundiales de Quidditch, donde las cosas se complicarán con una acción terrorista de los Mortífagos, los seguidores de Voldemort, la primera tras trece años de silencio. Parece ser que El-que-no-debe-ser-nombrado está a punto de volver a hacerse físico, la “marca oscura” en el cielo no deja dudas. Con el terror de casi todos todavía en el cuerpo, un curso muy particular da comienzo en Hogwarts. Este año se celebra allí el Torneo de los Tres Magos, un acontecimiento inusual que reúne a las tres mejores escuelas de magia europeas, para cada una de las cuales un alumno intenta ganar la Copa. Por Inglaterra tenemos a Cedric Diggory, por Francia a la seductora Fleur DelaCour y por Bulgaria al cabestril Víctor Krum. Por alguna extraña razón, el Cáliz de Fuego, que selecciona a los campeones, escupe también el nombre de Harry Potter (momento deus ex machina de la película), que no debería poder participar por edad, pero lo que dice la copita es sagrado, y todo se arregla para que el Torneo de los Tres Magos tenga cuatro competidores. Alguna razón tiene que tener quien haya metido su nombre en la copa. Todo este rollo es sólo la premisa, el comienzo de los acontecimientos. Podría spoilearos la película entera, que sabéis los que me conocéis que soy muy de contar historias, pero por si lo parecía no lo estaba haciendo. Además de todo esto tenemos un nuevo frente argumental abierto: están todos cachondos como monos, y el ir y venir de rolletes, rumores y frustración sexual (sobre todo esto último) culminará en el Baile de Navidad, todo muy a lo Al Salir de Clase.

Casi todos los aspectos de la película van hacia delante, un paso más en esta carrera hacia el séptimo y último capítulo, sin prisa pero sin pausa. Los personajes principales se adentran en los pantanosos terrenos de la adolescencia, perfecto para captar espectadores del sector y volvernos nostálgicos a los demás…o eso o es que soy muy tardío yo. Está bastante bien reflejado quién pretende a quién, dónde hay amor, dónde hay deseo (todo muy casto, que seguimos hablando de un blockbuster mundial) y dónde verdadera amistad. No en vano dirige Mike Newell, que nos regalase hace años Cuatro bodas y un funeral, una debilidad personal. Sin embargo hay partes en las que este tema desparrama un poco y quita minutos de metraje a otros por los que se pasa de puntillas. Sobre todo me decepcionó (como a tantos fans) la decisión de colar un grupo de música de modernillos al final del baile, uno de los detalles que hacen que esta película rompa (supongo que no intencionadamente) con el espíritu de los textos de la Rowling, que tan bien tradujeron a fotogramas Columbus y Cuarón. La del mexicano sigue siendo mi entrega favorita, pero esta última ya ha superado a La Piedra Filosofal y La Cámara Secreta, más introductorias y, como debía ser, infantiles. Porque según crecen Harry, Ron y Hermione, va creciendo la historia, la complejidad y los problemas. Ahora ya no sólo se enfrentan a Voldemort, cada vez más dañino por cierto. Ahora también se enfrentan a sus propios trastornos hormonales…y eso, que sí que lo hemos vivido todos, es una putada.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XIX)

2005-11-25T18:13:00.000+01:00

Isaac Davis: ¿Por qué merece la pena vivir la vida? Es una muy buena pregunta. Um...la verdad es que hay ciertas cosas que la hacen merecerlo. Como, bueno...para mí...diría que, Groucho Marx, por nombrar una cosa...uh...Willy Mays, y... el segundo movimiento de la Sinfonía de Júpiter, y Louis Armstrong, su grabación de Potato Head Blues...hmmm...las películas suecas, naturalmente... La Educación Sentimental, de Flaubert...Marlon Brando, Frank Sinatra...esas increíbles manzanas y peras de Cèzanne, esto...los cangrejos del Sam Wo...uh...la cara de Tracy...

Manhattan (1979)
Escrita y dirigida por Woody Allen

BOLA DE PARTIDO

2005-11-21T23:36:00.000+01:00

Si "decíamos ayer" que uno de los autores consolidados del cine norteamericano actual acababa de estrenar un título menor en su filmografía (aunque muy por encima de la media de calidad del cine usamericano que se nos ofrece habitualmente), hoy dedico post a otro creador de renombre: Woody Allen acaba de estrenar -cumpliendo su cita anual con sus seguidores- Match Point, la que es su mejor película en bastantes años y, si no una obra maestra, sí una genialidad que no va a dejar a nadie indiferente.

Cuando creía que la carrera del neoyorquino de setenta años ya sólo podía ir lenta e inexorablemente hacia abajo, si bien dejándonos películas divertidas (Granujas de medio pelo, Todo lo demás) o reflexiones curiosas pero pobres en matices (Melinda & Melinda), va él y cambia radicalmente - de todo: de ciudad, de género, de caras- y añade un título a esa colección de maravillas que todo deuvedeadicto debería tener e incluye Manhattan, Annie Hall, Hannah y sus hermanas, Balas sobre Broadway, Delitos y faltas y alguna más. Match Point es un thriller trágico que, si bien parte de una reflexión muy concreta sobre la vida no queda ahí, como lo hacía su anterior película. Esto sólo sirve de excusa para empezar a contar una historia que se mueve al ritmo de las acciones de sus personajes, sobre todo de su suerte. El peso de ésta en el desarrollo de sus vidas, la importancia del azar en algunas de las situaciones más trascendentales. Junto a este tema, el segundo más importante viene dado por Dostoievski (al que se hace referencia un par de veces) y su Crimen y Castigo: ¿Puede quedar impune un crimen horrible o las vueltas y revueltas de la vida se encargan de hacer pagar a quien lo ha cometido? Ahí queda eso, la respuesta en salas.
Desconozco las razones de Allen para trasladar el campamento de trabajo de Nueva York a Londres, pero la verdad es que la historia le va como anillo al dedo a la ciudad. Y sus personajes, casi todos de esa clase alta británica de lo más rancia, una versión actualizada de los ricachones conservadores de Gosford Park. Podrían violar y asesinar a treinta jovencitas junto a la mesa en la que esta gente toma el té y nadie haría ningún comentario sobre el tema hasta haber apurado su taza y sus pastas. Por eso no puedo dejar de alabar los dos papelones secundarios de la película: Brian Cox y Penelope Wilton, como el matrimonio de mediana edad Hewett, cabezas de una familia en la que es difícil entrar y catastrófico salir. Por supuesto que Jonathan Rhys-Meyers y Scarlett Johansson (tremendamente buena actriz, tremendamente buena ella) dan en el clavo, pero también es verdad que el material escrito por Woody es de primera...no se nota que casi no ensaya con sus actores, porque los dirige que da gusto. Si os suena mucho la cara de Tom, pero no sabéis situarla (como me pasó a mí) es que lo habéis visto tirándose a Verónica Sánchez, entre cabras y ovejas, en Al Sur de Granada. El chico se llama Matthew Goode, y su hermana está interpretada por Emily Mortimer. Con este film, además, el director vuelve a cuidar la estética, que cada vez dejaba más de lado, y se agradece mucho que no todo sea placer para las zonas más oscuras y retorcidas del cerebro: esta película está muy bien rodada, es bonita, con lo difícil que es eso. Mucho tendrá que ver el "abandono" a su equipo habitual y su trabajo con un equipo europeo, joven aunque sobradamente preparado.

No he contado casi nada de la historia, pero se va mucho mejor a verla totalmente virgen (entendedme, por favor): os gustará o no, pero no os dejará fríos. Y os hará pensar. Que se agradece que algún que otro director se acuerde de su público y lo haga partícipe de la obra dándole tarea. No todo está masticado. De hecho, en Match Point casi todo está/es bastante crudo.

¿HAY BODA DESPUÉS DE LA MUERTE?

2005-11-12T17:23:00.000+01:00

Cuando uno tiene directores de cabecera, no puede más que rendirles sentido homenaje cada vez que dan en el clavo, e ignorar que la han cagado cuando lo hacen, o por lo menos no darle mucha importancia. Si hace pocos meses le dedicaba un macropost a la última máquina de hacer dinero de Tim Burton, con forma de fábrica de dulces, no puedo dejar de comentar ahora su nueva "obra menor" una película pequeña en la mayoría de los sentidos y de autoría compartida, pero que a) está dando unas ganancias tremendas b) exprime la esencia Burton hasta la última gota y c) sabe ganarse a la crítica como demostraron los quince minutos de aplausos en el festival de Venecia. Me gusta el cine de Tim Burton, sí, pero sobre todo envidio de él su manera de venderse y caerle bien a todo el mundo yendo siempre tan despeinado.

Desde que en 1993 Burton resucitara para la Disney la técnica de animación stop-motion (abandonada por el cine comercial desde las pelis de dinosaurios y otras bestias de Don Chaffey) con Pesadilla antes de Navidad, un taquillazo en su momento y, tras un período de olvido una obra de culto, La Novia Cadáver estaba destinada a hacerse. Recordemos que uno de los primeros trabajos de Burton, el corto Vincent, ya utilizaba esta artesanía de muñecos hechos de una especie de plastilina, que se van moviendo poco a poco y fotografiando (en esta ocasión con gran ayuda de los ordenadores) para dar sensación de continuidad. De hecho, en un momento de La Novia, el párroco llama equivocadamente a Víctor, el protagonista, Vincent, en claro guiño a los comienzos del cineasta que ahora toca techo.

¿Por qué es esta cinta una obra menor? Por varias razones. Para empezar, y aunque no tenga mucho sentido, por el metraje. Cuando se utiliza esta técnica de animación, unos pocos segundos de obra útil tardan una semana en conseguirse, así que los guiones tienen una gran entropía, ahorrándonos felizmente las florituras -casi siempre sobrantes- que puedan aparecer en historias de animación tradicional o cine con actores de carne y hueso. En esta ocasión son 77 minutos, que se agradecerían en muchas pelis de dos horas. También porque más que una peli de Tim Burton es una peli de marca Burton. Si en Pesadilla declinó la dirección al maestro de la animación Henry Selick por no verse capacitado técnicamente, pero estuvo presente cada día de rodaje, escribió gran parte del guión y diseñó a los personajes, ahora las cosas han cambiado un poco. El guión lo firman (de encargo) John August, Pamela Pettler y Caroline Thompson, basándose remotamente en una leyenda popular del norte de Europa. Los muñecos (llamémoslos "personajes") los han creado varias empresas no americanas de animación, con la base de unos -toscos- dibujos de Burton. Entre los "diseñadores de personajes" uno de los más importantes es el catalán Carlos Grangel, que durante la preproducción le presentaba sus creaciones periódicamente al capo Tim.

Y, saltándonos varias fases, llegamos a la dirección, que ejecutó en grandísima parte Mike Johnson, mientras que Tim Burton dirigía, en el estudio de al lado, en Londres, Charlie y La Fábrica de Chocolate. Se pasaba al final del día por el set y visionaba las animaciones conseguidas, daba consejos, rectificaba. Pero dirigía Johnson. A veces también acudían, al acabar "el otro" rodaje, Johnny Depp y Helena Bonham Carter, que iban preparando las voces para los personajes de Victor Van Dort y La Novia Cadáver. La tercera en discordia, la inocente Victoria Everglot, recibió la voz de otra estrella inglesa, la gran Emily Watson. Dice Bonham Carter (pareja del director), en tono cómico, que "Mike hacía todo el trabajo y Tim mandaba mucho, pero no daba un palo al agua".

Sobre esta historia de un pobre hombre que por error se desposa con una mujer muerta el día antes de su verdadera boda (historia que continúa vendiéndonos la Burton trademark) decir que es una peliculita muy disfrutable en todos los sentidos, y una historia de lo más entrañable. Volvemos a ser testigos de una revolución de lo freak (en este caso los muertos se lo pasan mucho mejor que los vivos), y entramos de lleno, sobre todo en la primera mitad, en una atmósfera casi tan conseguida como la de Sleepy Hollow: en mi opinión una de las mejores y menos valoradas obras del director. A destacar los homenajes cinematográficos, que salen como setas en las pelis de animación actual, pero nunca tan conseguidos como el momento George A. Romero del regreso de los muertos al mundo de los vivos, con ese giro final tan inesperado. Una (altra) pega, pero de las que también se pasan por alto: la música incidental de Danny Elfman es tan genial como siempre, pero las canciones -como ya pasara en Charlie- son un poco como de saldo...como si las hubiesen desechado para otras películas mejores. Cuando se ponían a cantar, yo sólo podía acordarme del ¿Qué es? que cantase Jack Skellington hace doce años, amén de que en la versión doblada se entienden las letras entre poco y nada.

Pero esta animación artesana mola. Saber que esos muñecos son de verdad, que los escenarios, aunque en miniatura, existen en alguna parte del mundo, incluso los movimientos de los dedos de Víctor tocando el piano son hipnóticos. Y estas historias góticas y supuestamente oscuras una vez al año no hacen daño. Porque aunque el fondo y la forma no empasten muy bien -quizá sea esa la grandeza de estas pelis y no me dé yo cuenta- si ambas nos gustan por separado...por qué no lo van a hacer juntas. Dentro de nada vuelvo a los muñecos de plastilina para comentar la reciente -y tristemente desapercibidísima- Wallace y Gromit: La Maldición de las Verduras.

PUES SÍ, SOY

2005-11-10T01:13:00.000+01:00

Ay, tengo que volver a casa para poder postear, y lo peor es que lo hago. Con mis semanas de tres días de clase y la fiesta de la patrona madrileña tan bien colocada ella, regreso al dormitorio donde (mal)gasté mi infancia y adolescencia y después de solucionar cuatro cosas pendientes en Pucela, me dedico a volver a la vida bloguera. Lo primero que sepáis que juego con mi frágil salud (tengo una voz como la de la niña de El Exorcista en su doblaje original) por satisfacer el ansia provocada por mi ausencia de algunos fanes de los que no quiero perder el respeto. Antes de empezar a escribir -por seguir un orden lógico- os he leído a todos los que además de visitar sois auteurs, por lo menos a todos los que estáis a la derecha de esto, y que conste que algunos (bueno, Ann sobre todo) me lo habéis puesto difícil, tan prolíficos literariamente como Stephen King o Corín Tellado en sus mejores tiempos.

Me permito uno de esos posts sin tópico poco habituales por aquí porque no quería entrar así, a saco, sin saludar tras mi segunda ausencia larga en un período bastante corto. Además, ni se me ocurre por dónde empezar, porque una de las razones de mi absentismo ha sido la aparición de estrenos esperados en la cartelera (sobre todo en la madrileña) como setas de temporada, amén de esa overdose cinematográfica en que acabo convirtiendo siempre la Seminci. La razón real, la más básica, es que me han cortado internet en el piso de Madrid, y todo por no pagar una factura, de verdad que qué desconfianza hay hacia mi persona por parte de las compañías multinacionales, si acabaré pagando...pues eso, que las visitas al ciber son caras y rollo y en los ratos de ordenador en esa facultad mía tan bella o en casas de amigos pues no dan para ponerse aquí en serio. Que uno tiene mucha técnica y se considera así mismo el Sánchez-Dragó de la blogosfera: aburrido, pedante y nocturno-alevoso, pero con una minilegión de seguidores fieles. Cuánto me está saliendo hoy la vena de "cuánto os quiero, sin mis lectores no sería nadie". Aprovechad que esto no es muy habitual en mí.

Se me pasaba, y eso que toqué el tema Seminci ya: para los que no estuvistéis aquí para celebrarlo, la peli Papeles, con el que competíamos en La Noche del Corto Español, ganó susodicha sección. Por unos temas no pude estar en la gala de clausura (y sí en una microsala de cine supercaliente, menos mal que la peli lo mereció), pero ya me encargué de felicitar a la directora y celebrarlo con ella. Vimos el corto otra vez, y es que no hay nada como mirarse un poco el ombligo. Con un poco de suerte la prota del corto se nos pasa al star-system, que la he visto ochocientas veces esta semana en las marquesinas de Madrid con su peli A Golpes, si os fijáis es la de la derecha del todo.

Mañana (y no es un decir) empiezo en serio. y a ver si con un poco de fuerza de voluntad esta vez me mantengo en lo que viene siendo el posteo regular. Quiero recomendar -si no las habéis visto ya, porque lo mío ya huele- muchas pelis, y contaros muchas cosas. Que no todo el mundo tiene en su nevera, sujetada por imanes, una foto en la que besa a Natalie Portman (risas) (perdóname Vicky). Aquí, en cuatro. Digo, en Puñaladas.

¿QUÉ (NOS) COMEMOS HOY?

2005-10-21T12:41:00.000+02:00

Más de doscientas películas, incluyendo largos y cortos, se proyectan este año en el total de secciones de la Seminci, que queda (más vale tarde que nunca) oficialmente linkeada. En su página oficial podéis consultar todo el programa con fechas y horas, desde aquí simplemente voy a comentar los títulos que más me llaman la atención del festival, que da comienzo esta noche, ordenados por secciones:

La Sección Oficial es tan ecléctica como siempre y sigue apostando por el interculturalismo y la pluralidad. Esto, algún año y tristemente, ha ido en detrimento de la calidad de las cintas, pero esperemos que esta quincuagésima edición no sea así. Va a haber muchos ojos puestos en Valladolid estos días. Inaugura Costa-Gavras con Arcadia, de alto contenido social y protagonizada por el cada vez más cotizado José García, y le sigue mañana Ang Lee con Brokeback Mountain (En Terreno Vedado), una historia de amor imposible en la América profunda de los 50 entre Jake Gyllenhaal y Heath Ledger. A ver si Lee nos deja tan boquiabiertos como hace años con La Tormenta de Hielo. El cine argentino (gafapastismo del populacho) no podía faltar y hace acto de presencia con las coproducciones Elsa y Fred y Hermanas. Saura presenta en Europa su Iberia, fuera de concurso, y se presentan las dos óperas primas españolas Segundo Asalto y Vida y Color. Qué decir de Manderlay, esperada desde que Dogville inauguró hace dos años el festival. Cine asiático habrá, para no perder la costumbre, y el gran Michael Haneke presenta Cache (Escondido) y Français Ozon vuelve, ya que a este festival casi todos vuelven, con Le Temps qui Reste. De los cortometrajes, mejor hablamos después del festival.
En Punto de Encuentro, a parte de estar Eliazar con Papeles en La Noche del Corto Español, tenemos muchos cortos más. En el apartado de largos, el israelí Amos Gitai trae Free Zone (con Natalie Portman y Carmen Maura) y se estrena la esperada Kiss Kiss, Bang Bang. También habrá rarezas y "perlas de otros festivales", como Tatuado, Keller, El Color de las Palabras, La Vie avec mon Père, The Ice Harvest o Shangai Dreams.
Tiempo de Historia seguirá siendo una de las pocas plataformas del mundo para el lanzamiento de documentales de temática histórica. Otra sección de la conviene hablar a posteriori, no sin recomendar el ya multipremiado Cineastas en Acción, sobre el papel del cine en la historia social del Siglo XX. Y 50 Años de Cine, Cine, que me atrevería a decir de qué trata...
La sección Escuelas de Cine, que cada año muestra las prácticas de alumnos de ídems de todo el mundo, este año no se va tan lejos como habitualmente y se dedicará a la Escuela de Cinematografía de la Universidad de León, en Ponferrada, única en su especie por territorios castellanoleoneses.
Spanish Cinema es una programación orientada a la prensa extranjera para dar a conocer el mejor y más comercial cine español del año anterior, y con un poco de suerte lanzar alguna película patria en salas de otros países. Obaba, Crimen Ferpecto, Inconscientes, Tapas, Lobo, El Calentito, Frágiles o Semen: una Historia de Amor son algunas de las elegidas.
Y para acabar, una sección excepcional, de esas de una vez en la vida: 50 Años Amando el Cine. Como reza la propia Isabel Coixet en la presentación del Festival que ha preparado, es ya medio siglo el que lleva el festival proyectando películas, y, llegado el momento de mirar atrás, he de decir que seleccionadas con muy buen tino. Muchos de los títulos que se van a enseñar son ya míticos o de culto, cuando no forman parte de la historia del siglo pasado. Algunas, simplemente, fueron "reconfortantes escándalos" en su momento. Es la más cuantiosa en cuanto a largos y cortos, y muy seguramente, la que tenga la media de calidad más alta entre todas las secciones, por motivos evidentes. Sólo algunas de las joyitas: El Hijo de La Novia, Hierro-3, Jesucristo Superstar, El Imperio de los Sentidos, Fat City, Mi Nombre es Joe, La Naranja Mecánica, La Vía Láctea, El Dulce Porvenir, Hola, ¿Estás Sola?, Caro Diario, Charada, Los Ladrones, Los Cuatrocientos Golpes, Un Pez llamado Wanda, Azul, El Disputado Voto del Señor Cayo, Thelma & Louise, El Apartamento, El Proceso de Juana de Arco, La Estrategia del Caracol, La Estrategia de la Araña, El Crimen de Cuenca, Dancer In the Dark, Dies Irae, El Séptimo Sello, Una Historia Verdadera, Offret, Las Noches de Cabiria, El Verano de Kikujiro.

Pues eso, que los que estáis allí tenéis una obligación moral de ir a ver alguna de estas películas (este año hay para todos os gustos). Yo intentaré chutarme en vena el mayor número de títulos que me sea posible en los cuatro días escasos que esté allí. Para los demás, puede ser un buen momento para hacer una visitilla a Pucela. Si sigo vivo después de la sobredosis de proyecciones, este blog continuará su andadura al menos una temporadita más.

UNA ALTRA CITA

2005-10-20T19:17:00.000+02:00

Sí amigos, se acerca imparable el momento que ya os he anunciado alguna que otra vez. El corto Papeles, del que orgullosamente formé parte se estrena en la Seminci (uséase el Festival Internacional de Cine de mi pueblo, Valladolid). Será el la noche del miércoles al jueves que viene en La Noche del Corto Español -el festival empieza mañana, aunque no podré estar para ver la inauguración. De momento, y en primicia mundial, aquí tenéis el cartel del cortometraje, seguido de las fechas y horas de los pases, siempre acompañado de los cuatro cortos con los que compite.ESTRENO - Miércoles 26 de octubre a las 00.45. Teatro Calderón.

Viernes 28 a las 22.30. Cines Mantería.

Sábado 29 a las 12.30. Cines Mantería.

Lo importante es que vayáis a verlo, todos los que podáis (no en vano este premio lo concede el público, y que conste que no estoy aquí haciendo propaganda electoral), pero yo os espero en el estreno. Allí estaremos el equipo casi al completo emocionadísimos y os atenderemos y firmaremos los autógrafos que queráis, que la fama no se nos ha subido a la cabeza, así de campechanos y humildes somos. No obstante hebéis de saber que las entradas -más vale prevenir- salen a la venta el día anterior a cada pase, y se pueden comprar a razón de dos por cabeza. No sea que alguien se quede fuera, cosa bastante común en la Seminci. Avisados quedáis.

Mañana, si hay tiempo, una revisión a la programación, que acaba de salir. Hay unas cuantas cositas bastante tentadoras...una de vaqueros gays dirigida por Ang Lee o la continuación (al fin) de Dogville, el caso es que la semana promete. Permaneced en sintonía.

ANATOMÍA DE UNA BANDA SONORA

2005-10-17T19:56:00.000+02:00

Hay veces que una banda sonora se convierte en objeto de culto. Otras es una película. Menos veces sucede con las dos cosas. Para mí, este año se dieron las dos a la vez: Garden State. Ya he mencionado más de una vez la película en cuestión (y lo que te rondaré morena), pero es que esto me pasa con muy poquitos títulos. Objetivamente la cinta y su música pueden no ser para tirar cohetes -no es el caso-, pero es de esas pelis que pillas en el momento exacto de tu vida, te acompañan una temporada (tengo el dvd quemado ya) y siempre les tendrás un cariño especial. Si queréis conocer al autor/director/protagonista del milagro en cuestión, Zach Braff, aquí al ladito tenéis su blog. Centrándonos en el tema musical, voy a recomendaros de antemano que escuchéis la banda sonora y vamos a ir haciendo un repasito a todos los cortes. Como bien sabéis, lo mío no es la crítica musical, pero es un repaso las canciones a través de la película, o al revés. Lo cierto es que antes de verla no había escuchado casi ninguna de estas canciones, por lo que para mí ya siempre significarán unas secuencias determinadas. Recomiendo ávidamente ver la peli (si no lo habéis hecho ya, tunantes) y escuchar el disco después. A saber:

1-Don't Panic de Coldplay - una canción cortita pero de letra potente que presenta perfectamente el disco y la temática inicial de la peli.

2-Caring is creepy de The Shins - primera canción en el disco de este grupo bastante joven, con un rollo retro-nostálgico muy interesante. Al principio puede asustar, pero la segunda mitad es bastante mejor.

3-In the waiting line de Zero 7 - No hay producto cool en la tele (Six Feet Under, Las Chicas Gilmore) que no ponga una canción de este grupo en su banda sonora. Braff traspasa la moda al cine acertadamente y es que la canción -bastante chillout-psicodélico- es la que suena en la fiesta en la que todo el mundo se mete de todo.

4-New slang de The Shins - Segunda canción del conjunto y de las mejores del disco. Refleja casi perfectamente la ideología y sentimiento de la peli. En tres minutos hacemos un viaje por el Estado Jardín en moto con Natalie Portman de lo más reconfortante.

5-I just don't think I'll ever get over you de Colin Hay - momento tristón, voz rota, guitarra y cervezas en un bar el domingo por la tarde.

6-Blue eyes de Cary Brothers - este chico (otro cantautor) es una de las revelaciones (para un pez en el tema como yo) del disco. La de cosas que se le pueden decir a alguien invitándole a cantar una canción contigo...

7-Fair de Remy Zero - esta es de las que menos me gustan escuchando el disco, pero que mejor empastan con las imágenes en la película. Aunque ¿qué música no queda bien con Natalie Portman bailando? Vale. Se me ocurren un par.

8-One of these things first de Nick Drake - tontuna graciosilla que sufre un poco de lo mismo que la anterior.

9-Lebanese blonde de Thievery corporation - Rollo "músicas-del-mundo-pero-que-suenan-moderno" bastante trillado ya. Los mejores momentos de la canción, en los que una señorita canta, bastante bien por cierto.

10-The only living boy in New York de Simon & Garfunkel - creo que la única grabación antigua del disco. Qué decir de los que pusieron música a El Graduado, algo así como el Garden State de la generación de mis padres. Muy buena.

11-Such great heights de Iron & Wine - versión acústica e hiperralentizada de mi tema favorito de Postal Service, que le va como anillo al dedo a la única escena de cama de la peli.

12-Let go de Frou Frou - La que suena cuando todo acaba. La cantante bate su récord de gorgoritos por segundo y le queda una canción a ratos rápida a ratos romántica muy bonita...

13-Winding Road de Bonnie Somerville - Una balada dulzona que nadie escuchó en el cine porque iba al final de los créditos, pero que no está nada mal. Como curiosidad, la intérprete es actriz, y fue Mona, la novia de Ross, en unos cuantos episodios de Friends.

Trece canciones, trece, que no puedo parar de escuchar. Una película que me tiene enganchado -y enamorado. ¿Os ha pasado esto alguna vez? Si conocéis las canciones (bien sea por la peli o por vuestros vastos conocimientos musicales) no dudéis en comentarme qué os parecen. Decía la publi del disco que era música "para cualquier estado en el que te encuentres". Uno de esos chistes que pierden toda la gracia al traducirlos.

INVITACIÓN

2005-10-12T14:32:00.000+02:00

Para qué recurrir al email pudiendo ponerlo por aquí...pues eso, primera -y breve- entrada desde Madrid para invitar a todo el que quiera pasarse el domingo a las seis por el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes a ver Baratometrajes, este documental sobre pelis hechas con cuatro duros. Supongo que la cadena que me ha llegado (espero encotrar sitio allí) se origina en Hugo Serra, uno de los dires del corto (23 minutos) y artífices de la compañía Feng Shui Films. Como os imagináis, por lo interesante del tema para mí, allí estaré con compañeros de piso y demás familia de aspirantes a cineastas malditos/fracasados. Ya os contaré mas cosillas, nos vemos. Y gracias a Eli por el reenvío.

EL MÉTODO PIÑEYRO

2005-10-06T16:46:00.000+02:00

Qué fácil es –como rezaba el título de aquella película- que algo se pierda en la traducción. Es difícil decir lo mismo en dos lenguas diferentes, y lo mismo pasa con los lenguajes. El Método, la última película del argentino Marcelo Piñeyro, es una lección magistral, sobre todo, de traducción. Porque la pieza teatral de Jordi Galcerán no ha perdido un ápice de su discruso original con la traslación al celuloide, además de haber ganado en virtudes. La sencillez de la escenografía original (qué mejor que una representación se lleve a cabo en una sola habitación) se ha transformado en una herramienta para aumentar lo claustrofóbico del relato y evitarse florituras narrativas demasiado típicas en el cine. Sigue siendo un duelo de actores, pero a sus interpretaciones se añade ahora un juego de gestos y miradas imposible de apreciar en escena. La acidez cómica del original se reorienta hacia terrenos más dramáticos, de thriller psicológico en muchas ocasiones, pero manteniendo todos los matices de la feroz crítica que se realiza al capitalismo actual, a su competitividad antropófaga.Siete altos ejecutivos aspirantes al mismo puesto de trabajo se encuentran en la misma sala de un edificio de oficinas de una importante empresa en Madrid. Una risueña pero inflexible secretaria, única representante de la empresa en el lugar, les recibe y entrega el enésimo formulario a rellenar. Se les informa de que están a punto de someterse al Método Gronhölm, del que sólo saben que elegirá al más apto y eliminará a los demás. Al principio sólo hay dudas y comentarios jocosos, pero el buenrrollismo dura lo que tarda en actuar El Método. En una eliminación progresiva que recuerda a algunos realities de televisión, uno a uno van siendo eliminados. Que nadie se llame a engaño: no están ahí para trabajar en grupo, si no para competir. Si hay que pasar por encima –o arrancar- las cabezas de los demás, están dispuestos a hacerlo. Fuera, muchos metros por debajo, miles de personas se manifiestan contra la globalización y el capital. Pero nuestros aspirantes no están capacitados ni dispuestos a escuchar el nombre de aquello que poco a poco, está acabando con ellos.Los ocho actores –no voy a repetir sus nombres aquí- demuestran que, a parte de ser famosos, tienen un buen hacer salvaje. Son al arte dramático lo que sus personajes a las empresas multinacionales: lo mejor de lo mejor, cada uno con su especialidad. Piñeyro (Tango Feroz, Plata Quemada) cambia de tercio, como siempre. Y acierta… como siempre. El guión de Mateo Gil (Mar Adentro) y el director es el paso definitivo en la transformación de El Método Grönholm en El Método (problemas legales de coincidencia en cartelera obra/película) a secas. Para adaptarse por completo a los nuevos parámetros narrativos de los que antes hablaba, la historia –sobre todo de la mitad hacia el final, progresivamente- ha cambiado. Y encaja como un engranaje de relojería, además de proporcionar una experiencia totalmente nueva a los que habíamos visto la obra. Quizá la única pega que le pongo es el complaciente plano final, pero también es verdad que los espectadores necesitamos un minuto de respiro antes de salir del cine y empezar a reflexionar. Porque en esta película se piensa, durante y después, cosa que cada vez se puede decir de menos producciones. Si todo lo anterior fuera poco, es un soplo de aire fresco. En este tiempo de Seguras, Leones y Rodrígueces en el que los directores hacen una y otra vez la misma película, es una gozada encontrarse un producto original, diferente, y que no lo es por el puro placer de serlo.

CHICO MALO

2005-09-30T16:23:00.000+02:00

En lo que parece la lenta y progresiva transformación de este blog en un fotolog (no, no caerá esa breva) no puedo dejar de comentar, como buen fan, las nuevas imágenes promocionales de la cuarta entrega cinematográfica de Harry Potter, El Cáliz de Fuego. Hablé a principios de año del ardoroso deseo que me inundaba por verla, y las cosas no han hecho más que ir a peor.

Pero el momento cada vez está mas cerca, y gracias a Las Horas Perdidas y Filmdeculte he encontrado esta imagen promocional francesa (el resto en las páginas de origen) y estoy en condiciones de afirmar:

1-Que por fin la Warner ha dado una fecha exacta para el estreno en España (los gabachos tendrán que esperar un poco): el 25 de Noviembre. Tampoco sorprende mucho, porque es el momento ideal para que se convierta en el taquillazo de estas navidades, este año en ausencia de anillos o catastróficas desdichas.

2-Que la dirección artística y el vestuario (visto en los tráilers) dan una nueva vuelta de tuerca tras los cambios en la entrega de cuarón. Esto ya se puede apreciar en esta foto de grupo, en la que Harry nos perdona la vida y Hermione parece que se ha escapado de un anuncio de H&M de los de marquesina de autobús. Cada vez son más mayores, sí, y parece que, Mike Newell mediante, cada vez van a ser más malotes. Si la cosa sigue así, las últimas entregas de la saga van a obtener calificación S...

3-Que los tres nuevos, de izquierda a derecha, son Ceddric Diggory, Víktor Krum y Fleur DelaCour. La peli será la más épica de las seis primeras (una vez leído El Príncipe Mestizo) sin ninguna duda. Un verdadero tour de force que comienza en los mundiales de Quiddich (atención a los estadios, impresionantes) y culmina con una suerte de olimpiadas juveniles en el colegio. Y con alguien que la palma...hagan sus apuestas.

Pues lo dicho, que comienza la cuenta atrás: dos meses. Seguiremos informando.

ALONSO, QUE TE DEN

2005-09-29T01:55:00.000+02:00

El domingo pasaron muchas cosas muy interesantes; algunas de ellas esperadísimas. Nada que ver con el campeonato del mundo de Fórmula 1... La de noches que nos esperan este año en Madrid con la segunda temporada de nuestro culebrón favorito. Viva Marc Cherry, vivan estas cinco jamelgas y viva el eMule.

...85, 86...Y 87

2005-09-28T14:26:00.000+02:00

Cuando Lourdes, una joven estudiante de cine, conducía hacia allí, ni se imaginaba que un viaje cuyas pretensiones no eran más (ni menos) que capturar el espíritu de un lugar y retratar las historias de su gente le iba a cambiar la vida. Perdido entre las montañas navarras está Obaba, un paraje que imaginó Bernardo Atxaga hace dieciséis años en su novela Obabakoak. Ahora le llega el turno a Montxo Armendáriz con su libre adaptación cinematográfica, en la que, aparte de la historia central de iniciación -con reflexión sobre la creación cinematográfica incluida-, nos habla de la locura, la envidia, el sexo, el amor, la inadaptación, la muerte... en definitiva, de lo que han hablado siempre los libros y las pelis, de la vida.
-¿Es ésta la carretera de Obaba?
-Sí.
¿Cuánto falta para llegar?
-Ochenta y siete curvas.

Con esta conversación nos introduce Armendáriz en el ambiente mágico de la película, y de paso nos da una pista sobre cuál será la primera historia que Lourdes va a reconstruir: hace años, el pueblo tuvo una maestra que lo contaba todo. Los pasos, los escalones, los minutos que habían pasado desde que perdió a su gran amor. Pero esta neurosis, como casi todas las veces, no era más que el refejo de una carencia. La maestra estaba perdiendo, con el tiempo, la capacidad de amar. Hasta que empieza a hacer buenas migas con su apuesto alumno Manuel. En una película coral de verdad, en la que los actores compensan sus fuerzas a la perfección, vamos reconstruyendo una foto de grupo de la escuela que se hizo hace muchos años, con las carencias, novedades y cambios con que el tiempo nunca deja de sorprendernos. Tengo que decir (por primera vez en mi vida) que Pilar López de Ayala está para quitarse el sombrero, apoyada por un equipo de hachas, y que el descubrimiento de la peli es Bárbara Lennie (Lourdes), un auténtico clon de la Mamen Mendizábal de 59 Segundos.
Lo más pretendido (y muy conseguido por momentos) es la atmósfera, esencia de lo que es Obaba y de cómo puede llegar a influir en las personas. El paisaje, el clima, las miradas. Incluso esos lagartos-metáfora que se te pueden meter en la cabeza y dejarte tonto. Javier Aguirresarobe es una presencia providencial para la película que ilumina con distintos matices cada narración y consigue ese halo misterioso. Un pasito más (si bien ésta no es su mejor película, quizá sea una de las más personales) en una de las carreras más coherentes del cine español, la del señor Armendáriz.
Obaba no es un lugar. Es un deseo, un estado de ánimo. Es un misterio que no se puede resolver. Encontrar tu lugar en el mundo, estar bien contigo mismo. Una vez que estás a gusto contigo, cualquier sitio puede ser un hogar.

¡SÍ!

2005-09-26T22:50:00.000+02:00

Comienza (tras una ausencia bloguera prolongada y un fugaz viaje a Madrid por motivos complutenses) una nueva temporada de Puñaladas en 35 mm. Y no lo puede hacer mejor. Aparte de por una feliz conjunción de alegrías personales de distinto calibre -ni rastro ya de la minicrisis post-teenage- por la gran noticia que tengo que comunicaros, ya a nivel oficial, en el primer post de un tema que será recurrente por aquí de ahora a noviembre, cuando finalice la 50 Semana Internacional de Cine de Valladolid (21-29 de octubre).
Pues al tema: como algunos ya sabréis, el cortometraje de Eliazar Papeles (en el que hice las labores de jefe de producción y que se rodó en enero de este año), ha sido seleccionado a concurso por la Seminci, en el apartado La Noche del Corto Español. Será (como dicen las reglas) el estreno del corto, y qué mejor lugar y evento que éste para el estreno del primer corto en cine de una directora vallisoletana, rodado aquí íntegramente y con gran parte del equipo pucelano de pura cepa. La sección en la que competimos selecciona cada año cinco cortometrajes que se proyectan en una sola sesión (de la que se dan tres pases). Al final de cada uno el público vota al mejor cortometraje y el último día del festival se conoce el ganador junto con el resto del palmarés.
La noticia se hizo oficial la semana pasada en una nota de prensa en la que, entre otras cosas, conocimos las cuatro películas a las que nos enfrentábamos. A saber:
Con mostaza sabe mejor, de Álvaro de la Herrán
El amor a las cuatro de la tarde, de Sebastián Alfie
Manola coge el autobús, de Gabriella y Sally Gutiérrez
O tempo dos bullós, de Chus Domínguez
De momento poco más que decir... De los demás datos de la Seminci que se han dado, los más remarcables son que inaugura Constantin Costa-Gavras (el director griego a cargo de maravillas como Missing o la reciente Amen) con Arcadia, y que Carlos Saura presenta fuera de concurso Iberia, otro de sus experimentos música/danza/cine. Además, es la quincuagésima edición y se proyectará una selección de largos remarcables de anteriores ediciones, todo ello precedido del cachondísimo spot-presentación que se ha currado Isabel Coixet. Preparad las gafas de pasta, que en menos de un mes tenemos una cita con Valladolid y su festival sin fiesta pero con mucho y muy bien cine. Al que todos quedáis convocados (e invitados hasta completar aforo).
Y mucha suerte a Eli y Papeles.

APUNTES DE SEPTIEMBRE

2005-09-06T23:28:00.000+02:00

Agosto se fue como vino y yo cada vez soy más consciente de que se acabaron mis años teen. Los 20 no son para mí, y a veces pienso que a quién haría mal que un día no me levantase de la cama y me quedase viendo, por la ventana, los días grises de la gris Valladolid para siempre. Pero tengo un compromiso con Madrid, con la gente con la que allí he formado una especie de familia, con mi familia de verdad, que me guarda el sitio aquí, y con los amigos de siempre, aunque cada vez la vida nos lleve por caminos más distantes. Una de las pocas cosas que sigue igual que siempre es el cine, con el que creo que también me estoy comprometiendo -cada vez más-, así que para qué cambiar el tema principal de este blog que cada vez me cuesta más rellenar. Por cierto, no hagáis caso a todo lo anterior, que un día malo lo tiene cualquiera.

Acabo de ver Princesas, y he tenido varios dejà vu: digamos que estas putas tienen los mismos sueños de salir de la miseria que los parados de Los Lunes al Sol (y la misma forma de hablar), y creo que se les van a cumplir tan poco como a los jovencitos arrabaleros de Barrio. No es que Mr. León tenga muy definido un estilo, o que se decante siempre por una temática muy concreta; es que siempre hace la misma película. No estoy diciendo que me parezca mala, pero sí ya vista. Se que hay millones de personas en este país (y en el mundo) con problemas como los de los personajes de León, pero el cine no es la vida, y la redundancia no da más sensación de realismo ni convence más. Candela Peña está estupenda, sí (como el resto del reparto, en el que se revela Micaela Nevárez), pero no nos tiene acostumbrados a menos.

Se estrenó el viernes la película italiana Buenos días, noche, de la que sé muy poco (algo relacionado con el secuestro y asesinato de Aldo Moro), pero que ardo en deseos de ver porque está protagonizada por dos de los intérpretes de La Mejor Juventud. Ya os he dado suficiente paliza con aquel culebrón que me enamoró, entre otras cosas por que me descubrió a un puñado de actores de lo más competente. En esta ocasión son Maya Sansa y Luigi LoCascio. Ya os contaré cuando la vea, como espero hacer con La noche del hermano, Extrañas coincidencias (pese a las advertencias) o La tierra de los muertos vivientes. Y dicen que mezclar es malísimo, a mí me encanta.

El otro día pillé de madrugada en la tele Terciopelo azul, de Lynch, y como era la última que me faltaba por ver de psicótico mayor de Hollywood me quedé enganchado. Queda altísimamente recomendada, en la línea que seguirían Carretera perdida y Mulholland Drive, pero con un comedimiento que permite que el efecto onírico-delirante de éstas entre mucho mejor por el gaznate. Se ve como un thriller cualquiera (al menos la primera mitad), pero te lleva hasta estados que sólo una oreja entre el césped, Dennis Hopper o la confrontación Isabella Rossellini/Laura Dern pueden conseguir. Por cierto, qué risa en la escena de las dos chicas en casa de la última, con Kyle MacLachlan de por medio.

Para acabar, algo que los más fans ya sabréis: la segunda temporada de Mujeres desesperadas comienza en la ABC el 25 de este mes. Con un capítulo titulado "Siguiente", la temporada empieza donde la anterior acabó. Si eres de los que prefieres ver el capítulo sin saber nada, deja de leer. --Bree identificará el cuerpo de Rex en la morgue, para poco después tener una gran discusión con la madre de él sobre el funeral. Gabrielle está en el hospital con un brazo roto, por lo que John acabará en la cárcel, sólo a unas celdas de distancia de Carlos. Lynette, tras varias entrevistas, consigue trabajo en una agencia de publicidad. Y Susan y Mike descubrirán el destino que Zach pretende darles...es posible que el de Rex no sea el único funeral del capítulo. Conociendo la serie, seguro que ésto solo son los cinco primeros minutos--.

De momento nada más, no se cuando nos volveremos a ver pero espero que sea pronto, de momento el ocio y el negocio me tienen bastante ocupado, pero siempre hay tiempo para ver una peliculilla. Espero que penséis igual, y espero también que pase pronto la crisis de los 20.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XVIII)

2005-08-30T15:13:00.000+02:00

Matteo: Gigi se quedará paralizado. Tú le conoces, de la inundación de Florencia, ¿te acuerdas?
(pausa)
Ya, en uniforme somos todos iguales.
Nicola: ¿Era amigo tuyo?
Matteo: Todos los de mi sección son amigos míos.
Giulia: Mal hecho.
Matteo: ¿De veras? ¿porqué?
Giulia: Porque estáis en el bando equivocado.
Matteo: ¿Y cuál sería el bando correcto? ¿el de los pobres?
Giulia: Sí, exacto.
Matteo: ...Luigi sabe mejor que vosotros lo que es estar en el bando de los pobres. Él es pobre. Pero el que le pegó no lo era. ¿Tú eres pobre?
Giulia: ¿Qué estás insinuando? yo no aporreo a la gente.
Matteo: No aporreas a la gente, pero estamos aquí comiendo una tarta mientras él se pasará la vida postrado en una silla de ruedas.

La mejor juventud (2003)

Escrita por Sandro Petraglia y Stefano Rulli

- Dirigida por Marco Tullio Giordana

EL CASO ES VOLVER

2005-08-23T17:32:00.000+02:00

Breves palabras para presentar unas imágenes que descubrí hace muy poco, y que me han alegrado este último tramo del verano, cuando parece que septiembre esta aquí pero no acaba de llegar...como el equivalente al domingo en un fin de semana. Regresa (por no caer en redundancias) a la acción uno de mis cineastas favoritos, y lo hará con una película que -a la vista está- tiene muy buena pinta. Volver se estrena en 2006, aún ni idea de cuando estará lista, y tened por seguro que si hay preestreno en mi facultad (recordemos La Mala Educación) me volveré a meter en la marea de gente y a propinar algún que otro codazo "accidental" para ser de los primeros en verla -y contároslo. Vamos a las fotos, todas realizadas por el propio Pedro Almodóvar: Pepi (digo, Carmen Maura) interpreta a una difunta que "vuelve". De la otra vida, se entiende, para ayudar a su hermana en los últimos momentos de su vida. Todo en un ambiente rural machego que, como poco, será tan genial como el pueblo de la madre de Amanda Gris.
Blanca Portillo será una vecina del pueblo, que junto con el resto de personajes (y los verdaderos habitantes de las localizaciones, como Almagro) nos guiará en un viaje por la "cultura de la muerte" (como Almodóvar la llama) de ésa, su tierra. Un carácter solitario que es posible que convenza a los pocos que todavía no se creen que la ex-7 Vidas es una actriz como la copa de un pino.
Las hijas de la protagonista (Maura) también van a jugar un papel importante en la historia. A una (Lola Dueñas) se le aparece su madre para ofrecerle una importante ayuda, y acabará siendo su salvación y el remedio a su soledad. La otra (Pe) es una joven madre soltera de la que sólo sé que "tendrá que ofrecer un auténtico recital", ya que por lo visto es uno de sus personajes más complejos. Su hija adolescente, Yohana Cobo, también jugará un papel importante en la peli. La hermana de Carmen Maura, Chus, estará interpretada por la indescriptible Chus Lampreave. Toda la pinta de uno de esos secundarios almodovarianos que se comen con patatas las escenas en las que aparecen. Con su imagen basta.
Y para que no todo sean pruebas de vestuario o ensayos, os pongo esta imagen que parece ser de una de las primeras secuencias rodadas. Un velatorio (supongo que el de Chus) en el que destacan la Portillo y la Dueñas. Arriba tenéis el link a la página oficial de ClubCultura (me la estoy jugando con el copyright, amigos) sobre la película, donde podéis ver el resto de las imágenes y leer un blog sobre el rodaje del propio Pedro.
Almodóvar vuelve a la carga. Vuelve a trabajar con Carmen Maura, Chus Lampreave y Penélope Cruz. Vuelve al universo femenino en el que tantas emociones nos ha regalado. Vuelve a su tierra...El caso es que vuelve.

EL CHOCOLATE QUE MÁS ME PONE (2 de 2)

2005-08-16T16:47:00.000+02:00

Desde que vi el primer tráiler -hace ya muchos meses- de esta nueva versión para la pantalla de Charlie y La Fábrica de Chocolate le tenía yo ganas. Lo malo de la promoción de esta película es que según iban apareciendo imágenes nuevas, la cosa se hacía menos sugerente. Con lo que molaron el primer póster (arriba) o el primer teaser (en el que había poco más que chimeneas, chocolate y musiquita), los tráilers largos y los horripilantes carteles españoles de la película me hicieron pensar, aunque sin perder la esperanza, que Burton podía haber vuelto a hacer alguna cagada como la de El Planeta de los Simios hace cinco años.
Una vez vista la película, debo decir que ha merecido la espera, y que (casi) todo lo bueno de la novela y la peli de Mel Stuart están aquí. Las peores críticas que está recibiendo la película -por empezar por lo más espinoso- es que Johnny Depp es cargante, espeso y excéntrico por que sí. Error: Willy Wonka es todas estas cosas y alguna más ("¿quieres vocalizar? no te entiendo") y la interpretación de Depp, exceptuando la dentadura, está perfectamente a la altura de las circunstancias. Vale, admito que el problema de algunos críticos es que todos esos adjetivos se los cuelgan a Depp como actor...pero si has visto Piratas del Caribe o Miedo y Asco en Las Vegas y te ha dado esa impresión, puedes ahorrarte el mal trago de ver La Fábrica de Chocolate. El resto de los actores están muy bien elegidos, Freddie Highmore demuestra su buen hacer por segunda vez y descubro (un poco tarde) a David Kelly, que interpreta al hipervitaminado Abuelo Joe. De la ristra de secundarios me quedo con Jordan Fry (el odioso Mike Teavee), Deep Roy (que interpreta a los tropecientosmil Oompa-Loompas, lo que incluye escenas de natación sincronizada) y con, cómo no, Cristopher Lee (¿existen blockbusters en los que no salga este señor?)

He aquí una de las películas menos decepcionantes del verano: será que originalmente iba a estrenarse en navidad de 2004, pero unos problemas con el chocolate líquido y un objetivo muy caro (la historia completa aquí) retrasaron la producción. Puede parecer que Burton se ha alejado de su estilo de siempre, porque no hay tumbas ni esqueletos, pero sus obsesiones personales siguen aquí: la misteriosa fábrica presidiendo el pueblo como el castillo de Eduardo Manostijeras; los extravagantes inventos, a lo Jack Skellington; o los pequeños hombrecillos como en Mars Attacks!.
Burton es consciente de que una de las mejores cosas de las pelis que dirige es la música que le compone Danny Elfman. Cada vez más, porque en este caso le saca provecho máximo, con unos números musicales divertidísimos y una secuencia de títulos que deja ojos y oídos alucinando pepinillos. Como en el relato original, la mejor parte de la peli es la primera mitad, hasta que llegamos a la fábrica y todo se vuelve bastante obvio y reiterativo; se salva gracias a las ya citadas canciones y a unos escenarios de lo más imaginativo, como la genial "Sala de Selección de Nueces". La parte posterior a la salida de la fábrica sobra sin más, son unos quince minutos que alargan el momento de salir del cine y "cursifican" bastante lo obtenido hasta entonces. Pero el conjunto da una película de esas en las que se lo pasan bien (de verdad) los niños y los mayores.

Por si fuera poco, antes de la peli hay un tráiler de...¡La Novia cadáver! Aunque con música de Pesadilla antes de Navidad en la promoción, esta peli promete. Parece que va a ser un buen año para todos los fieles de Burton.

EL CHOCOLATE QUE MÁS ME PONE (1 de 2)

2005-08-14T18:24:00.000+02:00

"Las golosinas no tienen sentido, por eso son golosinas", dice Charlie Bucket mientras monta en el ascensor de cristal, en una de las escenas cumbre de Charlie y la Fábrica de Chocolate. Es ésta toda una declaración de principios por parte del autor de la historia -Roald Dahl-, que los guionistas de sendas adaptaciones cinematográficas han querido mantener en sus películas, por la cuenta que les trae. El viernes se estrenaba en España la segunda de estas adaptaciones, dirigida por Tim Burton y escrita por su nuevo colaborador John August. Huelga decir que el protagonista es Johnny Depp, porque ya todos le habréis visto en vuestra tele, ordenador o marquesina de autobús más cercana. A Charlie lo interpreta Freedie Highmore, al que vimos hace poquito junto a Depp en Descubriendo Nunca Jamás; qué buen padrino se ha buscado el chaval.

En 1964 se publicaba la primera edición de la novela. Roald Dahl daba vida a un nuevo héroe infantil, a la altura de Matilda o James Trotter, también de su creación. Charlie es un niño muy pobre que desea más que nada en el mundo poder entrar en la misteriosa fábrica de chocolate Wonka, cerrada a cal y canto desde hace diez años. Un buen día se conoce la noticia de que Willy Wonka ha colocado cinco billetes dorados en cinco tabletas de chocolate distribuidas por todo el mundo, que permitirán a sus afortunados descubridores entrar por un día a la fábrica guiados por el excéntrico chocolatero, y le reportará un inimaginablemente fabuloso premio a uno de ellos. Una historia sobre las relaciones entre padres (o abuelos) e hijos, con mucha mala leche hacia los niños malcriados, representados en los cuatro acompañantes de Charlie en su viaje por la fábrica.
La primera adaptación cinematográfica -dirigida por Mel Stuart- se convirtió en un título de culto al poco tiempo de su estreno, en 1971. Su público se dividía entre acérrimos fans y gente que quemaría a Willy Wonka en la plaza del pueblo. No fue así en España, donde nunca ha sido un film muy popular. Puede que una de las razones fue el cambio de título: de Willy Wonka and the Chocolate Factory al nada sugerente Un Mundo de Fantasía. Para muchos es ésta la mejor de las dos pelis, y la verdad es que la parte de los billetes dorados es desternillante, y Gene Wilder hace un Willy Wonka estupendo. Además, son 95 minutos de esta versión vs. 115 de la peli de Burton, que a veces da la impresión (sobre todo hacia el final) de que tratan de estirar como si del chicle de Violet Beauregarde se tratara. Pero hay un desaliño en la realización, y una ingenuidad y falta de acidez que convierte a la peli antigua en algo más blandita de lo que era el libro. Y esos números musicales... los de los Oompa-Loompas son ya míticos, pero el resto tienen más azúcar que todas las tabletas Wonka juntas.

Lo que no se puede negar es que la peli de Tim Burton (de la que hablaremos largo y tendido mañana) debe tanto al libro original como a esta cinta, todo un prodigio de dirección artística y efectos especiales. Y de Gene Wilder, aunque esto no hace falta decirlo.

FOTOS DE FAMILIA

2005-08-11T23:53:00.000+02:00

A falta de películas comentables en el cine (no os preocupéis: mañana acaba la sequía con Charlie y La Fábrica de Chocolate, I Heart Huckabees, Ninette y Sin City) aprovecho las horas muertas veraniegas para ponerme al día, revisar o descubrir series, trabajo que facilitan mucho el DVD y los canales de entretenimiento de Digital +. Voy a hacer un repaso con mis favoritos del panorama actual (o casi-actual), series muy distintas entre sí, algunas de reciente llegada y otras con una trayectoria admirable. Lo único común a todas es el país de procedencia. Bueno, y los escrupulosos 43 minutos y medio que dura cada capítulo.

Tan muertos como yo es un producto para adolescentes protagonizado por una joven de 18 años que en el primer capítulo muere tras el impacto de la tapa del váter de una estación espacial en la cabeza. Nos descubrirá los secretos de la vida después de la vida: no todo es tan bonito como lo pintan. Muchos difuntos se convierten en funcionarios de la propia muerte durante miles de años, y encima no les pagan por ello, por lo que casi todos están pluriempleados. En una trama paralela seguiremos la descomposición de la ya de por sí disfuncional familia de Georgia tras su muerte, aderezada con visitas fantasmales de la primogénita. La factura técnica de esta serie es impresionante, y -algo que me encanta- la ciudad de Seattle es una protagonista más, con esos exteriores grises y lluviosos. Nada que ver con el decorado de fondo de Frasier. Pena que sólo durase una temporada.

Six Feet Under (A Dos Metros Bajo Tierra) podría ser la versión para mayores de la anterior serie. Pero no lo es. Muy en el estilo -cada vez más sobado- de American Beauty (de hecho el creador y guionista principal es Alan Ball) nos cuenta la vida de los miembros de la familia Fisher, regentes de una funeraria en Los Ángeles. Mientras presenciamos sus aventuras con las drogas, el sexo, la floricultura, la vida y la muerte, cada capítulo nos deleita con una escena inicial, que marca los derroteros del mismo, en la que presenciamos cómo alguien muere de la más sorprendente de las formas. Unos personajes de diez (sobre todo la madre y el angustiado Nate) para unas historias que comenzaron con un tono semiligero para convertirse (van a cumplir su quinto año de emisión ya) en trascendentales a más no poder, pero sin olvidarse del nombre de la industria que las creó: el entertainment.

Las Chicas Gilmore son cursis hasta decir basta, ellas y la serie que lleva su nombre. Me encanta. En estos tiempos de mil tramas, muertes, intrigas y embarazos no deseados en cada episodio, Lauren Graham y la (suprema) Alexis Bledel son Lorelai y Lorelai Gilmore, una madre y una hija que bien se podrían tomar por hermanas o mejores amigas. Adictas a la cafeína -posiblemente por lo poco excitante de sus vidas- habitan el pueblo de cartón piedra Stars Hollow, de esos en los que los habitantes se reúnen en asamblea para votar si pintan o no el banco del parque. Lo mejor de la serie son los pintorescos secundarios: la gordita cocinera del hotel, el barman paleto con el que la madre está que si sí que si no, la amiga friki coreana... y los abuelos. Los abuelos (interpretados por Edward Herrmann y Kelly Bishop) muy conservadores y que perdieron la pista de su hija cuando se quedó preñada a los 16, son toda una fuente de tramas y momentos divertidos para los guionistas. Los peores episodios es cuando tira descaradamente a drama o a comedia la cosa, su especialidad es caminar por la fina línea intermedia. Dadle una oportunidad, no os arrepentiréis (o sí).

Mujeres desesperadas (del genial Desperate Housewives) es el furor del año pasado entre los más precoces, y del verano entre el resto de los mortales en el que me incluyo. A través de cuatro amas de casa de lo más peculiar, y guiados por una quinta que decide que ya no puede más en el episodio piloto, descubrimos los secretos y trapos sucios de los habitantes de Wisteria Lane, un barrio de lo más "felices para siempre", en el que se ocultan relaciones ilícitas, falsas identidades y hasta crímenes. Un culebrón súper-estiloso, en el que cada capítulo tiene tanta información que si te llaman por teléfono cinco minutos te puedes perder del todo (me ha pasado). Está formidablemente escrita y muy bien hecha en general, y por mi parte pido especial atención a la genial Marcia Cross (algunos la recordaréis de Melrose Place) y su personaje, Bree, la joya de la corona de esta "soap opera" de lo más fashion.

Por hoy ya es suficiente, pero podría seguir un buen rato hablando de series. Mis mitos personales como Futurama, Sexo en Nueva York o Ally McBeal, descubrimientos como Padre de Familia o Perdidos (estoy por enterarme de algo y posteo), y horteradas del calibre de Felicity, Rebelde Way o Bobobó... estoy que no doy abasto. Lo que me voy a acordar de todos sus episodios (y de la madre que los parió) en los exámenes de septiembre.

CINE AL FRESCO

2005-08-03T19:32:00.000+02:00

Este post es para todos los que estáis en Valladolid en agosto (los diez o doce): cometer esa estoicidad tiene su recompensa, como todos los años, y vuelve éste por vigésimo cuarta vez el Cine al Aire Libre. Por si alguien aún no lo sabe, las proyecciones son todos los jueves, viernes y sábados del mes, a las 22.30. El lugar, el de siempre: el Patio de la Hospedería del Monasterio de San Benito. Ah, y es gratis total, si todo lo anterior no os había convencido. Como novedad parece que han cambiado las sillas (nuestras espaldas lo agradecerán) y -esto no mola tanto-, este año la programación sólo consta de títulos de 2004. La verdad es que lo entiendo, porque recuerdo las proyecciones de ¡Qué verde era mi valle! u Ossesione casi vacías. Algún aliciente tiene que tener la gente para sentarse dos horitas con un frío del copón (si amigos, llevad jersey gordo) a ver una peli en versión original. No estamos en Madrid, y el objetivo es llenar los 1.100 asientos. Aquí tenéis la programación.
Sobre ella, que dentro de lo que cabe está variadita la cosa, y es la oportunidad (exceptuando la Seminci) de ver pelis en su idioma original aquí en Pucela. Mis favoritas de la lista, Entre Copas, Million Dollar Baby y El Hundimiento (toda una grata sorpresa). Mañana por la noche empezamos con 2046. Le daré una segunda (y última) oportunidad a esta peli. Con lo que me gustó Deseando Amar... La vuelvo a ver porque me dio la impresión de que detrás de todo ese delirio narrativo y gafapastismo hongkonés había algo que me gustaba. Me falta descubrir lo que es.

PRIMER ANIVERSARIO

2005-07-28T16:39:00.000+02:00

Cómo pasa el tiempo. Hace ya un año que estaba yo aburriéndome una tarde veraniega (¿será un dejà vu?) y se me ocurrió crear este blog. La entrada/celebración no va a ser muy larga porque este cumpleaños me pilla en un estado de salud más que lamentable, pero no quería dejar de agradecer a todos los que alguna vez os habéis dejado caer por estos lares. En especial, muchísimas gracias a todos los lectores habituales (los conocidos, los otros blogueros o los que llegaron por alguna triste casualidad de google) porque sin vuestras visitas, vuestro interés y vuestros comentarios (ya los que comentáis es que os salís) Puñaladas habría chapado hace ya muchos meses. Parecía que un blog sin fotos indiscretas, historias sórdidas de mi vida privada y con un monotema tan claro tenía los minutos contados. Pero váis vosotros y lo leéis. Espero que disfrutéis con el blog la mitad que yo escribiéndolo, o que, alguna vez, os pique el gusanillo por ver una peli o una serie. Yo ya me doy con un canto en los dientes.

Nada más. Que lleguemos a cumplir dos.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XVII)

2005-07-27T12:45:00.000+02:00

Profesor Strowski: Ahora estoy aquí, enviado para llevarle a casa.
Dr. Eric Vornoff: Casa... yo no tengo casa. ¡Perseguido, desterrado, viviendo como un animal! La jungla es mi casa. ¡Pero le mostraré al mundo que puedo ser su Señor! Perfeccionaré mi propia raza de personas. Una raza de superhombres atómicos... ¡que conquistará el mundo! ¡Ha ha ha ha ha!

La Novia del Monstruo (1955)

Escrita y dirigida por Edward D. Wood Jr.

TRABAJANDO EN ELLO

2005-07-22T19:29:00.000+02:00

El pasado domingo acababa la duodécima temporada de 7 Vidas (sexta en realidad, porque se producen dos hornadas de capítulos por año, y porque la serie se emite desde 1999). Lo hacía con uno de los mejores capítulos de toda su historia. Me alegra (por lo oído/leído) no ser el único que ha hecho esta apreciación, y es que fue una hora impagable de puro descojono televisivo. Los creadores de ficción para la tele en España se están poniendo las pilas (a marchas forzadas) al ver que cada vez llegan mejores series de América, que se pueden comer al producto patrio. Porque la gente no es gilipollas y elige ver historias que avanzan, comedias inteligentes o misterios difíciles de resolver; si la comedia española de turno es igual en cada capítulo al anterior, o retrata estereotipos sobre los españoles que el cine abandonó hace ya veintypico años... Pues bien, en esa parte del imaginario colectivo español que es 7 vidas se han marcado un season finale de lo mejorcito. Las grandes series nos han enseñado que el final de la temporada debe ser un episodio especial, más intenso de lo normal. Está bien cambiar el escenario habitual si es una sitcom (véase Friends), se puede aprovechar para despedir o incluir personajes, y el final debe cumplir las expectativas a las que dirigía la temporada que concluye, así como dejar alguna nueva incógnita o cabo suelto para que tras el verano el público muerda el anzuelo desde el principio. Hay que ver lo que hacen, en televisión, unos buenos guionistas y unos buenos actores. No es que el resto del equipo esté allí tocándose las narices, pero ésos son los dos pilares fundamentales de una serie (donde la dirección, aunque imprescindible, queda relegada a un segundo plano). Hacen que una serie como la tratada, que comenzó como la historia de un tío que despierta tras veinte años en coma, continúe tantos años después sin ninguna línea argumental fija. Es lo que tienen las comedias de situación, que prima la misma sobre todo. Incluidos los personajes. Y parece que ninguna baja es letal, porque de los protas originales sólo queda ya Amparo Baró (y sus collejas a diestro y siniestro).
Volviendo al último capítulo -hasta el momento-, llegamos al clímax de una temporada bastante buena (al contrario que la anterior), el día de la esperada boda de Sergio y Vero. Diana sólo consigue cita en la mejor peluquería de Madrid dos días antes, y tendrá que ingeniárselas para mantener intacto su estrafalario peinado. Sole descubre que oficiará la ceremonia un cura que le prohibió la entrada al templo hace años. Gonzalo y el Frutero se apuestan a ver quién consigue pareja antes para la boda, pero cuando el Frutero liga con una chica bastante guapa, Gonzalo se empeñará en demostrar que es una puta. El hermano de Sergio, Pablo, sigue enamorado de Vero pero ésta tiene que hablar con él y dejarle las cosas claras. Sergio escucha la conversación y cree entender que se han acostado, por lo que decide presentarse a la boda borracho perdido. Una boda en la que todo salió mal. Y que me dejó ávido de que estos chicos vuelvan el curso que viene, a vivir su séptima vida, y las que haga falta.

DÍAS DE VERANO

2005-07-14T12:53:00.000+02:00

Parece que en verano todo se idiotiza hasta extremos insoportables: la programación de la tele, la cartelera de cine, el comportamiento de la gente en las piscinas y/o playas... este blog no iba a ser menos. Si no se idiotiza, por lo menos se relajará en lo que a posteos se refiere. Es que aguantar los cuarenta gradazos a la sombra de la capital castellanoleonesa (aunque los de Madrid tampoco se quedan atrás) tiene su mérito. Cansa hasta teclear... Y como yo soy yo y mis circunstancias, aquí expongo algunas de ellas para deleite de muy pocos. Como es natural, empezaré por el principio:

Entre los días 5 y 8 de este julio se ha llevado a cabo la grabación del cortometraje Praesentir, de Gustavo Prieto en distintos lugares de Valladolid, aunque principalmente en una casa de Parquesol. Fueron cuatro días de trabajo duro (el de los otros), frases míticas y aprender mucho. En las esquinas y ángulos muertos de cámara es donde se me podía encontrar, aparte de por lo del aprendizaje y el fisgoneo porque se me había encargado ser testigo visual del rodaje. Más de dos horas de vídeo tengo para montar un making of que no debería durar más de un quince minutos. A ver como sale la cosa. También fueron días de cine (aunque sin Antonio Gasset): el cine que se hacía, del que se hablaba -cada dos por tres- y el cine que se vio.

Estoy hablando del último trabajo de Isabel Coixet (que no es La Vida Secreta de Las Palabras): gracias a una feliz coincidencia de cásting, pudimos ver en primicia el spot de 60 segundos que la directora catalana ha realizado de encargo para la Seminci por su quincuagésimo aniversario. Bajo el lema "50 años amando el cine" recorremos unas cuantas conversaciones que inventan una utópica relación entre los vallisoletanos y el cine. Está muy bien hecho y como anuncio (si hay dinero para programarlo) puede funcionar. Pero como todo lo bonito, es mentira.
En otro orden de cosas, desde la semana pasada tenemos en casa Digital+, y es un agobio. Hemos pasado de no tener qué ver a no saberlo. Porque hay tres películas buenas a la vez (supongo que como todas son repetidas, este problema irá desapareciendo), porque unas se solapan con otras en el tiempo, porque algunos quieren series y otros pelis... Los mejores canales: Fox ( por sus series americanas), Paramount Comedy (por La Hora Chanante), Cartoon network (por fin descubrí a Bobobó, o las Supernenas). Esos y, por supuesto, todos los de cine.

He vuelto a engancharme a las cursis Chicas Gilmore y a los geniales Fisher de Six Feet Under. Y necesito urgentemente los capítulos (sin anuncios y en orden) de Desperate Housewives... que me han gustado, como a media España desde que empezaron a darlos en la primera, aunque me marean un poco. Es que no es normal que pasen tantas cosas en un mismo capítulo. Al final de cada uno tengo una sensación de dazed and confused que no me gusta mucho, aunque luego sea precisamente la razón por la que quiero ver más. Que en Norteamérica sí que hay gente que sabe cómo hacer buena tele, vaya.
De pelis ya hablamos otro día, que no sabría por dónde empezar. Además, se acercan inexorablemente el primer aniversario del blog y mi vigésimo cumpleaños. Permaneced en sintonía.

DOBLARSE, PERO NO ROMPERSE

2005-07-07T23:44:00.000+02:00

Lo más fascinante de los juncos salvajes es su resistencia. Gracias a su complexión flexible y a su obstinado agarre a la tierra, soportan las peores inclemencias meteorológicas, contorsionándose hasta extremos impensables, pero nunca quebrándose. Aunque parezcan el hierbajo más insignificante de la campiña, aguantaron el huracán que se llevó a los robles centenarios. Con esta bonita figura se puede comparar a los personajes de la peli del mísmo título (Los Juncos Salvajes, 1994) del director galo André Techiné.

Estamos en un pueblecito francés a orillas del Garona en el verano de 1962. De fondo, la guerra de Argelia, que a tantos jóvenes se está llevando. Maïté (la joven y prometedora Élodie Bouchez) es una chiquilla de 16 años y fuertes convicciones comunistas. Vive cerca del internado de los chicos, donde pasa sus días François, su mejor amigo, con el que gasta casi todo su tiempo. Aunque todos crean que están saliendo, no es así. François está descubriendo con estupor su homosexualidad, y no duda en pegarse un revolcón con uno de sus compañeros más atractivos, Serge. Pero Serge no tiene las cosas tan claras -o las tiene muy claras- y tras esa noche juntos pasa del amigo en pos de la bella Maïté, ahora que sabe que tiene el campo libre. El último en entrar en escena será Henri, un pied-noir (francés nacido en Argelia) que se va a interponer entre la chica y Serge, que está a punto de recibir malas noticias desde el frente.

Es éste un film en el que se retrata con crudeza y naturalismo una de las etapas de la vida más incomprendidas (cuando no ignorada) por el arte: la adolescencia. Cuando quiere y como le parece, Techiné nos cuenta cosas de su propia juventud, tocando como pocas veces se ha hecho un tema tan delicado como es el descubrimiento de la propia homosexualidad. No sin razones y con más motivos que otras que han seguido el mismo camino, se ha convertido en un estandarte del (quizá erronamente llamado, por simplismo) cine gay. En esa época de revolución sexual, prematuridad política y muertes en la guerra, nos colamos en las vidas de estos cuatro jóvenes que no reparan en ser "testigos de su tiempo" por estar demasiado ocupados en vivir al máximo sus mejores años, cuando no los últimos. El inocente François hará de guía por estas cuatro historias y un puñado de ellas más, con su propia aventura de descubrimiento personal. No tienen desperdicio -con respecto al tema homosexual- las escenas con el zapatero del pueblo, y, por supuesto, el clímax (dramático y estético) de la peli, en el río.

Un título muy recomendable (por su calidad como película, pero también por su sinceridad) para ver y celebrar que desde hace una semana todos los españoles somos un poquito más iguales. ¿O más diferentes? Ya me entendéis.

¡HUYAMOS!

2005-07-02T17:54:00.000+02:00

Hace poco tuve un sueño, que tenía hasta estructura de película. Os lo cuento así resumidamente: en su afán desmesurado por hacer más y más publicidad de su título estrella del verano, la distribuidora de La Guerra de Los Mundos, de Spielberg, traía a España las naves de la película (que habían construído con total funcionalidad) para una espectacular demostración en algún sitio al aire libre, cerca de Madrid. (Nota: esto no es un delirio del todo, tiene el fundamento real de que hace nada trajeron el Batmóvil para promocionar Batman Begins). Todo iba según lo previsto hasta que, en una escena similar a la de King Kong, las naves -que se dirigían solas- decidían que hasta ahí habían llegado, y que no eran el juguete de nadie. Rebelión. Se dirigían hacia el centro de la capital destrozando todo a su paso, y haciendo estallar, literalmente, a cualquiera que se les cruzase. Exterminio. Los pocos que quedábamos vivos nos organizábamos de mala manera y nos ocultábamos en el sótano de unos grandes almacenes. Éramos la resistànce y teníamos un líder (cosas de los sueños, era mi primo Alberto gritando todo el rato en plan Rambo). Peor todavía se ponen las cosas cuando las naves aprenden a reproducirse en número construyendo más -si un velocirraptor puede abrir una puerta... Al principio había esperanza, pero mientras unos y otros salían a luchar para no volver, nos concienciábamos -entre el sonido de las balas de los suicidas- de que no había nada que hacer y de que éramos los primeros de los últimos. Toda la especie humana estaba a punto de ser aniquilada.

Todo esto, por supuesto, lo soñé antes de ver la peli en cuestión. Si la propaganda de verdad (que no ha sido asesina pero sí bastante plasta) ya me había condicionado bastante, ahora encima tenía motivos inconscientes para pagar mis cinco euritos y sentarme frente al último producto del "Rey Midas de Hollywood".
Ya ves, no es por echarme flores, pero la alucinación nocturna en cuestión tiene más mensaje (los peligros de demasiada exposición a la publicidad es un ejemplo), mejor estructura (aquí el final es coherente con el resto de la historia) y personajes menos planos (salgo yo) que la mediocridad que ha filmado Spielberg. Muy mal Stevie, cada vez peor... No me quejo de que la película sea sólo correr, o que no se den razones de por qué sucede todo. Al contrario, eso me motivaba, y tengo que admitir que hay un par de secuencias en las que la sensación que esperaba encontrar en toda la peli -la que me asaltaba continuamente en mi sueño- se atisba. Pero en general es un coñazo inconmensurable, los personajes son de tebeo en el mal sentido y hacia el final todo empeora. No para los protagonistas, sino para el espectador. La película acaba (no os asustéis) con Juan saliendo del cine y maldiciendo contra el señor que le hizo pasar algunos de los mejores ratos de su vida, como E.T. o Parque Jurásico. Pero vamos, que a lo mejor me pongo y escribo el guión para hacer mi spin-off de La Guerra de Los Mundos (jo, hay que pagar derechos al finado H. G. Wells y al forrado Spielberg). Si alguien que lea esto tiene cien millones de euros sueltos y no sabe en qué gastarlos, la peli la puedo tener para finales de 2006.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XVI)

2005-06-25T17:42:00.000+02:00

Leonard: Tengo que creer en un mundo fuera de mi propia mente. Tengo que creer que mis actos todavía significan algo, aunque no pueda recordarlos. Tengo que creer que cuando mis ojos están cerrados, el mundo sigue ahí.
¿Creo que el mundo sigue ahí? ¿Sigue ahí fuera?...Sí. Todos necesitamos espejos que nos recuerden quienes somos. Yo no soy diferente.

Memento (2000)

Escrita y dirigida por Cristopher Nolan

SIN PIEDAD POR AMOR

2005-06-22T00:55:00.000+02:00

Alice es americana, nueva en Londres y no sabe que para no acabar atropellado hay que mirar a la derecha. Entre eso y que no puede dejar de mirar a un desconocido bastante guapo, acaba teniendo un leve accidente con un taxi. El extraño, Daniel, se siente locamente atraído por la misteriosa guiri mientras la lleva al hospital. Tiempo después se enamora, pero de la fotógrafa Anna, que lo retrata para el libro que ha escrito sobre su historia con Alice, ahora su novia. Por culpa de una ciber-broma pesada a un tercero de Daniel, Anna es acosada en el acuario por un desconocido (el médico Larry) que dice haber tenido una charla caliente con ella el día anterior. El estupor va cambiando por simpatía, y la simpatía por una atracción erótica muy poco disimulada. Ya tenemos dos parejas: Alice y Dan, Larry y Anna. Pero como ya sabemos, a Dan le mola Anna; y cuando se conozcan, Alice y Larry también van a hacer "buenas migas". Y todos ellos están dispuestos a dar la puñalada más profunda por conseguir a quien quieren. Esto es sólo el comienzo de la espléndida Closer.

La obra de teatro del mismo nombre triunfó durante años en las carteleras de Londres (quinta protagonista de la historia) y Broadway, y siguiendo la ruta natural -de ganar pasta-, el propio autor (Patrick Marble) la adaptó para el cine y vendió el guión a Columbia. Alguien con mucho ojo -quizá el propio escritor- se lo pasó a Mike Nichols (El Graduado, Armas de Mujer, Angels in America) que aceptó dirigirla para regresar a su medio natural, el cine. Los actores, como podéis ver, son de lo mejor y de lo más variado: para todos los gustos, pero los cuatro intérpretes están en uno de sus mejores momentos. Clive Owen (que tiene muchas pelis a sus espaldas y en el Reino Unido es una celebridad) es un descubrimiento a tener en cuenta. Su próximo título en España, la esperada Sin City.

Una peli fría, distante, desasosegante. Al salir del cine sentí que no me había gustado. Craso error: lo que no me gustaba era la sensación amarga que me dejó. Esto lo descubrí reparando en las ganas que -como buen masoquista emocional- tenía de volver a verla. Hace unos días la conseguí en DVD y, efectivamente, es una gran película. La temática es la más trillada de la historia del cine, pero la forma de tratarla (estilo, claridad del discurso, interpretaciones y diálogos) son de los que se encuentran de poco en poco. Desconozco si la canción de Damien Rice The Blower's Daughter fue escrita expresamente para Closer, pero como si sí. Poned el e-mule a bajar ya, si no es la peli, que sea su tema principal. Su origen teatral se deja ver en el reducido número de secuencias (12 o 13) y en la importancia crucial de lo que se dice y, como consecuencia, de lo que no. Pero es cine, cine del bueno. Una de las cosas que más me gusta es que entre secuencias pasan siempre, como mínimo, cuatro meses. Son cuatro historias de amor y sexo contadas sólo a través de sus peores momentos. De los más importantes, al fin y al cabo.

VUELVEN

2005-06-18T15:26:00.000+02:00

Sin Bryan Singer, pero vuelven.

TESTIGO MÚLTIPLE

2005-06-17T02:45:00.000+02:00

Me llega de la parte no sociópata de Sociopatía empáticA (lo vi en su momento, pero no ando muy bien de tiempo últimamente) el relevo en esto de hablar de música y libros, y yo que soy muy aplicado pues relleno el formulario. Al fin y al cabo, dos primas hermanas del cine como son estas disciplinas no están fuera de lugar aquí. Muchas gracias a Arcángel porque ya me estaba empezando a sentir el pardillo de la clase al que nadie le pasaba la bola. Ah no, espera, es que yo era ése. Cómo es esto de la popularidad. Vamos al turrón:

Tamaño total de los archivos de música en el disco duro: 3,8 GB. No soy yo de bajar cosas a carretilladas, además con lo que me dura a mí la obsesión por una canción...pa' qué mas.
Último disco que me compré: Ni me acuerdo, pero puede que fuese el Luna Park de Kìla (musiquilla celta) como regalo para mi padre, aunque lo pongo como mío porque de verdad que no recuerdo, esto de internet es lo que tiene, que me he convertido en el Thomas Crown de los archivos musicales.
Canción que estoy escuchando ahora: En el Río de Amaral, para no variar...
Canciones que escucho mucho (10 sin ningún tipo de orden ni jerarquía):
Such Great Heights de The Postal Service
Mediterráneo de Joan Manuel Serrat
Nasío pa' la alegría de Estopa
Sultans of Swing de Dire Straits
Come Together de The Beatles
La Casa por el Tejado de Fito y los Fitipaldis
House of Rising Sun de The Animals
Moriría por Vos de Amaral
Imitation of Life de REM
Build me Up, Buttercup de The Foundations

Libros leídos durante el año: No llevo la cuenta, pero supongo que la media es de un libro cada dos semanas o así. Por supuesto sin contar los panfletos políticos/libros de instrucciones que nos obligan a leer en clase.
¿Librería o biblioteca?: Librería, como con las pelis, me gusta poder volver al libro en cualquier momento. Y lo de prestar tampoco es que sea un objetivo, pero se tercia bastante...
Último libro comprado: Rebelarse Vende, de Andrew Potter y Joseph Heath. Es un ensayito sobre el negocio contracultural que me compré el domingo en la feria del libro y me está gustando bastante.
Último libro acabado: Detrás de Los Simpson, de Pablo Marín. Estoy con los ensayos varios últimamente. Pero este era una puta mierda. Una crítica a los Simpson más vista que los idem, y que deberían regalar con La Razón, porque se le veía el plumero al autor una barbaridad. Todavía estoy por encontrarme con una crítica a esta serie bien hecha. Y eso que hay bastante que criticar. Que conste que soy fan, eso sí.
Libro que leo en este momento: el último que compré.
Cinco libros que perduren en mi memoria y/o me hayan marcado de manera especial:
Calista la Lista (no recuerdo el autor, pero era de la colección Leo-Leo)
Lolita de Vladimir Nabokov (este ya fue de más mayor)
Alicia en el País de las Maravillas y Alicia a través del Espejo de Lewis Carroll (NO son libros infantiles, y si lo son no sólo)
Las Vírgenes Suicidas de Jeffrey Eugenides
El Nombre de la Rosa de Umberto Eco

Pues esto ya está. De verdad parece que lo ha hecho hasta Rita ya, pero (si les da por leerme y les apetece), Gustavo, Natalia (que se yo que en los fotologs también se lleva) y Erlik podrían ser los siguientes. Cambiando de tema, en nueve horas me examino de tecnología, y yo aquí haciendo esto...que Dios me pille confesado.

MI PRIMERA VEZ

2005-06-14T00:38:00.000+02:00

Resulta que en el fanzine underground Chud.com hacían hace poco un ránking titulado algo así como "100 películas que merecen más amor". Es una lista de títulos de los 70, 80 y 90, que por unas razones o por otras (malas críticas, fracaso comercial, género) pasaron por la historia del cine sin pena ni gloria, y no recibieron el reconocimiento merecido. Una vez leída del todo, tengo mis más y mis menos con esta lista, pero he encontrado un título muy especial para mí. Una de mis pelis de cabecera, a día de hoy: Gremlins 2.

Para empezar, porque fue mi primera película en pantalla grande. No estoy seguro de si mis padres me llevaron al cine durante los últimos ochenta, pero con toda claridad recuerdo ésta -1990- como mi primera experiencia cinematográfica completa (que mal suena esto). Lo primero, gracias a ellos por no ir a aquella celebración -desconozco las razones-, e irse con el niño, que como mucho tenía seis añitos recién cumplidos, a los Roxy de la calle María de Molina. A veces me asusto de la memoria selectiva que tengo. Durante los últimos años me he enfrentado a productos audiovisuales que adoraba en mi infancia, y la sensación ha sido de desengaño total casi siempre. Menos casos concretos (La Bola de Cristal, Fraggle Rock o esta película) la mayoría de las bondades de estos mitos de infancia se las había añadido mi imaginación desbocada y la cantidad de años sin verlos. Es toda una alegría, de vez en cuando, encontrarse con una opinión con la que sentirse tan identificado con respecto a algo con lo que a veces pensaba que era el único en el mundo en defender. La peli (ayer y hoy) me hace reír, me asusta, y me sube la adrenalina. Y de pocas puedo decir las tres cosas. No sabían papá y mamá que en esa peli de entretenimiento gamberro, tan inocua en apariencia y que tanto miedo me dio al principio (buena señal casi siempre), estaban creando un monstruito cinéfilo de su hijo menor. Puede parecer demasiado anticipado, pero viendo a los gremlins hacer de las suyas empecé a apasionarme por la imagen en movimiento. Gracias por el link a Las Horas Perdidas. Traduzco de Chud como buenamente puedo:

Gremlins 2 (1990)

Joe Dante es la clase de genio freak enloquecido que debería ser conservado en plástico transparente para las futuras generaciones. Toda su carrera ha sido infravalorada, aunque no más que esta maliciosa secuela de su éxito Gremlins de 1984. Totalmente diferente al original en cada uno de los aspectos, Gremlins 2 son dibujos animados de carne y hueso, un sprint (que funciona con combustibe ACME) con más chistes visuales, juegos de palabras y humor privado de los que debería ser seguro empaquetar en 106 minutos. Se cargó la posiblemente interminable franquicia, incumpliendo la ley de que los "retornos" deben ser más moderados que el original para no dejar las series infértiles. Y nos dejó con una de las películas más exhaustivamente anárquicas que Hollywood haya dado nunca. Si tienes una apreciación fundamentada de la ciencia-ficción, fantasía, terror, cómics, dibujos animados y cine en general, entonces deberías adorar esta locura con todo tu corazón. En un universo freak paralelo, Dante es tan importante como Spielberg.

La Defensa: Prueba que cuando no le das al público lo que quiere, les tocas mucho las narices -incluso si lo que les das es mejor de lo que merecen.

PARÍS, JESSE Y CELINE

2005-06-13T03:09:00.000+02:00

Qué triste se quedó Jesse en aquel andén vienés cuando, seis meses después de su primera cita -como habían quedado-, Celine no se presentó. O eso hemos de creer, porque allí no estuvo nadie para filmarlo (ni el propio Richard Linklater, padre de estas criaturas).

El caso es que nueve años después (estamos en 2004) las cosas han seguido un curso bastante distinto del que nuestros héroes románticos hubieran deseado. Y yo como espectador, para qué vamos a engañarnos. Al primero que encontramos es a un Jesse escritor, bastante delgado y envejecido. Está en París terminando la gira de presentación de su último libro (This Time, una detallada y nostálgica crónica de aquella noche estival en centroeuropa) en la típica librería grunge, llena de polvo y de gafapastas de cualquier gran ciudad. Pero entre sus incondicionales y la prensa literaria aparece una gran sorpresa, un blast from the past: Celine. Tampoco es tan raro encontrarla allí: es una chica de mundo, pero como supimos en el 95, su París natal le tira mucho. Como Jesse confesará más tarde, uno de los principales objetivos del libro era reencontrarla. Objetivo conseguido...demasiado tarde, quizás. Cuando eran jóvenes tuvieron una noche entera, pero las cosas cambian y ahora sólo tienen el tiempo que dura la película, unos escuetos ochenta minutos, para exponer sus respectivas razones. Nunca segundas partes fueron mejores.

No en vano acaba esta película con el anochecer: es la versión crepuscular y amarga de su antecesora. Es consciente de que es una secuela, y esa declaración de principios (que se hace en los primeros cinco minutos) la hace muy respetable. Jesse y Celine han acumulado primaveras y sinsabores: el primero está infelizmente casado, aunque su matrimonio le haya dado la (¿segunda?) mayor alegría de su vida, un hijo al que quiere con locura. Celine quiere hacer ver que es la desenfadada joven de entonces, pero quizá su problema ha sido ese: la imposibilidad de evolucionar, estancada en el recuerdo del gran amor transoceánico. La culpabilidad que siente por no acudir a la cita que hicieron también se va a dejar notar. Todo ello, Antes del Atardecer.

Para esta película, el guión -gran acierto- lo escribieron a pachas Linklater, Delpy y Hawke. La armonía entre esta tríada se deja notar en esta historia que mira mucho al pasado, a los diez años que han transcurrido. Cuando el final se acerca, los personajes parecen recordar sus veinte años tan bien que se atreven a hacer lo que entonces era costumbre: pensar en el futuro. E incluso puede que darse la segunda oportunidad que se prometieron junto al Danubio.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XV)

2005-06-11T02:35:00.000+02:00

Willie C.: Te miro y sólo pienso lo asombroso que es que ahí fuera haya un tío que hace todo ese tipo de cosas contigo. Consigue hacerte feliz y pasa las tardes contigo...
Andera: ...me prepara martinis, escuchamos a Van Morrison...
Willie C.: ...huele tu piel...
Andera: ...después de un día en la playa.
Willie C.: Sí, y leéis juntos el periódico...
Andera: ...los domingos por la mañana...
Willie C.: ...un lluvioso domingo por la mañana, y llena tu ombligo de diminutos besos...perdón.
Andera: El que caso es que ahí fuera hay otro tío que piensa lo mismo sobre Tracy y está celoso de tí porque haces todas esas cosas con ella.
Willie C.: Déjame que te pregunte algo: ¿se te ocurre algo mejor que hacer el amor con un atractivo desconocido...con la única iluminación de una lámpara de aceite? ¿Puedes imaginar algo mejor?
Andera: Volver a Chicago. Martini con hielo. Van Morrison.
Willie C.: Periódicos dominicales. Lo cojo.

Beautiful Girls (1996)

Escrita por Scott Rosenberg - Dirigida por Ted Demme

CELINE, JESSE Y VIENA

2005-06-05T18:43:00.000+02:00

Hace más de diez años, el -ahora respetado- director Richard Linklater pasó una noche paseando por Philadelphia y hablando (de lo divino y lo humano) con una mujer que acababa de conocer. Ignoro qué fue de ellos como pareja, pero se que él tuvo la necesidad de escribir un guión con todo lo que le había inspirado esa noche: la casualidad de conocer a tu otra mitad, la necesidad de mantener esa primera conversación para siempre, la primera despedida. En 1995 las conversaciones interminables y el paseo nocturno se hicieron realidad, y se estrenaba Antes del Amanecer. Las cosas habían cambiado un poquito: los protagonistas eran ahora Jesse y Celine, un turista americano y una estudiante francesa que, por casualidad, se conocen en el tren Budapest-Viena. Ella regresa a París, pero conectan y deciden pasar juntos en la capital austríaca la última noche de Jesse en Europa. Poco más puedo contaros, ya que aquí empieza una de las historias de amor más peculiares y bellas del cine de la generación X -de la que tanto se habló hasta que supimos que no era nada-, que no esconde ninguna sorpresa. Ahí reside su grandeza. No nos engañemos, la historia es tan utópica como la de cualquier otra película romántica, pero la sencillez de la narración y lo bien definido de los personajes la hacen un 300% más creíble e interesante que la media. Junto a la belleza de Viena y al buen guión (de Linklater y Kim Krizan) aparece el tercer pilar que hace una pequeña joya a esta película: los protas están interpretados por un par de actorazos. Ethan Hawke, al que conocimos de muy joven en El Club de los Poetas Muertos para pronto convertirse en el niño prodigio del cine indie es Jesse, y la sublime actriz francesa Julie Delpy (que lo mismo hace Blanco con Kieslowski que Un Hombre Lobo Americano en París) da vida a Celine.
Una hermosa peliculita para disfrutar, con amigos o pareja, en su versión original, y emocionarse un poco bastante. Aunque la historia es universal y atemporal, la gente que coincida en edad o gustos con Delpy, Hawke o Linklater puede descubrir millones de referencias culturales de la época. Quién coincida en edad con los protas, podrá soñar durante una hora y media que a él/ella también le puede pasar.

Lo grande del primer encuentro es que sólo se produce una vez. A medida que la noche avanza en Viena (y se acerca el terrible momento en que Jesse tenga que tomar su avión, al amanecer) el amor se va haciendo más fuerte. Lo que a pocos les cuesta años y muchos no consiguen en la vida, se va dando en unas pocas horas...pero a la vez va creciendo el miedo. El miedo de intercambiar teléfonos y que las llamadas vayan mermando, o verse un par de veces más y decidir que aquella noche no fue más que un bonito espejismo, se cierne sobre los dos. Se llegan a plantear el uno al otro no verse más, y conservar para siempre éste como uno de los más bellos pasajes de sus -hasta entonces- cortas vidas. Pero en una despedida auténtica, junto al tren a París de Celine (el director prefirió la fotogenia de una estación ferroviaria frente a la frialdad de un aeropuerto), se prometen, casi desesperadamente, volverse a ver, en ese mismo lugar, seis meses después. ¿Se reencontrarán Jesse y Celine?

Pues sí, pero en París y nueve años después. Yo no os haré esperar tanto, pero mejor lo dejamos para otro día.

YA ESTÁN AQUÍ...

2005-06-02T01:45:00.000+02:00

Hay que ver cómo son los americanos. Pueden no tener una peli hecha -ni siquiera escrita-, pero como buenos industriales saben que hombre precavido vale por dos. Y así nació en fenómeno de los "Teaser Poster", esos carteles que aparecen meses o años antes que la peli en cuestión, pero que sirven para ir creando expectativas y poner en marcha el fenómeno del bocaoreja "¿sabes que van a hacer la peli de...?". Para empezar por lo peor de esta miniselección, aquí esta el (adelantadísimo) anuncio de The Ring: Rebirth (que no se sabe muy bien si será secuela o precuela). La cosa es que -confirmada ya su oficialidad- es una cutrez como la copa de un pino, que ni que lo hubiesen hecho con el photosop de la señorita Pepis. Más de dos años tienen para ir currándose un poco más la promoción. Menos mal.

Tampoco es para tirar cohetes la primera promoción que nos ofrece la Warner de la cuarta entrega de las aventuras del joven mago: Harry Potter y el Cáliz de Fuego llegará a las pantallas inaugurando las próximas navidades, y en la web que el teaser indica, se puede ver el tráiler, que alienta bastante más. "Tiempos difíciles se aproximan, Harry". Que se lo digan -lo de los difficult times- a la Rowling, que entre derechos de autor y preventas del sexto libro este año va a superar a Bill Gates en las listas de los más ricos, como siga así. Para el que diseñó este cartel (que no se si era consciente de que se colgará en cines de todo el mundo): ¿era necesaria la chaqueta atada a la cintura?

Éste ya me gusta más, mira. Y la verdad es que tengo bastantes ganas de ver la peli. Sabiendo que es de Spielberg (tan irregular) y con Cruise (tan mediocre) el riesgo de que sea una cagada es elevado, pero me gusta vivir peligrosamente. La verdad es que la novela de H.G. Wells La Guerra de los Mundos se merece una adaptación digna al cine, ya que la que existe de momento... Su derivado más famoso hasta la fecha fue la transmisión radiofónica del libro por parte de Orson Welles en los 30, que sembró una paranoia masiva y por la que fue procesado. El rollo del póster en plan serie-B cincuentera (han cambiado la tipografía porque la primera versión era una especie de calco a Ben-Hur) me inspira bastante confianza... no me la eche usted a perder, Steven. A parte del teaser será el poster normal, porque a finales de mes la peli se estrena mundialmente. Este hombre se da una prisa, en navidades ya estrena otra. A ver que tal.

Poco han tardado en hacer la secuela en este caso. La revelación del año pasado fue una peliculilla de terror independiente titulada Saw (Sierra), y en otoño llegará Saw II. La mano amputada de la primera ha sido sustituida por dos graciosos dedillos que no indican nada bueno -me refiero a la trama. Como dice un amigo mío, qué poco tardan en emputecerse las cosas. Seguro que la calidad de las sucesivas "saws" va descendiendo (en relación inversa a la cantidad de público) y esto se convierte en un nuevo Viernes XII o Pesadilla en Elm Street.

Para terminar os dejo con el esperadísimo Código Da Vinci, una de esas cintas que tienen asegurado el taquillazo. Para empezar porque la novela ha sido todo un fenómeno social (y económico, claro). Y para seguir porque dirige Ron Howard, un experto en aunar público y óscares. Está en pleno rodaje -ahora concretamente en París- y la van a protagonizar Tom Hanks, Audrey Tautou, Ian McKellen o Paul Bettany, entre otros. Ésto es un teaser poster bien hecho. Sin usar una imagen de la peli (que es que no hay, no por otra cosa) han hecho un montajito bastante sugerente y que, si te fijas, lleva el nombre del prota escrito al revés. Los fans del libro (yo lo tengo en la lista de tareas pendientes) no desesperéis, que un año pasa muy rápido. Si no fijáos lo poco que le falta a Puñaladas para su primer aniversario. ¡Ay! Como pasa el tiempo oye. Nos vemos en los cines.

EL SÍNDROME AUDI

2005-05-29T03:33:00.000+02:00

"En 1817 el joven novelista Stendhal visitó la ciudad de Florencia. Nada le había preparado para la acumulación de tanta belleza. Entró en la monumental iglesia de la Santa Croce. De repente se sintió aturdido, sufrió una ligera desorientación, palpitaciones y una intensa sensación de falta de aire y tuvo que salir. Hoy en día, estos síntomas se conocen como síndrome de Stendhal."
Mientras escuchamos esta narración, vemos escenas de coches de lujo abandonados en plena conducción: en medio de una transitada calle, en la nieve, en una carretera comarcal. Los coches están vacíos y la puerta del conductor abierta. Claramente, sus dueños han tenido que salir huyendo. Al final, la imagen funde a negro y aparece el reconocible logotipo y el eslógan: Audi A8. A veces la perfección resulta difícil de soportar.
Qué gran anuncio, qué gran narración, qué peliculita. Qué deliciosa enfermedad. Una muestra más de que algunos de los mejores guionistas y directores del panorama mundial se dedican a la publicidad. Sólo las grandes marcas -que no venden más que eso, la marca- se lo pueden permitir, pero toparse con un comercial así siempre es de agradecer. Los Audi (para quien le gusten los coches) son sólo para unos pocos, pero su publicidad, tanto o más estilosa y bien fabricada, es para todos. Cada vez que veo este anuncio siento los síntomas que casi hacen volverse loco al autor de Rojo y Negro.

LLEGANDO HASTA EL FINAL

2005-05-22T16:29:00.000+02:00

Aunque todavía no puedo quitarme la expresión de asombro de la cara, creo que después de dos visionados (quién sabe si habrá más) llega el momento de hablar de ella. Sé que para muchos no es más que el último paso -de momento- de una calculadísima operación comercial que comenzó hace veintiocho años, pero para otros muchos, entre los que me incluyo yo de la cabeza a los pies, ésta era la peli más esperada de los últimos años. Con el Episodio III se ha cerrado el círculo. Hemos presenciado los únicos momentos de la vida de Anakin Skywalker / Darth Vader que desconocíamos, y aunque supiese al dedillo que iba a pasar en cada secuencia, el clímax de esta trilogía y entreacto entre las dos ha estado al nivel de los episodios que la van a suceder (IV y V), los mejores de la saga. Afirmo sin dudar que para mí, desde ya, la verdadera trilogía galáctica la forman La Venganza de los Sith, La Guerra de las Galaxias (a.k.a. Una Nueva Esperanza) y El Imperio Contraataca. Los episodios I, II y VI no desmerecen, pero sus niveles de intensidad narrativa y dramática están por debajo.

Es ésta una película trágica. La diferencia radical entre las dos trilogías es que la original empieza mal y acaba bien, y con la segunda pasa todo lo contrario. Al comienzo de La Venganza parece que las cosas no están perdidas del todo, y es que la "Guerra Clon" parece controlada, y el matrimonio de Anakin y Padmé (Amidala), aunque clandestino, es bendecido con un embarazo. Pero poco tardan las cosas en complicarse: las premoniciones sobre la muerte de ella empiezan a atormentar a Anakin, que es capaz de hacer cualquier cosa por salvarla. El senador Palpatine deja caer el velo que lo separaba de su álter-ego Darth Sidious, y se propone acabar con todos los caballeros Jedi y transformar la república en el I Imperio galáctico, para "salvaguardar la paz y la seguridad" (¿a qué me suena esto?). De paso, intenta fortalecer la orden que lidera, Los Sith, con un joven aprendiz que podría llegar a ser muuuy poderoso: no es otro que Anakin, que con tan poca madurez y tanto miedo no duda en pasarse al reverso tenebroso e inmediatamente es rebautizado de Darth Vader. Por el camino, todos los secundarios (incluido Obi-Wan, que tendrá que elegir entre su Padawan o él mismo) se enfrentan a su destino, que en casi todas las ocasiones es bastante chungo. El que no se exilia, vuela en pedazos, y eso si no desintegran tu planeta -pobres Alderaanitas, no saben lo que les espera.

Se me ocurre que debería hablar del fenómeno sociocultural, y sobre todo económico, en el que esta película es una pieza más que importante. Pero va a ser que no. Eso es harina de otro costal, y os remito alegremente a Garaje Kubrick y a la fabulosa presentación (sólo para los muy interesados) de la revista Wired sobre "cómo Star Wars ha cambiado el mundo".

Es mucho más entretenida que La Amenaza fantasma, y no hay guarradas visuales como la primera secuencia de El Ataque de los Clones. El ritmo está bien calculado, y aunque la primera hora se hace un poco larga, el dramatismo y la acción van in crescendo hacia una traca final como pocas se ven actualmente. Me quedo con tres escenas, tres:
1)Darth Sidious declara en el senado el nacimiento del Imperio, como bien señala una desconsolada Padmé, entre estruendosos aplausos.
2)El montaje de batallas final, por un lado Yoda vs. el Emperador en Coruscant, y por otro Obi-Wan y Anakin entre lava y junto a una agonizante Padmé.
3)El mítico casco de Vader desciende hacia lo que queda de nuestro prota mientras, lejos de allí, Padmé da a luz a Luke y Leia.

¿Os había dicho que me encanta Natalie Portman?

El resto de la película tiene momentos muy buenos, como la matanza Jedi o el funeral en Naboo, y una de las cosas que más positivamente me sorprendió de este tercer y ¿último? (diría que sí) episodio de Star Wars, es que, pese a ser al más referencial (la sombra de la película original del 77 está siempre ahí) es el que más entidad tiene por sí mismo en la nueva trilogía. No es una presentación de personajes o un tramo intermedio como les sucede a las otras dos, sino toda una historia con su nudo y su desenlace, al más puro estilo de la tragedia griega. El destino esta ahí -nosotros ya lo conocemos- y este puñado de personajes no son más que meros instrumentos del mismo. El "puente visual" tan comentado se consigue, aunque no hay que olvidar que entre III y IV pasan veintypico años, pero ya nos dejan ver planetas clásicos, personajes míticos como Chewbacca o naves como la "Tantive IV", donde Leia da comienzo al siguiente episodio. Algunos cabos los ata Lucas en el guión para salir del paso, como "desactivad todos los androides" o "borrad la memoria a C-3PO", pero haremos la vista gorda porque en general las últimas piezas de este puzzle encajan a la perfección.

No podemos olvidar el aliciente de ver cómo nace (en la ficción, claro) uno de los iconos pop más importantes del siglo pasado, y es que la imagen de Darth Vader, con su capa y su casco tan reconocibles, ha sido una de las más reproducidas de la centuria, junto a compañeros tan dispares como Marilyn Monroe o el Che. Por no decir (y ahí están las encuestas) que es el "mejor malo" de la historia del cine.

Decía la prensa especializada que Episodio I era para niños, II para adolescentes y III es para adultos. No lo creo así, diría que las seis pelis de Star Wars son para niños. Pero, como ya he dicho muchas veces, los niños no somos tontos. Ahora, me voy a encontrar mi propio destino, que seguro que nada tiene que ver con naves espaciales, amores imposibles o amables alienígenas. Espero que sí guarde alguna relación con películas tan divertidas como ésta.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XIV)

2005-05-18T17:20:00.000+02:00

El barbero judío: Lo siento, pero no quiero ser emperador. No es lo mío. No quiero gobernar o conquistar a nadie. Me gustaría ayudar a todo el mundo -si fuera posible- : a judíos, gentiles, negros, blancos. Todos nosotros queremos ayudarnos mutuamente. Los seres humanos son así. Queremos vivir para la felicidad y no para la miseria ajenas. No queremos odiarnos y despreciarnos mutuamente. En este mundo hay sitio para todos. Y la buena tierra es rica y puede proveer a todos.

El camino de la vida puede ser libre y bello; pero hemos perdido el camino. La avaricia ha envenenado las almas de los hombres, ha levantado en el mundo barricadas de odio, nos ha llevado al paso de la oca a la miseria y a la matanza. Hemos aumentado la velocidad. Pero nos hemos encerrado nosotros mismos dentro de ella. La maquinaria, que proporciona abundancia, nos ha dejado en la indigencia. Nuestra ciencia nos ha hecho cínicos; nuestra inteligencia, duros y faltos de sentimientos. Pensamos demasiado y sentimos demasiado poco. Más que maquinaria, necesitamos humanidad. Más que inteligencia, necesitamos amabilidad y cortesía. Sin estas cualidades, la vida será violenta y todo se perderá.

El avión y la radio nos han aproximado más. La verdadera naturaleza de estos adelantos clama por la bondad en el hombre, clama por la fraternidad universal, por la unidad de todos nosotros. Incluso ahora, mi voz está llegando a millones de seres de todo el mundo, a millones de hombres, mujeres y niños desesperados, víctimas de un sistema que tortura a los hombres y encarcela a las personas inocentes. A aquellos que puedan oirme, les digo: "No desesperéis".
La desgracia que nos ha caído encima no es más que el paso de la avaricia, la amargura de los hombres, que temen el camino del progreso humano. El odio de los hombres pasará, y los dictadores morirán, y el poder que arrebataron al pueblo volverá al pueblo. Y mientras los hombres mueren, la libertad no perecerá jamás.

¡Soldados! ¡No os entreguéis a esos bestias, que os desprecian, que os esclavizan, que gobiernan vuestras vidas; decidles lo que hay que hacer, lo que hay que pensar y lo que hay que sentir! Que os obligan ha hacer la instrucción, que os tienen a media ración, que os tratan como a ganado y os utilizan como carne de cañón. ¡No os entreguéis a esos hombres desnaturalizados, a esos hombres-máquina con inteligencia y corazones de máquina! ¡Vosotros no sois máquinas! ¡Sois hombres! ¡Con el amor de la humanidad en vuestros corazones! ¡No odiéis! ¡Sólo aquellos que no son amados odian, los que no son amados y los desnaturalizados!

¡Soldados! ¡No luchéis por la esclavitud! ¡Luchad por la libertad!

En el capítulo diecisiete de san Lucas está escrito que el reino de Dios se halla dentro del hombre, ¡no de un hombre o de un grupo de hombres, sino de todos los hombres! ¡En vosotros! Vosotros, el pueblos tenéis el poder, el poder de crear máquinas. ¡El poder de crear felicidad! Vosotros, el pueblo, tenéis el poder de hacer que esta vida sea libre y bella, de hacer de esta vida una maravillosa aventura. Por tanto, en nombre de la democracia, empleemos ese poder, unámonos todos. Lucharemos por un mundo nuevo, por un mundo digno, que dará a los hombres la posibilidad de trabajar, que dará a la juventud un futuro y a los ancianos seguridad.

Prometiéndoos todo esto, las bestian han subido al poder. ¡Pero mienten! No han cumplido esa promesa. ¡No la cumplirán! Los dictadores se dan libertad a sí mismos, pero esclavizan al pueblo. Ahora, unámonos para liberar el mundo, para terminar con las barreras nacionales, para terminar con la codicia, con el odio y con la intolerancia. Luchemos por un mundo de la razón, un mundo en el que la ciencia y el progreso lleven la felicidad a todos nosotros. ¡Soldados, en nombre de la democracia, unámonos!

Hannah, ¿puedes oírme? ¡Dondequiera que estés, alza los ojos! ¡Mira, Hannah! ¡Las nubes están desapareciendo! ¡el sol se está abriendo paso a través de ellas! ¡Estamos saliendo de la oscuridad y penetrando en la luz! ¡Estamos entrando en un mundo nuevo, un mundo más amable, donde los hombres se elevarán sobre su avaricia, su odio y su brutalidad! ¡Mira, Hannah! ¡Han dado alas al alma del hombre y, por fin, empieza a volar! ¡Vuela hacia el arco iris, hacia la luz de la esperanza! ¡Alza los ojos, Hannah! ¡Alza los ojos!

El Gran Dictador (1940)

Escrita y Dirigida por Charles Chaplin

Para Victoria, tan chaplinesca ella.

TÉTRICO. EXCÉNTRICO. FANTASMAGÓRICO.

2005-05-16T21:39:00.000+02:00

Llegó el sábado, llegó la fiesta: unos cuantos lo habían adivinado ya, pero a eso de las doce de la noche la celebración múltiple comenzó, y yo aparecí con mi súper-disfraz de Miércoles Addams. De momento os pongo aquí una foto de la auténtica (en la primera versión cinematográfica de mi adorada Christina Ricci), porque lo de ponerme a mí me lo tengo que pensar muy mucho. Fotos hay a porrillo, pero va a ser que no: las voy a limitar al consumo privado que uno tiene una reputación/semianonimato que mantener. Si no salgo en fotos vestido de paisano, comprenderéis que no me cuelgue aquí con aquella falda corta, medias y coletas que tan popular hicieron en los 60 a la hija menor de los Addams. El atuendo triunfó bastante, y (tu y yo lo sabíamos) gané un improvisado concurso de disfraces -que a escasas 48 horas ya se tacha de fraudulento. Ni Miss España. Lo mejor vino cuando nos fuimos a la calle con aquellas pintas: teníamos a Starsky & Hutch, tres de los Kiss, Lara Croft...a mí me dijeron de todo (desde "me ponen tus trencitas" hasta "¿tú vas de tuno?" cuando me quitaba la peluca). Otros que no estaban muy informados me confundieron con Pocahontas o Heidi, entre otras. Hay cada uno suelto por ahí...Toqué fondo de amanecida en el metro, con un rumano -que yo me empeñaba en renacionalizar portugués- que me cogía las coletas y cantaba y hacía bailes regionales, o algo así.

Voy acabando que estamos en plenos anuncios de El Ataque de los Clones. Ya tengo a buen recaudo las entradas para La Venganza de los Sith (que debería ser del Sith, a secas), y es que el jueves por la noche tenemos estreno mundial: la segunda saga llega a su fin 28 años después del comienzo de su predecesora. El viernes vi -a medias y con un horrible doblaje mexicano- mi primer episodio de la mitificadísima Queer as Folk (versión americana). No quiero hacer un juicio precipitado -tendré que ver más-, pero me pareció bastante mierdosa: en lo que se refiere al tema gay en cine y tv, yo soy más de cosas tipo Los Juncos Salvajes, sobre la que disertaré largo y tendido en breve.

Que eso, que el jueves me examino por enésima vez de Tecnologías I, a ver si hay más suerte. Y que el miércoles y el viernes Pablo & company (mis compañeros del año pasado y únicos amigos en la facultad) graban un corto que les han mandado para aprobar psicosociales. Y yo con lo de Ana y los 7. De pena. Intentaré pasarme a ver que tal les va con lo del cine amateur. Me piro corriendísimo que ya están Amidala y compañía haciendo el gamba. Nos vemos.

COSPLAYIN' Y OTRAS TONTERÍAS

2005-05-12T23:57:00.000+02:00

Hoy Katharine Hepburn habría cumplido 98 años, pero este post no va de eso. Va de muchas cosas en general y de nada en particular. Lo del título es porque este sábado celebramos cinco cumpleaños en uno (pudiendo hacer cinco fiestas, mira que somos paletos) en una superfiesta en mi casa: de disfraces para más señas. Todo ello a partir de la medianoche, porque hasta entonces, Alejo rueda su primer corto en 16 mm., y ha elegido como único escenario natural nuestra casa. Bueno, como escenario natural y lugar de ensayos y reuniones de preproducción para más señas. El tema principal de la película (el sublime tango Por Una Cabeza, de Carlos Gardel) martillea en mis sienes como la peor música del coche del Neng.
La fiesta promete, porque hace tiempo que no nos juntamos todos, porque el único precedente de fiesta masiva en casa todavía nos trae buenos recuerdos…y porque vamos a dar todos una pena que te cagas. No puedo poner aquí de que voy a ir, por que lo mantengo en el más estricto de los secretos, y por que algún que otro lector de este blog va a estar en la celebración: Jack Sparrow, Eduarda Manostijeras, quién sabe qué más. Y es que la gente dice su disfraz alegremente, cuando lo divertido (creo yo y por eso lo pongo en práctica) es sorprender con ello puesto. Sólo diré de mi personaje que es uno de mis mitos de infancia, que tiene su origen en un cómic con dos adaptaciones a la gran pantalla, y que estas pistas no sirven de nada, sino más bien lo contrario.
En otro orden de cosas, el otro día alquilé Inconscientes, de Joaquín Oristrell, y me sorprendió muy gratamente. La historia puede ser una tontería, pero es una de las pelis españolas más innovadoras en lo formal que he visto últimamente. Y encima Leonor Watling está que se sale. Qué pedazo de actriz. Es una comedia ambientada en la Barcelona de 1913, en el ambiente de psicólogos vs. psiquiatras, cuando las revolucionarias teorías de Freud llegan a España y sólo se habla de sexo. También están Luis Tosar, Juanjo Puigcorbé, Alex Brendemuhl y una divertidísima Mercedes Sampietro.
Soy muy fan de Friends, y me reafirmo en ello con episodios como el que emitió ayer Canal+: El de la cena de cumpleaños de Phoebe (de la novena temporada), un prodigio de guión (y de seis actores en estado de gracia, aunque a millón de dólares el capítulo me pongo hasta yo) que nos cuenta como todos y cada uno de los amigos llegan tarde a la susodicha celebración. No todo en la viña del Señor son series buenas: hoy he entregado mi trabajo de psicosociales sobre Ana y Los 7 y Los Serrano, y creo que, aunque me he cebado con la serie de Miss García Obregón, la cosa ha quedado muy científica y muy documentada. Para algo me tuve que ver dos capítulos completos (¡) de las aventuras de la familia Hidalgo. Me he relajado (ayer hubo examen de economía, quién sabe para que necesito yo conocer a fondo el FMI) y este finde me lo voy a pasar muuuy bien. Y voy a ver pelis mil. El jueves que viene, volverán los palos. Antes de entonces, intentaré escribir algo en serio por aquí.

Se me olvidaba…feliz cumpleaños, Kat.

DE VUELTA A HOGWARTS

2005-05-05T00:57:00.000+02:00

Se acabó El Señor de los Anillos. Ahora en mayo se acaba Star Wars. Pero siempre nos quedará Harry. La interminable saga bibliocinematográfica sigue su curso, y este año los más fanáticos tenemos motivo doble de jolgorio: en julio aparece el sexto libro (Harry Potter y el Príncipe Mestizo) y en noviembre la cuarta película (el Cáliz de Fuego). Parece que J.K. Rowling, la autora -una de las personas más ricas del Reino Unido-, se tiene que dar más prisa en sacar los libros, porque a éste paso sale antes la película. Ya le queda poco, y es que son siete el total de títulos, tantos como cursos tiene la "Escuela Hogwarts de Magia y Brujería".

Los libros ya están en pleno clímax de la historia: Voldemort se hace corpóreo, comienza la Segunda Guerra, Harry pierde el virgo (y en general todos andan bastante salidos) y en cada entrega ya muere más gente que en una peli de Wes Craven. Pero vayamos al turrón, y justifiquemos que haya puesto un post para enseñaros estas fotos tan guays que ya nos van llegando: ¿cómo van las pelis? pues el listón estaba alto, ya que la tercera (dirigida por el Mexicano Alfonso Cuarón, el de Y tu Mamá También) le dio un nuevo look a la saga y supo condensar la historia en dos horas y poco: aprenda usted, Mr. Columbus.

Toma las riendas Mike Newell: es el primer inglés a los mandos de este hólding tan genuinamente británico. Algunos recordaréis sus Cuatro Bodas y Un Funeral. Esperemos que se note su conocimiento de primera mano de las escuelas privadas y sus estirados profesores. Es la más cara hasta el momento, y los que hayáis leído el libro sabréis porqué... La historia comienza en los mundiales de Quidditch, con Harry escapando (por cuarta vez) de las garras de los Dursley, pero lo gordo llega cuando en la escuela se anuncia la celebración -allí mismo- del "Torneo de los tres magos", lo más parecido a unas olimpiadas con magos y brujas. Os podéis imaginar que la que se lía es de órdago. Como siempre, hay acción light, muchos efectos especiales y escobazos a go-go... la novedad de esta cuarta entrega es que, por primera vez, los protas van a sufrir los estragos de sus hormonas descontroladas. Se añaden al reparto, que no para de crecer, Brendan Gleeson, Miranda Richardson, Frances de La Tour y Ralph Fiennes (interpretando al "que no puede ser nombrado"). No os olvidéis. Harry Potter y el Cáliz de Fuego. El 18 de Noviembre. Ya queda menos.

BEAUTIFUL NATALIE Y EL CINE POP

2005-04-30T12:37:00.000+02:00

No ha cumplido los veinticinco, pero puede presumir de (entre otras cosas) haber participado en las dos "películas de treintañeros" más importantes de los últimos años. Me explico: no hablo de Bridget Jones ni de El otro lado de la cama, sino de unas películas -que si existe un dios deberían convertirse en género- en que el dilema principal del argumento es tener 30 años. Intentaré arrojar algo de luz sobre el tema: me refiero a Natalie Portman y a las películas Beautiful Girls y Garden State (Algo en común).
Hay muchos títulos filmados sobre el tema, pero en estos dos casos, además, la estructura es muy parecida: el protagonista vuelve de la gran ciudad (donde todos creen que triunfa pero lleva una vida de perros) a su pueblo natal. Allí se encontrará con los amigos del instituto, que forman un fresco de lo más surreal... y acabará enamorándose -en la más extraña de las circunstancias- del personaje interpretado por Natalie. Todo ello regado con una docena de canciones del mejor pop de los ochenta y noventa, y ahí están dos pedazo de películas. Por eso que, antes de entrar en materia, recomiende ávidamente las bandas sonoras de los dos films. Geniales (las pelis y sus músicas) para un domingo por la tarde.

Beautiful Girls (1996) de Ted Demme.
Timothy Hutton, Matt Dillon, Mira Sorvino, Rosie O'Donnell, Uma Thurman, Michael Rappaport, Lauren Holly, Natalie Portman.
Obra cumbre del malogrado director, que murió de un infarto a los 39 años. A sus treintaypocos, le dio por hacer una peli sobre gente de su edad, sobre la crisis que -parece ser- llega en el momento en que hay que dejar de salir por la noche, buscar pareja estable (el amor ya se va olvidando), y sentar cabeza. Todo comienza cuando Willie C. llega a su pueblo de origen en el coche de línea para la reunión de antiguos alumnos del instituto. En la ciudad tiene una novia y un (mal) trabajo como pianista, pero está contento. El contacto con sus amigos de siempre (el macarra y su perpetua novia, el salido que sigue igual, los que han formado una bonita familia) le va a hacer replantearse su treintena, y la idea de volver a vivir allí cada vez se hace más tentadora. Pero todo cambia cuando conoce a dos mujeres: su vecina de trece años -una lolita divertidísima de la que uno no puede no enamorarse- con la que mantendrá un mutuo romance platónico y una exótica vistante que le enseña mucho sobre la vida. La noche de la fiesta...digamos sólo que pasan muchas cosas, y que es un clímax tragicómico genial.

Garden State (2004) de Zach Braff.
Zach Braff, Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Ian Holm.
Niño prodigio de la actuación que salta a dirigir un guión propio, en plan mega-indie. Y encima (¡mierda!) le sale bien. Puede ser (no estoy informado) levemente autobiográfica, porque el prota, Andrew Largeman, es un actor que malvive en Los Angeles continuamente medicado y tiene que volver tras diez años de ausencia al pueblo para el funeral de su madre. Allí descubre a una familia agobiante y recuerda por qué marchó. Tras mucho discutir consigue que su padre le retire todos los antidepresivos, que le impedían disfrutar de la vida. Aunque no sólo las pastillas lo hacían. Sus dos mejores amigos están en polos opuestos: uno cava tumbas en el cementerio y el otro patentó el "velcro silencioso" y se montó en el dólar. Para completar el tratamiento, conoce por casualidad a la chica más excéntrica del condado (una mentirosa compulsiva que tiene un cementerio de hámsters en el patio de atrás), pero son demasiado diferentes para estar juntos. Algo habrá que hacer.

No tengo treinta años y veo a mis amigos de aquí periódicamente. Pero cuando ayer -como otras veces- el tren se sumergió de lleno en la meseta castellana y volví a pisar este mi Valladolid, por un momento comprendí a Willie C. y a Largeman. Es lo que tiene volver.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XIII)

2005-04-28T13:13:00.000+02:00

Mr. Increíble: No importa cuántas veces salves el mundo, siempre se las arregla para ponerse en riesgo otra vez. A veces simplemente me gustaría que se mantuviese ahí, ¡salvado! Entiendes, aunque fuese un ratito... Me siento como la criada; "¡acabo de arreglar este desastre!". Si pudiérais mantenerlo limpio durante diez minutos.

Los Increíbles (2004)

Escrita y dirigida por Brad Bird

NOTICIAS BREVES DE MR. QUITANIEVES

2005-04-27T21:35:00.000+02:00

-Median ya las I Jornadas de contenidos radiotelevisivos en la Universidad Complutense, en la facultad de cc. de la información (la mía), para más señas, del 25 al 29 de Abril. De momento, bastante mejor de lo esperado, nos están permitiendo conocer a la gente que hace la radio y tele que más se escucha/ve (y la que menos, a ver si va a más) en este país. Hoy nos hemos reunido con los responsables de, entre otras, Aída, 7 Vidas, Cuéntame, Ana y los 7 (sic) o Aquí no hay quien viva. También había algunos actores: la presencia de Diego Martín (el pijo de esta última serie) ha hecho las delicias de niñas y mayores. ¿Adivináis quien se va a Pinto este verano a ver grabar un capítulo de las aventuras de la familia Alcántara? No puedo con la vida.

-Menudo pedazo de corto es La Ruta Natural. El pasado viernes lo puso Cayetana en su programa, pero lleva unos meses ya triunfando (al menos entre el público) en festivales de todo tipo. Producido por la escuela catalana ESCAC y dirigido por Alex Pastor, cuenta la historia de la vida de un cualquiera, desde que muere hasta que nace. Habéis leído bien. Es como Memento, pero más al revés todavía: todos lo fotogramas están en orden inverso. Después de verlo uno se queda pensando lo triste que es la vida, se mire por donde se mire. Todo un prodigio (vedlo por internet o emule si podéis) artístico y técnico. ¿Alguien ha probado a leer el título de atrás a delante?

-Ya queda menos de un mes: ayer salieron a la venta las entradas para la película más esperada del año. Star Wars. Episodio III. La Venganza de los Sith, se estrena mundialmente el jueves 19 de Mayo. Lucas está contentísimo porque es la única (de las seis) que ha conseguido un "no recomendado para menores de 13 años" en los USA. Según él (agarráos) la peli es la más oscura y lacrimógena, "como un Titanic en el espacio". Encima Yoda vuelve a desenfundar la espada láser. Otra cosa no, pero las risas están aseguradas. Dentro de nada, aquí, la crítica.

RINGS A GO-GO (2/2)

2005-04-22T00:43:00.000+02:00

…en el otoño de 2002, The Ring (versión yanki) colonizaba pantallas en todo el mundo. Por fin el grueso de los espectadores sabían de la cinta maldita, de la periodista de investigación (que ni en El Mundo TV), del niño repipi/siniestro. Y sobre todo de ella. De la que fue lanzada pozo abajo, la que siempre lleva el pelo sobre la cara, la que sube ahora mismo pozo arriba para hacer realidad tus peores pesadillas. Sadako se llamaba en las películas japonesa. Los americanos lo cambiaron por el mucho más eufónico (y occidental) Samara, aunque la pipiola en cuestión seguía sin dar pizca de buen rollo. Lo demás es historia. Millones en taquilla, en deuvedeses, descargas del emule a punta pala. Estaba claro. Habría The Ring 2 en inglés.

Poco tiempo después, ya se gestaba el remake, y los de Dreamworks tuvieron la idea (inspirados seguramente por el caso de The Grudge, de Takashi Shimizu) de que el remake lo dirigiese el autor de la original. Los japos son muy diferentes de los europeos (me juego un duro a que nadie de aquí lo haría), y Nakata vio en ésta una oportunidad para volver a rodar –con más pasta, más tiempo, más espectadores en potencia- un trabajo en el que seguro se le quedaron cosas pendientes. Como pasar a limpio unos apuntes. Hace más o menos un mes, llegaba a los cines el producto terminado. Adivinad: más dinero, pronto el dvd con extras a porrillo, gran presencia de Samara en toda manta que se precie. Sobre el futuro…no ha salido en ninguna parte aún, pero estoy seguro que ya hay más de uno frotándose las manos ante la perspectiva de rehacer The Ring 0. El que no corre, vuela. ¿Seguiré apuñalando tiempo suficiente como hacer una tercera parte del post? Ni idea, de momento vamos a despedazar las dos primeras:

The Ring (2002), de Gore Verbinski.
Grata sorpresa la que me llevé. Conservando la trama original casi intacta, muy poco americanizada (esto es, las irracionalidades orientales estaban ahí), Verbinski, director de Piratas del Caribe, se marcó un par de escenas de lo más estéticas. La historia lo permitía, y si algo me decepcionó con respecto a la original fue el vídeo maldito: perdía el encanto naïf y parecía dirigido por el mismísimo Lynch. La música, la foto y los efectos especiales creaban una atmósfera a medio camino entre lo onírico y lo detectivesco muy sugerente. Sin duda me quedo con la escena introductoria: las adolescentes con las faldas hipercortas engañaron a muchos con que esta era otra “estúpida peli de terror americana”. Pero a los diez minutos el terror japonés ya estaba metiendo caña. Eso hizo bien el director: sin ningún oriental en el equipo, la peli siguió siendo oriental al cien por cien.

The Ring 2 (2005), de Hideo Nakata.
Peor que la primera. Muy, muy diferente. El rollo “peli preciosista” se sacrifica totalmente, al igual que sucede con la trama principal: aquí la cinta es lo de menos, tiene un poco de protagonismo al principio, pero como mero medio de transporte para Samara, que se ha emperrado con hacerse física en el cuerpo del hijo de la prota. Ya no se consigue sensación de inquietud a lo largo de toda la cinta, pero tiene algunas escenas del mejor terror reciente. Y no son sólo sustos… mucha gente no la ha visto aún, pero qué genialidad la secuencia de los ciervos, aunque no venga a cuento. Lo malo es que muchas escenas no pegan ni con cola con sus predecesoras o sucesoras, y queda todo con cierto olor a empastado a última hora. Dos horas de buen entretenimiento, pero sólo para verla una vez.
Tenemos una cita con Sadako/Samara en la precuela.

"TUS PROBLEMAS DÉJALOS..."

2005-04-14T23:11:00.000+02:00

¡Han vuelto! Quién me lo iba a decir. Han vuelto los fraguel. Escasos meses después de que los recordase, y lanzase una (de tantísimas) peticiones online para que volviesen a la parrilla española...lo han hecho. Tampoco es que hayan entrado por la puerta grande, pero los podemos ver. Por si alguien no estaba enterado de este acontecimiento, el asunto es de lunes a viernes, a las 18.00, en LocaliaTV. Bendito VHS (hacía tiempo que no desempolvaba el viejo grabador), salvación para los que vamos a clase por la tarde. La prueba del tiempo: superada con nota. Uno de mis grandes miedos -una realidad en muchas ocasiones- es que mis recuerdos infantiles me traicionasen, y encontrarme con una auténtica mierda. No ha sido así: la serie está en plena forma. Noticia buena en lo evidente, pero mala en el sentido de que no es un producto para la tele de hoy. Como La Bola de Cristal, lo que entonces era modernillo ahora es políticamente incorrecto/revolucionario. Que les den. Venid todos a Fraggle Rock.

P.D.: mi ordenador ha dicho "hasta aquí". Perdonadme si lo próximo tarda en llegar, o si la periodicidad disminuye. Intentaré colgar lo que queda de The Ring y que mi aparatejo vuelva a la vida lo antes posible. ¿Nos vemos? Viva la Repu.

RINGS A GO-GO (1/2)

2005-04-08T21:17:00.000+02:00

Érase que se era una cinta de vídeo que, una semana después de ser vista, le causaba la más terrible de las muertes al ya previamente acojonado espectador. Un buen día –no recuerdo muy bien a qué lado del Pacífico sucedió esto- el casete en cuestión cae en manos de una intrépida periodista que, tras verla y ser consciente de que el reloj corre en su contra, decide tomar las riendas del asunto y desvelar el misterio. Caballos agonizantes, niña tirada pozo abajo, madre suicida… con todos estos elementos más el hijo de la prota (una mezcla entre el físico de Joselito y la personalidad de Miércoles Addams), comprenderéis que medio mundo haya saltado ya en la butaca con esta historia.

Es la premisa con la que, en 1998, el director japonés especializado en terror hipersofisticado Hideo Nakata dirigiera Ringu, que en el resto del mundo se conocería como The ring. Era bastante novedosa y con una factura notable, con lo que no tardó en triunfar en su tierra. Poco después las copias de la peli comenzaron a colonizar otros mercados, más rápido que la cinta maldita de la película. Ya sabemos cómo son los japos cuando algo suyo triunfa (¿alguien ha contado cuántas pelis de Godzilla hay?), así que en el 99 Nakata dirigía Ringu 2. Otro año después se alumbró la precuela –absolutamente innecesaria- Ringu 0… el holding ya estaba creado. Fuera del control del director de las 2 primeras comenzaron a surgir subproductos directos a vídeo de la talla de Ringu Spiral. Pero el negocio estaba (está) en las tres originales.
2001, Estados Unidos. Las pelis japonesas son populares en América. Todo lo populares que pueden ser allí unos títulos que nunca estarán nominados a mejor película de habla no inglesa en los Oscar. Su mercado se limita forzadamente a videoconsumidores y freaks de todo tipo. Las productoras (más concretamente la Dreamworks, de Spielberg) ven el negocio potencial. No es, por supuesto, estrenarlas en salas tal cual: imagínate a los paletos del último pueblo de Louisiana viendo el sábado por la noche una peli llena de asiáticos…a algún veterano le da el síndrome segundaguerramundialesco y acaba la proyección como el rosario de la Aurora. Ni hablar. Si de verdad queremos sacar dinero, cogemos el doble de lo que costó la original, contratamos a la rubia de turno (que en este caso es una buena actriz como Naomi Watts, pero eso es eventual), un dire de encargo y a correr. Y así fue. No es la primera vez que hacían esto (recordad Abre los Ojos o La jaula de grillos), y entre lo poco proteccionista de los mercados europeos y la ignorancia general de la existencia de versiones originales, estas pelis siguen rentando en Europa como cualquier blockbuster de turno.

Pero que conste que no me indigno (ya habrá un post dedicado al remake americano, para qué adelantar acontecimientos). En la segunda parte, la historia de esta pescadilla que se muerde la cola llamada The Ring llega hasta nuestros días y critico las dos americanas (las pelis, no el fenómeno). Muy pronto.

LÍNEAS PARA RECORDAR (XII)

2005-04-06T13:22:00.000+02:00

Cher Horowitz: Así que, no es que quiera ser una traidora con mi generación en absoluto, pero no entiendo la forma en que los tíos visten ahora. Quiero decir, o sea, parece como si se hubiesen caído de la cama y se hubieran puesto los pantalones más anchos; como si hubiesen cogido su grasiento pelo -agh- y lo hubieran cubierto con una gorra de béisbol hacia atrás. ¿Y se supone que nosotras nos tenemos que desvanecer ante ellos? Me parece que no.

Clueless - Fuera de Onda (1995)

Escrita y dirigida por Amy Heckerling - Basada en "Emma" de Jane Austen

VENTE A ALEMANIA, PEPE

2005-03-29T01:08:00.000+02:00

Esto no es un stop. Es un simple pause. No se si acabaré una sórdida noche de alcohol y drogas en el Kit-Kat Club, con el "Willkommen, Bienvenue, Welcome" de fondo. No me apetece mucho correr con Lola. Los ángeles de Win Wenders me daban un poco de miedo. Y del "hundimiento" mejor ni hablar. El caso es que me voy a Berlín. Una semana. Volveré (me voy ya) con muchas cosas que contar, y si puedo colgaré alguna fotillo de el primer sitio mínimamente cinematográfico que me encuentre -lo mío ya es enfermedad, lo se. El Berlinale Palast no se me escapa, ya os contaré. Nos vemos en los cines. Hasta pronto.

WES EL FREAK

2005-03-26T19:29:00.000+01:00

Se agradece, en estos tiempos de cine prefabricado y películas de encargo, encontrarse de vez en cuando con lo que los entendidos suelen llamar "cine de autor": entiéndase la expresión en el sentido más literal, el que considera la obra cinematográfica como trabajo artístico de una persona en concreto, generalmente el escritor/guionista. El cine estadounidense nos ha ido descubriendo, desde principios de los 90 hasta la fecha, a una generación de cineastas (que ahora rondan los 40), que se rebelaron contra la industria de Hollywood y su habitual pobreza artística y comenzaron a contar historias de verdad (localistas, surreales, violentas). Fueron los propios estudios los que, tras el triunfo de sus óperas primas, empezaron a ficharlos como forma de aunar en sus títulos taquilla y calidad: P. T. Anderson, Sofia Coppola, Quentin Tarantino, David O. Russell... Uno de ellos, el inefable Wes Anderson, acaba de estrenar película: Life Aquatic.

Este tejano nacido en 1969 es una de esas personas que animan (o a mí me da esa impresión), con sus películas, a la creación cinematográfica. Viendo como alguien despliega en la pantalla un mundo interior tan excéntrico, con unos parámetros visuales tan particulares, uno piensa que sobre el celuloide todo es posible, que cualquier historia que nuestra mente alumbre se puede convertir en una peli interesante. Dos películas destacables había estrenado ya Mr. Anderson que me condujeron de cabeza al visionado de su última aventura submarina.

Academia Rushmore! de 1998, narraba un extraño triángulo amoroso protagonizado por un estudiante que lo suspende todo, pero es el rey de la escuela en lo que se refiere a las actividades extraescolares. En la comedia de 2001 Los Tenenbaums. Una familia de genios, retrataba las tristes vidas de los miembros de la familia más disfuncional de Manhattan. Con su última cinta, Anderson riza el rizo de lo extravagante y nos cuenta la historia de Steve Zissou (un oceanógrafo muy a la Cousteau), que emprende una épica cacería contra el tiburón Jaguar que se ha comido a su mejor amigo. Protagonizada por el gran Bill Murray (que también aparece en las otras dos), cuenta entre sus principales con Anjelica Huston, Cate Blanchett, Owen Wilson, Willem Dafoe o Michael Gambon, entre otros. Lo más disfrutable, aparte de las animaciones de Henry Selick, es el sentido del humor friki de este niño grande, que, como en todas sus películas, te mantiene la sonrisa pero no te concede muchas carcajadas, cuando no te deja boquiabierto por lo bizarro de su narrativa. Y es que las historias -como ésta- de perdedores, son las que más hondo nos llegan...¿por qué será?

TOMA NOTA, JEAN-PIERRE

2005-03-22T17:05:00.000+01:00

El mes pasado, una noche de lunes o martes, me decidí a ir al cine animado por la sugerente parrilla televisiva. Estaba yo en plan casero y no me apetecía atravesar Madrid para ir a los Ideal o a los Verdi, así que me puse las playeras más rotas, como el que va a por el pan, y me planté en la taquilla de los cines Renoir Retiro (debajo de mi casa, muy socorridos en estos casos, y de versión original). Con sólo cuatro salas, la única que no había visto era Para que no me olvides, de Patricia Ferreira, así que me lo jugué todo a la misma carta.

La peli no era para tirar cohetes,un poco sosa, aburrida a ratos y plagiando intermitentemente a La habitación del hijo... pero como soy de los de "de todo se puede sacar cosas buenas", me quedo con los dientes perfectos de Marta Etura y la última interpretación de Fernando Fernan-Gómez -y es que podría serlo en todos los sentidos. Me hizo gracia (algo que siempre mola) que la peli que veía por proyectarse en el cine del barrio sucediera en su mayor parte en el susodicho vecindario, incluyendo mis transitadísimas Sáinz de Baranda e Ibiza y la calle del propio cine, Narváez. Conseguí, al salir de la sesión, no quedarme atrapado en un bucle espaciotemporal infinito entre realidad y ficción, llegué a casa y se lo comenté (esto y alguna parte del argumento) a Victoria, mi teléfono de la esperanza particular.

Resulta que en la película el nieto de Fernán-Gómez hace lo posible para que no tiren la casa donde se crió su abuelo, que es muy de película: una casita con patio, con su olivo y todo, aislada entre edificios altos y feos, tipo Stuart Little pero menos fantástica. Yo, que tengo mucho tiempo libre, me dije el sábado siguiente por la tarde: "pues voy a ver la casa, y, emulando al prota, le echaré algunas fotos, que no se ven cosas así por Madrid". Cosas que sólo hacemos los de provincias. Como todo en la peli (viéndola pude atisbar el nombre de la calle) estaba por el barrio, así que allí me fui dando un paseíllo. Después de unas cuantas vueltas entre Pacífico y Conde de Casal llego a la dirección indicada y... la casa no está. Al final la derribaron. "Próxima construcción: edificio de apartamentos." El personaje de Fernán-Gómez se quedó sin recuerdos infantiles, y yo con una cara de pringao para la que tenía que haber aprovechado la cámara de fotos. No lo hice, por suerte. A veces (muchas), la realidad supera a la ficción.

SHI MIAN MAI FU

2005-03-20T13:17:00.000+01:00

Emboscados desde Diez Direcciones es la traducción literal del título del último hit mundial del cine chino. Para los países occidentales, con sus lenguas mucho menos simbólicas, la cosa se ha quedado en La Casa de las Dagas Voladoras. La llamemos como la llamemos, es una de las películas más bellas de los últimos años, y punto. El director, uno de los mejores del cine asiático actual: Zhang Yimou. Nos tenía acostumbrados a sus pequeñas películas costumbristas del tipo de La Linterna Roja o El Camino a Casa, en las que de forma magistral contaba preciosas historias de amor a la vez que mostraba el estilo de vida de la China más profunda, bien fuese en la actualidad o en los primeros años de Mao. Pero él nunca lo había ocultado: era un admirador y estudioso del cine de artes marciales, y uno de sus sueños siempre fue marcarse una película de espadachines, puñetazos y honores mancillados. El año pasado lo consiguió con Hero, una liosísima historia medieval de guerra, en la que, para más inri, el mismo actor interpretaba dos papeles distintos (pues como son fáciles de distinguir los chinos...). La película (que en EEUU sorprendentemente reventó taquillas) se podía mejorar y mucho, pero visualmente era todo un pastelito.
Y resulta que el genio irrefrenable de Yimou, al concluir el rodaje de Hero, ya tenía otra idea. La película fue bien de recaudación, así que, al producirse él mismo, no tenía ninguna limitación para filmar esta nueva historia. Fue así como se embarcó en el rodaje de La Casa de las Dagas Voladoras, que se estrenaría a mediados del 2004.

China, 859 d. C. La otrora gloriosa dinastía Tang atravesa sus peores momentos, gobernando con descuido y corrupción. Cantidad de ejércitos paralelos están surgiendo para acabar con esta situación. El más misterioso -y eficaz- es el conocido como "casa de las dagas voladoras". Dos soldados del ejército oficial intentan averiguar más sobre esta formación, para lo que buscan a la misteriosa bailarina ciega Xiaomei -que esconde más de lo que cuenta. Pero puede que uno de los dos pertenezca a las dagas voladoras, y todo se complica cuando ¡sorpresa! el perseguidor se enamora locamente de la perseguida, y viceversa. Para hacer honor a la verdad, diré que la historia es tonta a ratos, poco más que un hilo conductor para una sucesión de luchas, danzas, geniales duelos interpretativos en los que se sustenta la peli. Es ahí donde reside todo su atractivo, como ya he dicho. En la belleza: el color, las localizaciones, las coreografías (del baile o de las peleas), de la música, de descubrir, a mitad de película, que estamos frente a una fábula épica, y que la histora (tan sobrecargada de giros y moralejas, que a veces causan hilaridad en el racionalista occidental) no es más que un cuento sobre el amor, el honor y la muerte. Si quieres disfrutar de la película más intensamente, es necesaria una suspensión inicial de la incredulidad. Belleza también la de Zhang Zhiyi, actriz fetiche de Yimou, y de sus dos acompañantes (Andy Lau y Takeshi Kaneshiro), para los que creen que no hay chinos guapos. Tres escenas hay en la película (al principio, mitad y final del metraje) que son verdaderos clímax de lo impresionista: la danza con la espada, la batalla en el bosque de bambú y el cara a cara en la nieve. No dejéis de ver esta película, vuestro buen gusto lo agradecerá y aumentaréis la cuota de público del cine asiático, que tanto éxito tiene en festivales y tan poco en multisalas. ¿Quién da más?

LÍNEAS PARA RECORDAR (XI)

2005-03-14T02:15:00.000+01:00

Sean Penn: ¿Sabes? Fui a Irak el año pasado. Antes de que el Team America apareciese por allí, era un lugar feliz. Tenían praderas florecientes y cielos llenos de arco iris y ríos de chocolate, donde los niños bailaban y reían y jugaban con sonrisas de caramelo.

Team America. La policía del mundo (2004)

Escrita y dirigida por Trey Parker y Matt Stone

ESTRENO EN ESPAÑA EL 23 DE MARZO

EL RETORNO DE LUCAS

2005-03-11T22:20:00.000+01:00

El lado oscuro ya esta aquí. En poco más de tres meses se estrenará en todo el mundo el último episodio de la segunda -y última, confirmado- trilogía de La Guerra de las Galaxias, el día que se cumplan veintiocho años del lanzamiento de la primera entrega. Ayer se estrenaba el tráiler definitivo de la película y... no hay palabras. Se puede cometer el sacrilegio de poner en duda que Lucas sepa hacer una película, pero lo que no se puede negar es que sabe hacer un tráiler. No va a cambiar la opinión de nadie, así que el que no haya podido con los episodios I y II que no se deje timar otra vez (que aún así lo harán, pero yo aviso). Y es que ver a Anakin Skywalker transformarse ¡por fin! en Lord Darth Vader tiene demasiado morbo. A los que -como a mí- la primera les pareció un correcto prólogo y en la segunda vieron asomar, en el fondo, el verdadero espíritu Star Wars, parece que la tercera va a segir la progresión ascendente. Podéis ver los tráilers, teasers y spots editados hasta el momento en Joblo. Ya sólo queda esperar...y que la fuerza os acompañe.

MATTO MATTEO, MATTO NICOLA

2005-03-08T01:30:00.000+01:00

Se apagan las luces de la sala. La luz naranja inunda la pantalla. Se escuchan los primeros acordes de House of Rising Sun, de The Animals... lo demás es historia. Cuarenta años de la historia más reciente de Italia, para ser más exactos. Desde el año 66 hasta la más rabiosa actualidad caminaremos junto a los hermanos Nicola y Matteo Carati, descubriendo con ellos el porqué de un título tan sugerente: La Mejor Juventud. No hay que temerle a las 6 horas largas que dura esta película (que en Italia se emitió como miniserie en la RAI), ya que menos en festivales y demás eventos se ha estrenado en dos partes -con gran éxito, todo sea dicho, y es que éste es el noveno mes de lleno en las dos salas de Madrid que la proyectan. Además, cada minuto de este relato vital se disfruta como los mejores momentos de la vida propia: sabiendo que se escapa de las manos e intentando fotografiarlo para siempre.

Marco Tullio Giordana ha hecho un detallado retrato de su generación, la primera "post-Mussolini", que a veces es tierno, distanciado, condescendiente, cariñoso, descarnado. Completamente producida por la televisión estatal italiana (para los que tantas ganas tienen de echar mierda sobre este medio) y, en vista de los resultados, con total libertad artística y expresiva. Los actores (infinitos) están todos estupendos, pero no puedo dejar de mencionar a la bellísima Jasmine Trinca -la descubrimos hace unos años como hija de Moretti en La habitación del hijo- que aguanta primeros planos de tres minutos con la audiencia suspirando por ella. Su personaje de Giorgia, además, es el más misterioso y fascinante, y siendo completamente ajena a la -gran- familia Carati, es la que viene a propiciar el reencuentro Nicola/Matteo en la mayoría de las ocasiones. Una escena la del encuentro que se repite, a lo largo de las décadas, una y otra vez como un dejà vu, mientras el país mediterráneo, que es el otro protagonista de la película, se convulsiona en los 70 o disfruta de sus "años soñados" a finales de los 80. Vamos juntos hasta Italia, que en Roma hay una casa donde siempre hay habitaciones libres.

SEXO Y LA CIUDAD

2005-03-04T01:33:00.000+01:00

Miranda está todo el día de mala leche, y es que ser la única abogada de tu bufete marca el carácter. Charlotte sólo quiere encontrar a "míster perfecto" y echarle el lazo, por un buen hombre cambiaría hasta de dios. Samantha se tira a todo lo que tiene tres patas, e incluso a cosas algo más raras... y también está Carrie. Carrie Bradshaw escribe todos los miércoles la columna Sex and the City en el diario New York Star, cada semana investigando sobre un aspecto del sexo, del amor, de las relaciones interpersonales (del tipo que sean). Porque el sexo de Sexo en Nueva York -chirriante traducción de un estupendo título original- no lo es en el sentido que la gente que no ha visto la serie se imagina: es el aspecto psicológico, sociológico (humano) de la sexualidad. No es que la serie sea un documental, o un reflejo claro de lo que piensan las mujeres (al menos de las que yo conozco). Pero esta obra de ficción, que camina con cuasiperfecto equilibrio entre el humor más mordaz y el culebrón lacrimógeno de después de comer, te hace pensar (en mayor o menor medida) sobre aspectos muy importantes del tema al que más páginas, fotogramas y palabras al cielo ha dedicado el hombre desde que es ídem: lo díficil de la relación entre hombres y mujeres. Como buen oráculo del S. XXI, también tuvimos relaciones entre personas del mismo sexo, pero el rollo es siempre el mismo: la soledad en que se puede encontrar uno en medio de una bulliciosa fiesta o lo gozoso de dormir con la persona amada al lado, aunque sea en el continente de al lado.

Darren Star dedicó su juventud a escribir para joyitas de la televisión como Melrose Place. A principios de los 90 consiguió encajar en la parrilla su primer "creado por", Central Park West, que ahora sabemos que no era más que un bosquejo de la comedia que nos ocupa. En 1997, tuvo la gran suerte de que Sarah Jessica Parker se interesara por sus guiones de Sexo en Nueva York, basados en el libro de la columnista (ésta real) Candance Bushnell, y decidió ser productora; poco después, se vio con fuerzas para dar vida a la protagonista. Cabe destacar que en esta serie la jerarquía habitual estaba levemente alterada, y en los sets se bromeaba con que primero iban los escritores; luego, los actores; y en un tercer e instrumental lugar estaban los directores. Tras meses de reescrituras (en cinco se establecieron los guionistas habituales, liderados por Star), cásting -acertadísimo-, y localizaciones, se rodó el episodio piloto. Todo era más cutre y menos glamuroso y agudo que lo que vendría después, pero allí ya estaba el germen de la serie. La HBO (ya le dedicaremos un post a esta emisora/productora, que tanto bien ha hecho a la ficción televisiva) se lanzó a la piscina y financió el rodaje de once episodios más: a finales del 98 se estrenaba la primera temporada. Poco tardó en convertirse en exitazo: la gente de a pie comentaba en sus reuniones episodios como el del conejo, o vivía el interminable toma y daca entre Carrie y Mr. Big. Fueron seis temporadas y noventa y cuatro episodios en total, que culminaron hace ahora un año con un episodio -con Carrie entre París y su verdadero hogar- que batió récords de audiencia y mantuvo a más de uno (dentro y fuera de la trama) con el corazón en vilo. En esos seis años la serie evolucionó, como lo hicieron sus personajes, y cualquiera en esa difusa frontera entre los treinta y pico y los cuarenta y pocos. Fue madurando, y emocionando cada vez más, mientras Samantha superaba un cáncer de mama, Charlotte se hacía judía para casarse con su abogado divorcista o Miranda se replanteaba toda su vida a raíz del nacimiento de su primer hijo. Pero mantuvo su sentido del humor inteligente y sus reflexiones acerca del tema básico, su "principio fundacional": nuestras vidas giran en torno al sexo (que no al follar). Es posible que, si le damos un poco de sentido a éste, consigamos ser -un poquito- más felices.
Por si alguien quiere conocer -o reencontrar- a estas cuatro chicas, pasearse por "la ciudad que nunca duerme" o simplemente saber cómo se hace tele de la buena, se puede pasar por Antena 3 de martes a jueves, a eso de las 2 de la noche.

MO CUISHLE!

2005-02-28T16:28:00.000+01:00

Estoy bastante satisfecho con el desarrollo de acontecimientos en la septuagésimo séptima edición de los premios Oscar. Y eso que me fui a la cama a las seis y media. Un caso como el de este año es rara avis, pero afirmo con alegría que la mayoría de los premios han ido a parar a manos de quien más los merecía. Así, la gran triunfadora de la noche fue Million Dollar Baby, que noqueó a rivales tan potentes como Descubriendo Nunca Jamás o Entre Copas. El veterano Eastwood ha filmado una obra maestra, y los académicos no han tenido otra que olvidarse de "ambigüedades morales" del film y dejar a un lado a los magnates hollywoodienses de ayer y hoy. Aparte de peli y dirección, actor secundario para Morgan Freeman y actriz principal para Hillary Swank (esta vez no arrebatado a Anette Bening).

El Aviador tampoco se fue de vacío. Cuatro estatuillas técnicas e indiscutibles, y una más dudosa a la mejor actriz secundaria para Cate Blanchett, que no sabemos si homenajea, imita o parodia a Katharine Hepburn. Cómo no, no hubo Oscar para Scorsese -y es que la gran rareza de este año es que se incumplieron las reglas de la compensación que tanto les molan a los americanos-. La película tiene una gran dirección, pero podemos -y queremos- esperar más del hombre que nos presentó, hace ya casi treinta años, a Travis Bickle.

Pregunta: ¿se merecía Jamie Foxx el premio al mejor actor por su interpretación de Ray Charles? En fin, sabemos que cuenta mucho el que lleve los ojos cerrados y cojee durante toda la película... y además está lo de ser negro. No se si me explico, pero la audiencia de Brooklyn subía mogollón cada vez que salía Chris Rock a escena.

Al pobre Jorge Drexler no le dejaban cantar su canción, Al Otro Lado del Río ("no lo conoce ni el tato y nos vamos a quedar sin audiencia", pensarían los mandamases de la ABC). La tuvo que "interpretar" Antonio Banderas, pero todo cambió cuando el tema ganó el premio que tanto se merecía: el autor subió, se marcó un par de estrofas y se quedó mas ancho que largo. Peor lo tuvo que pasar Christophe Barratier viendo como Beyoncé convertía la canción de sus Chicos del Coro en una pieza digna de "Popstars".

La cara habitual de chulofutbolines de Nacho Vigalondo se le congeló cuando el Oscar al mejor corto fue a parar a vete tú a saber quién. Eso sí, teniendo en cuenta las pretensiones que 7.35 de la mañana podía tener cuando se gestó, estar allí junto a Jeremy Irons ya era premio suficiente, aunque suene a topicazo.
Amenábar, por el contrario, ya olía premios cuando escribía en Madrid junto a Mateo Gil Mar Adentro. Que era el ganador estaba cantado, sobre todo cuando supimos que entregaba el premio Gwyneth Paltrow, reciente hija adoptiva de Talavera de la Reina. "Espania! Mar Adenchrou!" gritó la mujer mientras Alejandro y Bovaira esprintaban por el teatro. No pudo ser con la otra categoría, y el maquillaje se fue para Una Serie de Catastróficas Desdichas, que no se quedaba a la zaga en calidad.

El resto de los premios, equitativos y bastante correctos. Una de mis pelis de culto del año (Eternal Sunshine of the Spotless Mind) vio reconocida la calidad de su guión original, y, cómo no, Los Increíbles se convirtió en el mejor largometraje animado. De alfombra roja, vestidos y protocolo, podéis informaros en Corazón de Invierno, porque a mí pocas cosas me llamaron la atención (con la excepción quizá de las inmensas tetas lactantes de Julia Roberts).

Un gustazo una ceremonia como la de ayer. Breve (sólo tres horas), ágil, y más castellanoparlante que nunca. No me lo recordéis, ya se que el mejor cine no es el que está en los Oscar... pero la mejor tele no es la de Crónicas Marcianas y lo ven millones de personas cada noche. Esto, por lo menos, es sólo una vez al año.

LÍNEAS PARA RECORDAR (X)

2005-02-22T21:15:00.000+01:00

Alec: No te has enfadado conmigo, ¿verdad?
Laura: No, no estoy enfadada. Realmente creo que no estoy...nada. Sólo me siento cansada.
Alec: Perdóname.
Laura: ¿Perdonarte por qué?
Alec: Por todo. Por conocerte, en primer lugar. Por haberte quitado la arenilla del ojo. Por haberte amado. Por haberte causado tanto dolor.
Laura: Te perdono... si me perdonas.

Alec: El jueves.

Breve Encuentro (1945)

Escrita por Noel Coward - Dirigida por David Lean

YO ES QUE ME PARTO

2005-02-21T21:12:00.000+01:00

Un pequeño paso atrás para que las olimpiadas de 2012 se celebren en Madrid. Y una gran tocada de cojones para todos los que usábamos la línea 6 de metro pasando por Nuevos Ministerios con regularidad. Menos mal que el sufrimiento acabó. "Ready for you!".

(Gracias a Malasombra por estas chorradas tan divertidas)

HACIENDO DE LAS NUESTRAS

2005-02-20T17:28:00.000+01:00

¿Os acordáis? Era abril del año pasado. Para celebrar que por fin puedo publicar fotos propias en el blog, aquí queda la primera entrega del "making of" fotográfico de una de las grandes superproducciones del año pasado. Tengo que investigar muchas cosas (como por ejemplo cómo poner varias fotos en un post :S). Si el Vigalondo puede ir a los oscar con su corto, nosotros podríamos romper la taquilla con esto. Nos vemos pronto, espero que con más fotos de "Nada de Terror". Intentaré conseguir alguna imagen de nuestro otro éxito del pasado año, e imágenes del rodaje (más serio ya) de "Papeles". Sirva como saludo a todos los que pasamos ese día (y esa noche) tan divertidos haciendo nuestra propia peli de zombis.
P.D.: por si alguien aún no ha visto el corto (o no me reconoce) soy el de la camiseta a medio quitar. Qué le voy a hacer, me tocó la escena tórrida de la peli.

LA GUERRA DE LOS MIÉRCOLES

2005-02-10T01:58:00.000+01:00

La noche del miércoles ha sido el campo de batalla elegido para librar una de las batallas más sangrientas de la televisión española reciente. Todo empezó en octubre, con el esperado regreso de la serie revelación del pasado año. Comenzaba la emisión en Antena 3 de la segunda temporada de Aquí no hay quien viva, y "pese" a la ausencia de Loles León, la serie empezó fuerte: desde el primer capítulo no ha bajado de los cuatro millones de espectadores, alcanzando en momentos de máxima tensión argumental -por decir algo- hasta siete y medio. Ni Dallas en sus mejores tiempos. Hasta ahí todo bien, los otros canales (Telecinco, porque las autonómicas no cuentan, el plus se paga y TVE no levanta cabeza) programaban modestamente, sabiendo que la comunidad de vecinos se come a quien le pongan por delante...¿o no?
Enero de 2005: Telecinco, tras una larga promoción y sabiendo que numerosos fans lo esperaban ávidamente, estrena el primer capítulo de la tercera temporada de su serie estrella, Los Serrano. ¿Cuando? el miércoles por la noche, de una forma escrupulosamente simultánea (en inicio, fin y pausas publicitarias) con la serie de Antena 3. Aquí está de nuevo, por si la habíais olvidado, la maldita contraprogramación. La cosa empezó con empate técnico: La primera noche, las dos series tuvieron cerca de seis millones de espectadores (a tener en cuenta el récord de gente movilizada frente al televisor...).
Los miércoles no eran nuevos para ninguna de las dos producciones, pero nunca hasta ahora habían coincidido. Las dos habían saltado por la parrilla de flor en flor, y encontraron su sitio en este día... pero esto tenía que pasar.

La guerra había comenzado, y cualquier arma era válida: Aquí no hay quien viva prolongó la duración de sus capítulos para igualarla a su rival, y convirtió en habituales los finales de episodio "cliffhanger": dejar a los protas en una situación totalmente incierta hasta la semana que viene, cual culebrón venezolano. Por su parte, Los Serrano anunciaba los capítulos con Fran Perea (uno más de sus reclamos para niñas/adolescentes) cuando el ¿actor? aparecía unos quince segundos, y los culos y tetas de Eva y África se habían convertido (aún más) en sello de fábrica de cada episodio. El segundo y tercer miércoles la batalla parecía ganada por José Luis Moreno, productor de Aquí no hay quien viva (seis millones contra cuatro), y creíamos inminente el cambio de día de Los Serrano. Pero a partir del cuarto (hace una semana) Resines y su troupe asestaron un duro golpe a los de Juan Cuesta, recuperando gran parte de la audiencia perdida. Qué pasará a partir de ahora, ni idea, pero como todas las buenas guerras, parece que va para largo. Las teles enemigas, además, se juegan con la audiencia de las series el éxito o no de sus posteriores late shows: esto se ha demostrado hoy con la presencia de algunos "Serranos" en Crónicas Marcianas.
Pero por favor, ¿es que los espectadores -auténtica fuente de ingresos de la tele- no contamos nada? ¿por qué hay que convertir a dos series, totalmente diferentes y perfectamente complementarias, en rivales? Aquí o estas con unos, o con otros, o sueltas de cinta de vídeo... Otra cosa sería que la ficción televisiva española fuese tan wonderfulosa que hubiese tres series (mínimamente potables, como estas dos) entre las que elegir cada día. Pero no es así. ¿se ha fijado alguien en la programación de los lunes, por ejemplo? Para darse un tiro. Señores programadores: yo tengo mi favorita -como todo el mundo- pero no estaría de más poder ver las dos y poder disfrutar de las pocas series que quedan en nuestra tele, cada vez más abarrotada de Salsas Rosas y "Realities" de ciencia-ficción. Dejen de joderse entre ustedes, haya amor, paz y sostenibilitat, y de paso, dejen de darnos por el culo a nosotros. Que sin nosotros no serían nadie.

GOYAS POR LA BORDA

2005-02-07T01:39:00.000+01:00

Domingo, 30 de enero de 2005. Palacio de congresos de la Comunidad de Madrid. Se entrega el decimonoveno kit de premios de la academia del cine español (allá por el 86 comenzaban su andadura). Todos, a estas alturas, sabréis más o menos algo de lo que sucedió; tampoco hacía mucha falta ver la gala. Mar Adentro, la gran película de Alejandro Amenábar, arrasaba con catorce de las quince estatuillas a las que estaba nominada. Cuestión sin respuesta clara, como que qué hacía Zapa por allí o por qué los presentadores eran más de tp de oro que de premios de cine... lo de Monserrat Caballé rozó lo bizarro. Fuera de que estemos de acuerdo o no con esta decisión por sufragio de los académicos, es un hecho empírico que estos fenómenos de recepción masiva de galardones convierten la ceremonia en que se producen en un auténtico coñazo... ¿fui el único al que le vencía el sueño el año pasado cuando Gandalf and friends arrasaban con los Oscar? Comencemos por los premios que no se llevó el biopic de Sampedro, para hacer esto un poco más ameno -aunque como véis me asalta intermitentemente el sopor que hace una semana me fulminaba, sólo con el recuerdo:

Menos mal que al Goya de Honor no hay nominados, y José Luis López Vázquez, uno de nuestros mejores actores, no tuvo que irse de vacío: uno de los premios más merecidos de la noche, al que nadie le negó su aplauso. Quizá demasiado aburrida la presentación de sus pelis de Pepe Sacristán, pero el homenaje era estrictamente necesario, para que no nos pase la de Agustín González, uno de los In Memoriam más sentidos.
Los premios para cortometrajes fueron a parar a El enigma del chico croqueta y Diez minutos, en animación y acción real respectivamente. No entro en detalles porque no he visto casi ninguno de los nominados (tarea difícil por otra parte) pero la animación de plastilina Minotauromaquia, según dicen, daba de patadas al niño-aperitivo.
Los documentales... sólo diré que casi venía tan preparado como para los cortos. El ganador en corta duración es Extras, sobre la labor de los mismos en el cine. El de largometraje se va para una de las mejores pelis españolas del año: El milagro de Candeal, de Fernando Trueba, un emocionante retrato de una comunidad utópica que surge en Salvador de Bahía, Brasil. La peli también se lleva el premio a la mejor canción, por Zambie Mameto, compuesta e interpretada por el prota de la misma, Carlinhos Brown.
Dos cabezones para El Lobo: la peli es un poco de antena 3 después de comer, pero los premios que se llevó -rollo técnico- se los ganó con creces. Mejores efectos especiales y mejor montaje. El film es de director francés (parece una bobada pero se nota en muchas cosas), y -qué mal me suena decir esto- parece americana, en el buen sentido.
Nos vamos al extranjero, y esperemos que un día este premio se unifique y amplíe...de momento sólo hay galardón a mejor peli europea (para la alemana Contra la Pared) e hispanoamericana (Whisky, uruguaya). Todo sea dicho, muy merecidos los dos, pero no estaría de más poder oír en los Goya el nombre de Zhang Yimou o Clint Eastwood, por ejemplo.

Gran momento cómico - e imprevisto- de la gala: Diarios de Motocicleta se lleva el premio a mejor guión adaptado y allí no suben ni José Rivera, ni el Tato, a por la estatuilla. "Pues habrá cogido la motocicleta y se habrá marchado" dice perplejo Antonio Gala, Goya en mano. No me extraña que se diese a la fuga, por otra parte...
Gil Parrondo se llevó su enésimo Goya para casa por los decorados de Tiovivo c. 1950... No se admite discusión, son geniales, y es que estamos hablando del director de arte de Doctor Zhivago, entre otras.
Pablo Malo, mejor dirección novel por Frío sol de invierno...habrá que verla, aunque las otras tres no estaban mal.
P3K. Pinocho 3000, se lleva el de mejor largo de animación. A mi me moló mas Supertramps, pero hay que reconocer que la adaptación futurista de las aventuras del chico palo estaba animada que ni la Pixar.

A partir de aquí, todo es para Mar Adentro. No voy a recordar todo lo que le dieron, y no voy a negar que fuese merecido. Pero que el actor revelación debió ser Nilo Mur o la música para Alberto Iglesias , son verdades como puños. La película es de lo mejor que hemos visto este año en el cine patrio, pero no es tan superior al resto como los Goya han insinuado, y eso es lo que de verdad me parece un error. Sabiendo como saben los académicos que un Goya le da un par de semanas de vida más a una peli en salas, es lo peor que podían haber hecho. Alejandro ya se ha llenado las arcas (y se las ha llenado a Sogecable) de sobra. Además, fuera de la pandi Amenábar-Bovaira-Aguirresarobe tenemos grandes profesionales: los aspectos técnicos de Crimen ferpecto, la música y guión de La mala educación, la emotividad inteligente de Roma, la gran apuesta de El maquinista... El cine español tiene más calidad, variedad y cantidad de lo que la academia dice, y no se puede pedir a las autoridades que apoyen algo en lo que ni ellos mismos creen (apúntatelo para el año que viene, Mercedes).

Id a ver pelis españolas, y deshaceos de prejuicios estúpidos. De paso, pasad un buen rato, que seguro que encontráis vuestro tipo de historia. Nuestro cine -dios, parezco Resines con el niño del béisbol- es tan heterogéneo como nosotros, y a la vez es mucho más fácil entrar en su juego (ni explosiones ni patadas voladoras, o las que hagan falta para contar una historia, ni una más). Es una gilipollez alegrarnos cuando un título español gana un Oscar si en la cola del multicine ignoramos todo lo que se rueda por aquí. Al fin y al cabo, el objetivo último de una producción no es ganar premios y festivales, es que la vea la gente. Dejo de enrollarme. Tan solo esperemos que en 2006 Fernando León no repita la jugada con Princesas, que hay muchas películas esperando.

LÍNEAS PARA RECORDAR (IX)

2005-02-05T02:36:00.000+01:00

Andrew: ¿Mientes mucho?
Sam: ¿Qué consideras tú "mucho"?
Andrew: Suficiente como para que la gente te llame mentirosa.
Sam: La gente me llama muchas cosas...
Andrew: ¿Es una de ellas mentirosa?
Sam: Podría decirte que no pero, ¿cómo sabrías que no estoy mintiendo?
Andrew: Supongo que podría elegir confiar en ti.
Sam: ¿Puedes hacer eso?
Andrew: Puedo intentarlo.

Garden State (2004)
Escrita y dirigida por Zach Braff

DOS CORTOMETRAJISTAS

2005-01-31T02:37:00.000+01:00

Salgo de mi confinamiento entre torres de absurdos apuntes. Abandono las más flamantes tecnologías del audiovisual, que dentro de unos meses serán mierda obsoleta. Desatiendo (momentáneamente, mamá) mis labores de estudiante, para hablar del gran descubrimiento de la semana.
Resulta que el martes descubrimos que hay vida inteligente más allá de Amenábar (y más acá. Ya hablaremos de los Goya, que pena), y que otro realizador español optaba a un Oscar de la academia de Hollywood. Nacho Vigalondo viajará a Los Angeles a probar suerte con su cortometraje 7.35 de la mañana en la categoría de ficción / acción real. ¿Que quién es? Pues es un joven cántabro que se vino a Madrid a abrirse camino en la industria del séptimo arte -como tantos-. Por si esto no os dice mucho, sabed que también hace sus pinitos como actor publicitario: es uno de los "tres en un burro" de VisionLab. Su corto es divertido, surrealista e inteligente...si merece el galardón, lo podéis decidir vosotros mismos, viéndolo en su página. De paso, podéis dar un entretenido paseo por ese cajón de sastre (y desastre) que es su bitácora.

Pero resulta que, como siempre, cine llama a cine. Explorando sus links descubrí el sitio de Alberto González, amiguete de Nacho y genio irreconocido de la animación. Tuve un primer contacto con su obra hace un par de años, y es que recibió una mención honorífica en en NoTodoFilmFest: No os podéis perder su corto Un día con Amenábar. Después de la coba que le acaba de dar la academia, no está de más reírse un poco del "niño prodigio" del cine español. Pero hasta lo muy bueno se puede superar. Si tenéis agallas, visionad en su totalidad En menudo jari se metió mi Fary, obra maestra del bizarro más castizo. Una suerte de Policía corrupto protagonizada por El Fary, Jorge Roelas o Arévalo, entre otros. El resto de su obra merece un buen repaso, así como el blog en que de vez en cuando escupe pensamientos. Todo está en su página, Querido Antonio. Recomendados quedan (los dos).

Permaneced en sintonía con Puñaladas. Una crónica de los Goya, nuestro "road to the Oscars" particular, una diatriba contra los remakes americanos, y comentarios de lo mejor y lo peor que se me cruce en el terreno audiovisual. Si estoy en un leve standby, es por culpa de la Complu. Próximamente, todo eso y mucho más, aquí mismo.